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Escultura de bronce etrusca


Los etruscos produjeron artículos de bronce que se remontan al período de Villanovan (1100-750 a. C.) y utilizaron el material para todo tipo de objetos, pero son sus esculturas de figuras las que se han convertido en algunas de las atracciones estrella de los museos de todo el mundo. El bronce fue un material muy deseable durante toda la antigüedad y se fundía fácilmente para su reutilización, por lo que es aún más notable que obras tan finas como la Quimera de Arezzo y Marte de Todi hayan sobrevivido para dar testimonio hoy del exquisito arte de la primera gran civilización de Italia.

Fabricar

Etruria tuvo la suerte de tener ricos recursos de metales, especialmente cobre, hierro, plomo y plata. Los primeros etruscos les dieron un buen uso y el bronce se utilizó para fabricar una amplia gama de productos como herramientas, armas, armaduras, monedas, joyas, abanicos, lámparas de aceite, quemadores de incienso, espejos, trípodes, platos y utensilios cotidianos, calderos. , pedazos de caballos, cofres e incluso carros. El bronce fue martillado, cortado, fundido usando moldes o la técnica de la cera perdida, repujado, grabado y remachado en una amplia gama de técnicas.

A partir de mediados del siglo VIII a. C., los artistas etruscos se beneficiaron del contacto con los colonos griegos (especialmente los eubeos) y comerciantes de Fenicia, Cerdeña, Egipto, Europa central y los Balcanes. Esto trajo refinamientos tecnológicos en el trabajo en metal y una gama completamente nueva de ideas artísticas.

Muchas ciudades etruscas establecieron talleres especializados en la producción de trabajos en bronce y estos incluyeron Acquarossa, Cerveteri, Chiusi, Populonia, Tarquinia, Vulci, Volsinii y Volterra. Para dar una idea de la escala de producción, se dice que los romanos saquearon más de 2.000 estatuas de bronce cuando atacaron Volsinii (la actual Orvieto) en 264 a. C., fundiéndolas para acuñarlas.

Figuritas

Las figurillas de bronce, a menudo con una pequeña base de piedra, eran una forma común de ofrenda votiva en los santuarios y otros lugares sagrados. Algunas, como las que se encuentran en la Fonte Veneziana de Arretium, originalmente estaban cubiertas con pan de oro. Una de las primeras figuras es una representación de bronce fundido y martillado del siglo VI a.C. de una diosa femenina sosteniendo un pájaro de la Tumba de Isis en Vulci. Mide 34 cm de alto y originalmente tenía ojos incrustados y partes cubiertas con papel de oro. La figura se encuentra ahora en el Museo Británico de Londres.

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La mayoría de las figurillas son mujeres con largas túnicas de quitón, hombres desnudos como el griego kouroi, guerreros armados y jóvenes desnudos. A veces se presentaban dioses, especialmente Hércules. Una pose común de las figurillas votivas es tener un brazo levantado (quizás en señal de apelación) y sosteniendo un objeto, comúnmente una granada, flores o un alimento circular (probablemente un pastel o un queso). Buenos ejemplos de obras de bronce más pequeñas incluyen una estatuilla del siglo VI a.C. de un hombre haciendo una ofrenda votiva de la 'Tumba de la estatuilla de bronce del portador de la ofrenda' (Tomba del Bronzetto di Offerente) en Populonia. Otra obra excelente es la estatuilla del siglo IV a. C. de dos bueyes y un labrador de Arretium.

Volterra se destacó por su producción de figurillas de bronce distintivas que son figuras humanas extremadamente altas y delgadas con cabezas diminutas. Quizás sean una reliquia de figuras mucho más antiguas cortadas en láminas de bronce o talladas en madera y curiosamente recuerdan a la escultura de arte moderno. El ejemplo más famoso data del siglo III a. C. y se conoce como el Ombra della Sera ('Sombra vespertina'). Es una representación de 57 cm de alto de un niño desnudo que se pone rígido en posición de firmes y luce un atisbo de sonrisa. La figura se exhibe en el Museo Etrusco Guarnacci en Volterra.

Realismo sobre estética

Las obras de arte etruscas se exportaron a lo largo y ancho del Mediterráneo, y muchas se han descubierto en lugares sagrados como Olimpia, Delfos y Dodona. Escritores antiguos como Plinio el Viejo elogiaron a los etruscos por su escultura de bronce, en particular:

Vemos al Apolo toscano, en la biblioteca del templo de Augusto, a quince metros de altura desde la punta; y cabe preguntarse si es más notable por la calidad del metal o por la belleza de la mano de obra. (Keller, 232)

El historiador W. Keller explica qué tenía de singular la escultura de bronce etrusca en comparación con las obras de otras culturas contemporáneas:

No era la forma etrusca de concentrarse en lo externo, de apuntar a una perfección de forma idealizada e irreal. Sus obras dinámicas y vitales palpitaban de vida. Ya fueran figuras de animales o de seres humanos, no eran regulares, equilibradas o ideales. Los artistas etruscos pretendían sobre todo sacar a relucir la quintaesencia de su tema, sus características individuales. Se esforzaron por expresar la fuerza impulsora interior, las profundidades inconscientes ... Los artistas etruscos buscaron captar la personalidad de un hombre, su núcleo básico duro, y transmitirlo de manera realista, independientemente de la estética. Fueron sus obras las que inspiraron el arte realista y sobrio del retrato romano. (232-3)

Obras maestras etruscas

Quimera de Arezzo

La quimera es un monstruo que escupe fuego de la mitología griega que tiene la cabeza de un león, la cola de una serpiente y una cabeza de cabra que sobresale de su espalda. La escultura, fundida en bronce mediante la técnica de la cera perdida, mide 78,5 cm de alto y 129 cm de largo. Data del siglo V o IV a. C. La cola es el resultado de una restauración realizada en el siglo XVIII EC basada en un fragmento sobreviviente. Probablemente fue parte de una composición de piezas junto con el héroe Belerofonte, que mató al monstruo, y su caballo alado Pegaso. Hay una inscripción en una pierna que dice tinscvil o 'regalo a Tin', lo que indica que era una ofrenda votiva al dios Tin (también conocido como Tinia), jefe del panteón etrusco. Milagrosamente, la escultura fue encontrada en una zanja en 1553 EC cuando Cosimo de 'Medici, el Gran Duque de Toscana, estaba levantando nuevas fortificaciones en Arezzo. Actualmente se encuentra en exhibición en el Museo Arqueológico de Florencia.

Marte de Todi

Data de finales del siglo V o principios del siglo IV a. C., la sorprendente figura de tamaño casi natural lleva una coraza y una vez sostuvo una lanza. Por otro lado, probablemente estaba sirviendo una libación. La figura mide 142 cm de alto y lleva una inscripción en Umbría (ahal trutitis donum dede) que revela que fue dedicado por Ahal Trutitis, un celta. Se cree que se hizo en Arretium, incluso si se descubrió cerca de Todi, donde fue enterrado ritualmente en una trinchera revestida de piedra después de haber sido alcanzado por un rayo. Ahora está en exhibición en los Museos Vaticanos en Roma.

Minerva de Arezzo

Esta representación de Menerva, la diosa etrusca, que era el equivalente de la diosa griega Atenea y la deidad romana Minerva, se realizó en algún momento entre los siglos III y I a.C. Descubierto en 1541 EC en un pozo en Arezzo, actualmente se exhibe en el Museo Arqueológico de Florencia.

Retrato de un hombre barbudo 'Brutus'

Esta cabeza de retrato (montada en un busto moderno) se ha identificado durante mucho tiempo con Bruto, primer cónsul de Roma, pero no hay evidencia de esta asociación. La mayoría de los historiadores del arte coinciden en que, por motivos estilísticos, se trata de una obra etrusca de alrededor del 300 a. C. Ahora está en exhibición en los Museos Capitolinos de Roma.

El Arringatore (Orador)

Esta figura de tamaño natural se hizo en la primera mitad del siglo I a. C. y representa una figura masculina de pie con una túnica de manga corta y una toga con el brazo extendido como si estuviera dando un discurso. Una inscripción indica que se ofreció a nombre de un Aule Meteli (a quien puede representar o no). La estatua fue descubierta cerca del lago Trasimene en 1566 EC, y actualmente se encuentra en exhibición en el Museo Arqueológico de Florencia.

Nota: durante mucho tiempo se pensó que la estatua conocida como la Loba Capitolina que se exhibe en los Museos Capitolinos de Roma era una escultura etrusca, pero ahora se cree que pertenece al siglo XI o XII d.C.


LOS GRANDES ESCULTORES TOSCOS DEL SIGLO XV V. Francesco Laurana, Antonio del Pollaiuolo, Andrea Riccio y Pisanello.

El estilo plano, sutil y refinado de los escultores florentinos de la quattrocento nunca se vio afectado. Eran delicados por convicción. Este aspecto es evidente en los retratos que otro escultor, esta vez no florentino, llamado Francesco Laurana, realizó para las princesas de la corte de Nápoles. Francesco Laurana (ca. 1430 - antes del 12 de marzo de 1502) era dálmata, de Vrana (hoy Zadar), y tuvo una carrera cosmopolita en Nápoles, Sicilia, Marsella y Aviñón. Sus retratos de las princesas napolitanas de la Casa de Aragón (Leonor, en el Palazzo Abatellis de Palermo, y el busto de una princesa no identificada, en el Louvre) son obras maestras en las que la síntesis formal se abre paso por el camino de la creación abstracta.

Busto de Leonor de Aragón, mármol, de Francesco Laurana, ca. 1468-1471 (Galleria Regionale della Sicilia, Palazzo Abatellis, Palermo). Francesco Laurana, también arquitecto como su hermano Luciano, constructor del Palacio Ducal de Urbino, fue también un excelente escultor de refinada y sobria elegancia. Llamado por Alfonso V a su corte de Nápoles para trabajar en el arco de triunfo de Castelnuovo, realizó allí estos bustos de las princesas aragonesas. Este busto en particular fue tallado originalmente para la tumba de Leonor # 8217 y se considera el epítome de la escultura siciliana de la era del Renacimiento. Se considera iconográficamente similar al & # 8220Busto de una princesa & # 8221 (Louvre, ver imagen a continuación). Busto de una princesa, mármol, de Francesco Laurana, hacia 1468 (Museé du Louvre, París). Este busto forma un cuadrado perfecto (44 x 44 cm). Aunque la modelo permanece sin identificar, generalmente se ha relacionado con un retrato póstumo de la infanta Leonor de Aragón, sobre la base de su retrato funerario que ahora se encuentra en la Galleria Nazionale della Sicilia en Palermo.

Los decoradores florentinos no solo ejecutaron sus obras en piedra caliza y mármol, sino incluso en bronce, como lo hicieron Donatello y Verrocchio. Uno de ellos, Antonio del Pollaiuolo (17 de enero de 1429/1433 - 4 de febrero de 1498) se trasladó a Roma en 1484 con su hermano Piero, también escultor y pintor, para esculpir los monumentos sepulcrales de Inocencio VIII y Sixto IV. Pollaiuolo fue un artista de extrema sensibilidad, algo enfermizo. El nerviosismo que ya era visible en algunas de las obras de Donatello & # 8217s se agravó en Pollaiuolo & # 8217s, su primera formación fue como orfebre, técnica a la que volvió en sus años mayores cuando realizó el relieve plateado que representa el Nacimiento de la Bautista, entre 1367-1483. Este altar, tallado antes de su viaje a Roma, estaba destinado al baptisterio de Florencia.

Monumento de Sixto IV, bronce, de Antonio del Pollaiuolo, 1484-1493 (Tesoro del sótano de San Pedro & # 8217s Basílica, Vaticano). Esta tumba de Sixto IV fue encargada por Sixto y sobrino # 8217, el cardenal Giuliano della Rovere (más tarde Papa Julio II). La tumba es uno de los grandes logros escultóricos del siglo XV, una composición que manifiesta la exageración en los rasgos anatómicos de las figuras típicas del arte de Pollaioulo. La parte superior del monumento es una representación realista de Sixto IV yaciendo en estado. Rodeando la figura yacente del Papa con tiara y vestiduras pontificias, y colocadas en un nivel ligeramente más bajo, hay representaciones de las siete virtudes (Caridad, Esperanza, Prudencia, Fortaleza, Fe, Templanza y Justicia). La base cóncava de la tumba está decorada con diez paneles en bajorrelieve que representan figuras femeninas alegóricas que representan la gramática, la retórica, la aritmética, la geometría, la música, la pintura, la astronomía, la filosofía y la teología: las artes liberales clásicas, con la adición de pintura y teología. las figuras están separadas por consolas de acanto. Cada figura incorpora el roble (rovere& # 8221 en italiano), símbolo de Sixto IV. Tumba del Papa Inocencio VIII, bronce dorado, de Antonio del Pollaiuolo, 1492-1498 (San Pedro & # 8217s Basílica, Vaticano). Los encargos finales de Antonio del Pollaiuolo # 8217 fueron las tumbas papales de Sixto IV (ver foto anterior) y la de su sucesor Inocencio VIII (foto de arriba). Este monumento funerario se encontraba originalmente en la antigua Basílica de San Pedro y se completó poco antes de la muerte de Pollaiuolo. El monumento consta de dos partes: una efigie yacente de Inocencio VIII acostado sobre su tumba y una imagen de él sentado en un trono y colocado encima. En esta figura sentada, el Papa bendecido sostiene la punta de metal de la lanza que atravesó el costado de Cristo, una de las muchas reliquias sagradas que se encuentran en San Pedro & # 8217s. Durante siglos, la reliquia de la Santa Lanza se mantuvo en Constantinopla. Sin embargo, en 1492, poco antes de su muerte, el papa Inocencio VIII lo recibió como regalo del sultán otomano Bayezid II. La figura del Papa sentado está rodeada de relieves de las cuatro virtudes cardinales. En la parte superior, una pesada cornisa está coronada por una luneta con las tres virtudes teologales representadas en relieve (la caridad se coloca dentro de una mandorla). & # 8220Altar del baptisterio de Florencia con Escenas de la vida del Bautista: Nacimiento & # 8221, oro, de Antonio del Pollaiuolo (Museo dell & # 8217Opera del Duomo, Florencia). Este relieve, que representa el Nacimiento del Bautista, se encuentra en el lado izquierdo del Altar y da una fiel imagen de género de un interior florentino contemporáneo. La escena transcurre dentro de una habitación, en la que se coloca la cama a mitad de camino. En el fondo lejano debajo de la ventana, un sirviente trae refrigerios, mientras que el niño Bautista atendido por sus enfermeras ocupa el primer plano. Mientras tanto, la Virgen entra en la habitación de la derecha acompañada de su asistente, una figura que recuerda fuertemente la imagen de Flora en la & # 8220Primavera & # 8221 de Botticelli (en la foto de abajo). La escena del primer plano representa el lavado del niño y es realista en sus detalles, por ejemplo ver a la mujer sintiendo la temperatura del agua con su mano izquierda.

En algunas de las obras de Pollaiuolo, la expresión jugó un papel importante, especialmente en sus pequeñas esculturas. Algunos estudiosos también han atribuido a Antonio del Pollaiuolo haber esculpido las figuras de los gemelos Rómulo y Remo que se agregaron en el siglo XV a la antigua estatua de la Loba Capitolina. Por esta época, varios artistas toscanos u otros procedentes de diferentes regiones del centro y norte de Italia, comenzaron a modelar obras de reducido tamaño, dando lugar a una tradición que, a finales del siglo XV y principios del XVI, Tendría su representante más importante en el padua Andrea Briosco de apellido Riccio (ca. 1470 - 1532), formado primero como orfebre y luego autor de pequeñas figuras de bronce, animales y desnudos modelados al estilo etrusco. Destacó en la creación de pequeños bronces que capturaron el espíritu de la antigüedad sin recurrir a la copia. Riccio ha sido considerado como el mayor escultor de pequeños bronces de la Italia del Renacimiento.

Algunas pequeñas esculturas de Antonio del Pollaiuolo. Izquierda: Hércules y Anteo, bronce, década de 1470, 45 cm de altura (Museo Nazionale del Bargello, Florencia). La escultura representa el episodio clásico de Hércules involucrado en un combate de lucha libre con el gigante Anteo que era invencible siempre que una parte de él tocara la tierra, de la que tomó su fuerza. Así, Hércules lo mantuvo en el aire hasta que se debilitó y murió. Hércules está representado con los brazos alrededor de la cintura de Anteo, aplastando el cuerpo del gigante contra el suyo. Estas estatuillas de bronce se patinaban con frecuencia para parecerse a los bronces antiguos. Esta pieza en particular demuestra el conocimiento de anatomía de Pollaiuolo (aprendido de la disección de cadáveres) y su capacidad para representar la violencia física y emocional. Este grupo fue famoso durante la vida del artista: Leonardo lo estudió y Miguel Ángel incluyó un boceto en una hoja que ilustra la fundición de bronce. Derecha: Hércules, ca. 1475 (Museo Bode, Berlín). Pequeños bronces de Andrea Riccio. Arriba a la izquierda: Pan, ca. 1510-1520, 36 cm de altura (Metropolitan Museum of Art, Nueva York). Esta estatuilla sigue el modelo de una antigua estatua de mármol que se encuentra hoy en los Museos Capitolinos de Roma. Duccio & # 8217s la clientela aprendida prefería temas asociados con la mitología clásica. Parte superior derecha: The Shepherd Daphnis with Pipes, entre 1520-1530, 21,3 cm de altura (Walters Art Museum, Baltimore. Maryland). Este pequeño bronce destaca por su naturalismo y lirismo. Esta estatuilla representa a un pastor del mítico mundo de Arcadia, donde sátiros, ninfas, dioses y humanos convivían a sus anchas. El dios Pan le enseñó a tocar la flauta de caña hueca y se convirtió en el inventor de la poesía pastoral. Abajo a la izquierda: La lámpara Rothschild, ca. 1510-1520, 19 x 23 x 7 cm (Museo Metropolitano de Arte, Nueva York). Esta es una lámpara de aceite funcional. En general, la lámpara adopta la forma de un barco o una cocina antigua y fantasiosa. Decorado con conchas, bucrania, arpías *, guirnaldas, y otros motivos decorativos clásicos, el cuerpo de cada lámpara también está decorado con frisos de putti. Abajo a la derecha: Sátiro y sátira, ca. 1510-1520 (Victoria and Albert Museum, Londres). Aquí Riccio describe la naturaleza lujuriosa de los sátiros, pero también su tierna relación: Satyr y Satyress se sientan entrelazados sobre una base poco profunda, abrazados y hombros, su pierna derecha descansando sobre la izquierda, el Satyr toca a su compañero y cuello. con las yemas de los dedos, el pulgar descansando sobre su barbilla, y sus labios fruncidos como si estuvieran a punto de besarse.

Es natural que una sociedad como la de Florencia a mediados del siglo XV, que sintió el espejismo de la antigüedad con una pasión verdaderamente romántica, aspirara a dejar una huella antigua en todas sus manifestaciones artísticas. Tal afán por emular el arte antiguo se convirtió en algo tan arraigado y tan natural entre los italianos que entonces vivían en la Toscana, que incluso se notó en las formas de arte destinadas a la burguesía más simple y al pueblo llano. Se aprecia en cerámicas en las que, fruto de una abundante importación de piezas valencianas, se evidencia el dominio de la técnica del barniz de tinte blanco, que tanto se presta a la ornamentación policromada. Gracias al uso de esta técnica y de un elegante modelado, tales terracotas barnizadas y pintadas eran a menudo pequeñas obras maestras que reflejaban esa sutil sensibilidad renacentista, ya fueran vasijas y piezas de vajilla o inserciones decorativas para fines devocionales o personales.

Ejemplos de cerámica vidriada con estaño Maiolica de principios del Renacimiento en Italia. Izquierda: Jarrón azul y blanco con decoración de hojas de roble y perros, hecho en Florencia, ca. 1400-1450 (Museo Nazionale del Bargello, Florencia). Derecha: Plato Maiolica de loza, vidriado de estaño, principios del siglo XV, Italia (Museo Metropolitano de Arte, Nueva York).

Otra faceta típica de este deseo de revivir las formas de la antigüedad se tradujo en la fabricación de medallas. El primer y más famoso medallista fue un pintor y escultor, natural de Verona, Antonio Pisano, llamado Pisanello (ca. 1395 - ca. 1455), un artista refinado e ilustrador de animales altamente calificado. Él fue quien marcó la pauta de esta moda artística. Su primera medalla fue la que realizó con la efigie de Juan VIII Paleólogo, en conmemoración de su llegada a Italia en 1438. El impacto que tuvo esta medalla en el arte fue significativo, influyendo tanto en la escultura como en la pintura. Posteriormente, los artistas del Renacimiento utilizaron el retrato de Juan de Pisanello casi como un tipo de stock para representar figuras exóticas o antiguas. Esto se puede ver en el trabajo de Piero della Francesca, quien usó la imagen de Juan en sus frescos & # 8220Flagelación de Cristo & # 8221 y Arezzo sobre La historia de la verdadera cruz, y en el trabajo de Benozzo Gozzoli que usó la imagen de John & # 8217. como modelo para representar a uno de los magos en sus frescos para la Capilla de los Magos (ver imágenes pequeñas a continuación).

Medalla del emperador Juan VIII Paleólogo (anverso izquierdo y reverso derecho), aleación de cobre, de Pisanello, ca. 1438, 10 cm diám. (Münzkabinett, Staatliche Museen, Berlín). Juan VIII Paleólogo (1392-1448), emperador de Bizancio, fue el último gobernante del antiguo Imperio Romano. Fue invitado por el Papa Eugenio IV a asistir a un concilio en Ferrara, donde llegó con un numeroso séquito. Pisanello, que entonces trabajaba en Ferrara para Leonello d & # 8217Este, quedó fascinado por la apariencia exótica del séquito imperial, cuyos detalles registró en dibujos y usó en pinturas. Pisanello recibió el encargo de producir un objeto conmemorativo de esta histórica visita. Esta medalla, la primera medalla de retrato del Renacimiento, se convirtió en el tipo de todas las medallas posteriores. En el anverso (izquierda), Pisanello colocó a Juan Paleólogo de perfil siguiendo ejemplos antiguos y medievales, y rodeado por una inscripción identificativa en griego que dice & # 8220 Juan, emperador y autócrata de los romanos, el Paleólogo & # 8221, el aspecto más llamativo de el retrato es el sombrero del emperador: esta gran prenda ocupa alrededor de la mitad del espacio pictórico del anverso. En el reverso (derecha), Paleólogo está nuevamente representado de perfil, montado en su caballo, mientras se detiene para orar en una cruz al borde del camino en la parte superior de un pedestal. Detrás de él, montado en otro caballo, hay un paje o escudero visto desde atrás y en escorzo. Las inscripciones en latín y griego nombran Pisanello como el creador de medallas y # 8217 (& # 8220La obra del pintor Pisano & # 8221). La imagen de Juan Paleólogo de Pisanello (ver foto anterior) tuvo una fuerte influencia en el arte. Sus características & # 8220exotic & # 8221 fueron reproducidas casi sin cambios por artistas posteriores como Piero della Francesca (frescos de Arezzo sobre La historia de la verdadera cruz a la izquierda y Flagelación de Cristo en el centro), así como Benozzo Gozzoli (Procesión de los magos fresco en la Capilla de los Magos-derecha).

Inspiradas en las monedas romanas, con sus retratos de gobernantes y representaciones alegóricas en el reverso, las medallas de Pisanello y # 8217 conmemoraban a personas o eventos y funcionaban como obsequios y recuerdos. Pisanello determinó entonces, el estilo de tal acuñación. En general, en el anverso del disco de bronce modeló en relieve el busto de perfil del personaje retratado, acompañándolo de una leyenda latina y reservando para el reverso un símbolo o alegoría. Entre sus medallas más famosas están las que hizo para Gianfrancesco Gonzaga, marqués de Mantua, la de Filippo Maria Visconti, la de Leonello d & # 8217Este, y la que hizo en Nápoles para Alfonso V de Aragón.

Otras medallas de Pisanello. Arriba a la izquierda: Medalla de Gianfrancesco Gonzaga, aleación de cobre con pátina oscura y capa oscura de cera, ca. 1445-1447, 10 cm diám. (Museo Metropolitano de Arte, Nueva York). Gianfrancesco Gonzaga (1395-1444) fue un exitoso capitán militar y una figura clave en la consolidación del gobierno de Gonzaga en Mantua. En el anverso (izquierda) de la medalla, el marqués aparece opulentamente vestido con un gran sombrero. En el reverso (derecha) se muestra su papel como comandante militar, donde usa una armadura de campaña, sostiene la batuta de mando y se sienta a horcajadas sobre un poderoso caballo. Un escudero enano, vestido de manera similar para la guerra, se ve desde atrás. Medio a la izquierda: Medalla de Filippo Maria Visconti, bronce fundido, ca. 1441, 10 cm diám. (Castello Sforzesco, Milán). Filippo Maria Visconti (1392-1447) fue el gobernante del ducado de Milán. Era solitario, tenía sobrepeso y caminaba con dificultad. El anverso de la medalla muestra a Visconti de perfil con su sombrero característico. En el reverso, la gallarda figura montada, con armadura de torneo y sosteniendo una lanza de justas, evoca el ambiente caballeresco de la corte, al igual que sus compañeros montados. Abajo a la izquierda: Medalla de Leonello d & # 8217Este, aleación de cobre amarillento con pátina marrón oscuro, ca. 1441-1444, 7 cm diám. (Museo Metropolitano de Arte, Nueva York). Leonello d & # 8217Este (1407-1450) fue marqués de Ferrara y duque de Modena y Reggio Emilia. Según fuentes contemporáneas, fue un intelectual serio, ávido músico, poeta y activo mecenas de las artes. En 1441 llevó a Pisanello a su corte y le encargó una serie de al menos seis medallas. Cada medalla lleva el retrato del príncipe # 8217 en el anverso, emparejado en el reverso, con una imagen oscura y complicada rica en simbolismo y en alusiones al arte y el aprendizaje clásicos. En el reverso de esta medalla en particular, piezas de armadura que cuelgan de ramas de olivo flanquean la curiosa figura del niño de tres caras, que generalmente se explica como un emblema de la prudencia, atributo esencial del gobernante, que mira al pasado, al presente. y futuro. Derecha: Medalla de Alfonso de Aragón, Rey de Nápoles, bronce fundido, 1449 (Victoria and Albert Museum, Londres). Pisanello produjo varias medallas de retrato conmemorativas para Alfonso V de Aragón. El reverso muestra un águila majestuosa posada sobre un cervatillo muerto y rodeada de aves rapaces más pequeñas, que representa las virtudes de Alfonso como gobernante. Esta imagen se ve reforzada por la inscripción en latín & # 8220Imperial Liberality & # 8221.

Otras medallas, no menos famosas, también se han atribuido a Pisanello o su seguidor, Mateo de & # 8217 Pasti, también de Verona, que fue alumno de Donatello. Trabajó en el taller de Donatello durante muchos años y completó las obras inacabadas de Donatello después de su muerte en 1466. Más tarde, Bertoldo se convirtió en director y profesor de la academia informal para pintores y escultores que Lorenzo de & # 8217 Medici fundó en su jardín. Al mismo tiempo, Bertoldo era el custodio de las colecciones de antigüedades romanas allí. Aunque Bertoldo no fue un escultor importante, algunos de los escultores más importantes de su tiempo asistieron a esta escuela, entre ellos Miguel Ángel. Otros medallistas famosos fueron Bertoldo di Giovanni, discípulo de Donatello, y Niccolò Fiorentino.

Medallones de Sigismondo Pandolfo Malatesta y de su última esposa Isotta, de Matteo de & # 8217 Pasti (Museo della città di Rimini, Italia). Matteo de & # 8217 Pasti (nacido en Verona) trabajó en muchos encargos reales, incluidos trabajos para Leonello d & # 8217Este y Sigismondo Pandolfo Malatesta. Matteo también colaboró ​​con el arquitecto Leon Battista Alberti en el diseño y construcción del Tempio Malatestiano. Otro medallista importante del Renacimiento italiano temprano. Arriba a la izquierda: Medalla de retrato de Mehmed II (anverso), bronce, de Bertoldo di Giovanni, ca. 1480, 9,4 cm diám. (Galería Nacional de Arte, Washington). Mehmed II, comúnmente conocido como Mehmed el Conquistador, fue un sultán otomano de mediados del siglo XV. Parte superior derecha: Medalla de la conspiración Pazzi (anverso), bronce, de Bertoldo di Giovanni, 1478, 6,4 cm diám. (Galería Nacional de Arte, Washington). Esta famosa medalla conmemora a Giuliano y Lorenzo de & # 8217 Medici después de la conspiración Pazzi de 1478. El anverso muestra a Lorenzo, que escapó. El retrato de longitud de busto está enmarcado por el coro de madera temporal de Brunelleschi que encierra el altar mayor de la Basílica de Florencia, mientras que la escena debajo del busto retrata a Lorenzo defendiendo a sus atacantes y huyendo. Su contenido narrativo no tiene precedentes en una medalla. Medio izquierdo y derecho: Medalla de John Kendal (anverso y reverso), bronce, de Niccolò Fiorentino, 1480, 5,9 cm diám. (Museo Metropolitano de Arte, Nueva York). Abajo a la izquierda y a la derecha: Medalla de Lorenzo de & # 8217 Medici, & # 8216il Magnifico & # 8217, (anverso y reverso), bronce, por Niccolò Fiorentino, ca. 1490, 9 cm diám. (Museo Metropolitano de Arte, Nueva York). Nacido en una familia de orfebres florentinos, Niccolò se encuentra entre los principales medallistas de retratos del Renacimiento italiano. Trabajando en alto relieve, creó efigies que son más atrevidas en escala y más francamente realistas.

Arpía: En la mitología griega y romana, un arpía es una personificación mitad humana (generalmente mujer) y mitad pájaro de los vientos de tormenta. Aparecen en poemas homéricos.

Medalla: (o medallón). Pequeño objeto artístico portátil, que consiste en un disco delgado, normalmente de metal, que lleva un diseño, generalmente en ambos lados. Estos diseños suelen tener algún tipo de propósito conmemorativo. Pueden estar diseñados para usarse, colgarse de la ropa o como joyas.


Quimera de Arezzo, escultura de bronce etrusca (c.400 a.C.) - ilustración de stock

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Escultura etrusca de bronce solide d & # 39un prêtre. 3ème - 2ème siècle avant JC. 11 cm de haut.

Alto 11 cm sin soporte y 16,5 centímetros montado.

Procedencia: Colección particular, C..C., Barcelona, ​​adquirida en Londres en 1960-1970.

ESTADO: Buen estado, ver fotos.

Magnífica figura votiva de bronce macizo de un joven varón de pie, probablemente un sacerdote. Lleva un himation, un manto ancho que cubre su hombro y brazo izquierdo, cayendo sobre su pecho desnudo hacia el lado derecho de sus caderas y luego cubriendo sus piernas. A diferencia de las clamias, esta prenda no se sujeta con alfiler ni corbata. Los tobillos y pies están al descubierto, por lo que vemos que la figura no tiene calzado de ningún tipo.

Su cabeza está adornada con una diadema, generalmente conocida como un stephane irradiado y generalmente se interpreta como una corona de hojas de hiedra o bayas.

La estatua tiene una forma aplanada, una pose y una anatomía directamente influenciadas por el estilo griego-helenístico. El cabello es largo y ondulado, y el rostro bellamente expresivo.

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Tinia, el dios más poderoso del panteón etrusco, a menudo aparece con un rayo, el mismo atributo asociado con Zeus y Júpiter en la religión y los mitos griegos y romanos. La mano izquierda extendida pudo haber sostenido alguna vez un cetro. Aunque la figura encuentra numerosos paralelos entre otros bronces etruscos de finales del 500 y principios del 400 a. C., su superficie es extrañamente áspera y moteada con manchas, quizás el resultado de un tratamiento o recubrimiento moderno temprano destinado a proteger o mejorar su apariencia. Un análisis de 2001 de la composición del bronce mostró resultados consistentes con otras aleaciones etruscas antiguas.


[JD1] Puede parecer obvio, pero con el espíritu de ser súper claro, quiero agregar "antiguo" en algún lugar de aquí: otras aleaciones etruscas antiguas.


Escultura de bronce etrusca - Historia

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Toscana es conocida por ser la patria de la civilización etrusca que dejó muchos rastros en toda la región, así como muchas obras de arte en exhibición en varios museos y sitios; consulte esta publicación sobre 5 obras de arte etruscas para ver.

A continuación, enumeramos 5 áreas arqueológicas que están fuera de los caminos trillados, pero definitivamente vale la pena una visita para todos los amantes de la arqueología ansiosos por saber más sobre los etruscos.

Not too far from the center of the beautiful town of Sarteano, in the province of Siena, there is a large and very interesting necropolis called “Necropoli delle Pianacce”. The first tombs were discovered in 1954, but the most striking findings were discovered in 2003 when the archaeologists found the Tomb of the Infernal Chariot, Tomba della Quadriglia Infernale in Italian language.

Esta large tomb, dating back to 4th century BCE, is delightfully decorated with colorful paintings depicting a funeral parade in the main scene we see the Etruscan God Charun conducting a chariot with two lions and two griffons, followed by a scene representing a typical banquet and then a big and colorful snake with three heads.

Inside the tomb were found also valuable vases and other objects now preserved at the Archaeological Museum in Sarteano.

This large necropolis is included in the Archaeological Park of the Tufo, in the Maremma region, southern Tuscany. It is located nearby the enchanting town of Sovana and it counts several interesting Etruscan tombs, like the Tomba Ildebranda. It dates back to 3d century BCE and is one of the most important funeral monuments in this part of Tuscany. It is completely excavated into the tuff rock and includes two different parts: the external part that is a large monument with columns and the burial chamber. Archaeologists found evidences that the monument was finely decorated and colored.

In the necropolis there is also the impressive Tomb of the winged demons, o Tomba dei Demoni Alati, that preserves a large statue of a figure lying on a deathbed in a niche overwatched by demons and lions, and that is a significant example of aedicule tomb.

The Lake of the Idols, or Lago degli Idoli, es un little lake on Mount Falterona within the National Park of Foreste Casentinesi. This is one of the most mysterious archaeological sites in Tuscany related to the Etruscan civilization in 1838, as a matter of fact, there was found by chance a bronze statuette of Hercules.

After the first finding they totally found about 650 different bronze statuettes - some of them are on display at the National Gallery in London and other international museums. Later on, between 2003 and 2007, archaeologists found other 200 bronze statuettes, that have both human and animal form, 9.000 Etruscan coins and about 4.000 fragments of iron arrows. Scholars think that the statuettes were religious offers to the Etruscan Gods. Most of these findings are on display at the Casentino Archaeological Museum located in Bibbiena.

On top of the hill of Frascole in the Mugello area, right in front of the Mount Falterona where the Idols Lake is, there is the Archaeological area of Frascole. The site preserves the ruins of a large Etruscan building with a rectangular plan and massive walls, that archaeologists suppose it was an important temple. On the other hand it was found the mane of the Velasna family written on a ceramic vase, so they also think it was a fortress.

In the area there were found also beautiful stone slabs that are funeral stele now on display at the Archaeological Museum in Dicomano. In the museum you see several finely decorated stone slabs, as well as Etruscan bronze statuettes and other valuable objects.

The Archaeological Museum of Chianciano Terme is a must-see site for Etruscan lovers. As a matter of fact the museum dedicated one large part of the exhibit to the reconstruction of several sepulchers with their burial goods that display objects in black ceramic, bronze figures and unique Etruscan canopies.

los canopies’ collection is one of the most important in the world because it includes funerary urns that have the form of men and women, as well as animals.


Sobre mí

I live life dangerously by ignoring the advice of Chuang Tzu: "Your life has a limit but knowledge has none. If you use what is limited to pursue what has no limit, you will be in danger". Badly spoiled by my wife, I spend mornings in sculpture studio, afternoons in record shop, evenings on the internet, weekends at the Palette and Chisel Academy and Art Institute of Chicago, and, the time spent in between, reading world literature. Am currently focused on the Middle East and South Asia.


Usil, the Etruscan god of the sun

Usil, the Etruscan god of the sun, is equated with the Greek and Roman Helios/Sol Invictus. Appliques depicting the god usually depict the deity with spread wings and a nimbus of rays surrounding his head which is also adorned with a diadem. On such a plaque obtained by the J. Paul Getty Museum, the figure merges into a broad plate decorated with undulating lines, suggesting the sea from which the sun emerges at daybreak and sinks at dusk.

"Ornamental reliefs such as this functioned as fittings on funeral carts and chariots, which often accompanied the burials of Etruria’s equestrian elite. Probably affixed to the sides of the vehicle, the winged god reflects the imagery of a celestial divinity driving the chariot of the sun across the sky, which was common in Greek and later Etruscan art. The earliest Usil plaque, in the Vatican Museums, was reportedly found at Roma Vecchia between 1760 and 1775 and was illustrated by Francesco Piranesi in 1778. In 1845, four similar plaques were discovered in the Tomb of the Quadriga at Vulci, which preserved the skeletons of horses. Among the appliqués held in the National Etruscan Museum of the Villa Giulia in Rome, the State Hermitage Museum in Saint Petersburg, and other museums, some may belong to that burial. Although displaying slight variations in size, facial features, form of the plate, and position of the rivets, all are associated with a preeminent bronze-casting workshop in Vulci." - J. Paul Getty Museum

Other depictions of the Etruscan god feature Usil rising out of the sea, with a fireball in either outstretched hand, on an engraved Etruscan bronze mirror in late Archaic style and with a halo on Classical style Etruscan mirrors.

While Usil is depicted most often as male, there are also feminine depictions equating Usil with another indigenous Etruscan goddess, Catha, which is often interpreted as having a solar character. Usil is also shown in close association with Thesan, the dawn goddess, something almost never seen with Helios and Eos.


Etruscan Bronze Sculpture - History

Chapter 85: Graphic Design in the Lost Civilization of Etruscan

Due to the fact that their literature was deliberately destroyed in the first centuries A.D., the origin of Etruscans is a mystery. They arrived in the ninth century BC on the west coast of Italy that is now Tuscany. They resembled the Phoenicians, and perhaps they were sailing in small groups by sea from Asia Minor. Like Phoenicians they were traders and sailors and founded towns along the coast.They spoke a language unlike any other known European tongue, one hard to read and surviving mostly as limited tomb inscriptions. Scholars profess to have lost interest in pursuing the search for origins, perhaps because past efforts have brought nothing but confused and contradictory speculation.

The "Chimera di Arezzo," a bronze statue in typical Etruscan style

Apart from being great navigators, Etruscans are, nonetheless, known for having been among the first to make use of metallurgy and to raise it to an art form. They were very skilled in carving ornaments out of gold, silver, and bronze. The ancient Romans called them the Tusci or Etrusci, which later changed into Tuscany and Etruria. The ancient Greek knew them as as Τυρρηνοὶ (Tyrrhēnoi), earlier Tyrsenoi, from which the Romans derived the names Tyrrhēni (Etruscans), Tyrrhēnia (Etruria), and Mare Tyrrhēnum (Tyrrhenian Sea). The Etruscans called themselves Rasenna, which was syncopated to Rasna or Raśna.

Some Greeks held that the Etruscans were a branch of the Pelasgians, aboriginal inhabitants of the Aegean region, others such as Virgil thought they came from Lydia, a kingdom of western Anatolia. Herodotus also ascribes the origin of the Etruscans to Lydia, and reports that the ancestors of the Etruscans were forced to emigrate from Lydia because of 18 years of hard times. The Lydians built ships and half of the population left under the leadership of Tyrrhenus, the son of the king of Lydia.

The Pelasgians may have been the Sea People who around 1200 B.C. invaded the Egyptian Empire. The Greek historian, Dionysius of Halicarnassus, in his Early History of Rome dismissed these theories and argued that the Etruscan were the aboriginal inhabitants of their area. The question became more intriguing when, in the nineteenth century, it was discovered that most of the languages of Europe belonged to one big language family called Indo-European but Etruscan was not one of them.

Sarcophagus from Cerveteri 520 BC (Etruscan) Rome, Villa Giulia

While some 13,000 Etruscan texts exist, most of these are very short, thus almost all the information about their culture is derived from their tombs, as they were obsessed with elaborate burials. The ancient Etruscans prepared extensively for the afterlife, furnishing elegant tombs ordering handsome coffins or sarcophagi, and performing meticulous and sophisticated rituals. Many Etruscan sites, primarily cemeteries and sanctuaries, have been excavated, notably at Veii, Cerveteri, Tarquinia, Vulci, and Vetulonia.

Numerous Etruscan tomb paintings portray in vivid color many different scenes of life, death, and myth. Their interest in elaborate burials has led researchers to suppose that they may have had an underlying belief, similar to the Egyptians that a part of the soul remained with the body, or at least that the body was important for the afterlife.The passion for performing rituals such as the funereal liturgy of the Phersu and other ceremonial games of skill was very widespread among the Etruscans.

According to Dr. Annette Rathje of the University of Copenhagen excavations at a site called Murlo, on a hill south of Siena, were turning up increasing evidence of large-scale settlement and monumental art, including bold friezes and some of the earliest architectural terra cottas in Italy. The ancient city had an impressive acropolis and an enormous building, the largest in Italy before the sixth century B.C., that appears to have consisted of many smaller structures around a courtyard. Statues of gods or dignitaries and mythical beasts adorned the place.

New research shows Etruscans were a conduit for the introduction of Greek culture and its pantheon of gods to the Romans. The Etruscans developed a version of the Greek alphabet, a step that influenced Roman letters and thereby northern Europe's. They built the first cities in Italy, when the hills of Rome stood barren of promise, and their influence shows up in later Roman works of architecture and engineering.

Romulus and Remus (the mythical founders of Rome) gives an idea of the great skill with which Etruscan artists worked.

The Etruscan culture developed from a prehistoric civilization known as Villanovan (ca. 900� B.C.). By the beginning of the seventh century B.C., the Etruscans occupied the central region of Italy between the Arno and Tiber rivers, and eventually settled as far north as the Po River valley and as far south as Campania. Around 540 BC, the Battle of Alalia led to a new distribution of power in the western Mediterranean Sea. Though the battle had no clear winner, Carthage managed to expand its sphere of influence at the expense of the Greeks, and Etruria saw itself relegated to the northern Tyrrhenian Sea with full ownership of Corsica. From the first half of the 5th century BC, the new international political situation meant the beginning of the Etruscan decline after losing their southern provinces.

In 480 BC, Etruria's ally Carthage was defeated by a coalition of Magna Graecia cities led by Syracuse. A few years later, in 474, Syracuse's tyrant Hiero defeated the Etruscans at the Battle of Cumae. Etruria's influence over the cities of Latium and Campania weakened, and it was taken over by Romans and Samnites. In the 4th century, Etruria saw a Gallic invasion end its influence over the Po valley and the Adriatic coast. Meanwhile, Rome had started annexing Etruscan cities. This led to the loss of the Northern Etruscan provinces. Etruria was conquered by Rome in the 3rd century BC.

Even after they were subjugated and then annexed by the Roman Republic, the Etruscans and their influence never entirely disappeared. They were assimilated. They lost their language to Latin, and yet their legacy has endured in surprising ways, beyond any part they had in spreading the Greek alphabet. In fact, Romans owed more than they ever admitted to the Etruscans. Their achievements in engineering impacted Roman aqueducts and basilicas. The tombs of the emperors Augustus and Hadrian deliberately imitated Etruscan ones from seven centuries before. The artists of the Renaissance also built upon Etruscan foundations, as seen in the palaces of Florence, the sculpture of Pisa and the painting of Siena. Painting frescoes on wet plaster had been an Etruscan talent.

The Tomb of The Augurs
The two characters with their hands extended upwards at each side of the door are generally interpreted as augurs, but others interpret them as relatives of the deceased. The name written on the wall is Apastanasar which contains the root apa (father).

Two wrestlers are depicted, possibly part of the funerary games.

This scene is also probably part of the funerary games, depicting a masked figure holding a rope in his hand. The rope is attached to the collar of a dog. When the Phersu (masked person) pulls on the rope, a nail on the dog's collar bites into its neck, enraging the animal and causing it to attack a tethered man, possibly a condemned criminal.

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The Tomb of the Bulls, Tomba dei Tori, Approximately 560 BC

The main subjects on the three parts of this chariot box perhaps refer to the life of Achilles. In the center, Achilles receives armor from Thetis, his mother. On one side, he engages in combat with another hero, possibly Memnon on the other side, he appears in a chariot drawn by winged horses. While the style and subject of the reliefs look to Greek art and myth, the treatment of the scenes is thoroughly Etruscan.

The Etruscans were interested in sea creatures and birds. On one side the shoulder panel of this jar shows two mermen, on the other two belligerent dogs. Below, six metopes deployed fairly regularly around the circumference contain water birds, each somewhat different.

This colorful and unusual work represents one enterprising Etruscan artist's response to an originally Greek shape and type of decoration. The form of the amphora, the inclusion of a lid, the two-part handles, the pendant lotus buds in the shoulder panels, the rays at the base of the body, and the echinus foot derive from Athenian prototypes of the mid-sixth century B.C.

On this black-figure hydria, the Greek hero Herakles battles the Lernean Hydra while a large crab nips at his foot. His companion Iolaos attacks from the other side, cutting off one of the monster's heads with a harpe or short curved sword. Two sphinxes flank the handle on the back of the vessel, and floral decoration covers the rest of the vase: an ivy tendril on the shoulder and a palmette and lotus frieze on the lower body.

This hydria is one of a small group of painted vases produced at Caere in Etruria. All these vases appear to come from one workshop, which may have had two artists. Caeretan hydriai display many of the basic elements of Greek vase-painting reinterpreted for an Etruscan market, using a more vivid range of colors and emphasizing the importance of floral ornament in the decoration. They are unusual in that the artist used a template for the floral decoration, a technique not otherwise known in Greek vase-painting.


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Ver el vídeo: como se hace una escultura de bronce (Enero 2022).