Información

Puerta interior, Butrint



Palacio de Versalles, Francia (c.1624-98)

El Palacio de Versalles (construido hacia 1624-98), un magnífico ejemplo de arquitectura barroca francesa, es el castillo real más famoso de Francia. La gigantesca escala de Versalles ejemplifica el tema arquitectónico de la 'creación por división', una serie de simples repeticiones marcadas rítmicamente por la repetición de los grandes ventanales, que expresa los valores fundamentales del arte barroco y en el que el punto focal del interior, así como de todo el edificio, es la cama del rey. Entre sus célebres diseños arquitectónicos se encuentra el Salón de los Espejos (Galerie des Glaces), que es una de las salas más famosas del mundo. Ubicado a unos 20 kilómetros al suroeste de París, y en medio de extensos terrenos, el palacio y su decoración estimularon un mini-renacimiento del diseño de interiores, así como del arte decorativo, durante los siglos XVII y XVIII. De hecho, el arte decorativo francés durante el período 1640-1792, en particular el mobiliario francés, es sinónimo de los reyes franceses Louis Quatorze (XIV), Louis Quinze (XV) y Louis Seize (XVI), de quienes recibe su nombre. Los numerosos diseñadores y artesanos franceses que contribuyeron a la arquitectura, el mobiliario y objets d'art, incluyó a Louis Le Vau, Jules Hardouin Mansart, Andre le Notre, Charles Le Brun, Jean Berain the Elder, Andre-Charles Boulle, Charles Cressent, Jean-Baptiste Oudry, Francois Lemoyne y Juste-Aurele Meissonnier, entre otros. Desde 1682 hasta el comienzo de la Revolución Francesa en 1789, el Palacio de Versalles albergó al Rey y a toda la corte real francesa, un total de unos 3.000 residentes, por lo que es un símbolo del absolutismo y la decadencia de la Antiguo Régimen en general, y la monarquía francesa en particular. El castillo real en sí no es el único complejo de edificios en el terreno, que también incluye cinco capillas, más el Gran Trianon (1687-88), el Pabellón Francés (1749) y el Petit Trianon (1762-8), así como 800 hectáreas de jardines, ajardinados en el estilo clásico jardín francés.

En 1624, siguiendo los pasos de Francisco I (que reinó de 1515 a 1547), quien convirtió un pabellón de caza medieval en un magnífico castillo, estableciendo la Escuela de Fontainebleau en el proceso, el rey Luis XIII (reinó de 1610 a 1643) ordenó la construcción de un pabellón de caza. alojarse en un terreno cerca del pueblo de Versalles. Este tomó la forma de una pequeña estructura, diseñada por Philibert Le Roy, hecha de piedra y ladrillo rojo. En 1632 se realizaron las primeras ampliaciones, sin embargo, no fue hasta el reinado de Luis XIV que la logia se transformó en uno de los palacios más grandes del mundo.

Para empezar (c.1661), los arquitectos barrocos bajo la dirección del diseñador jefe Louis Le Vau (1612-70), el diseñador de jardines Andre le Notre (1613-1700) y supremo de las artes Charles Le Brun (1619-90), convirtió la casa de campo de piedra y ladrillo en un castillo de 3 pisos con un impresionante patio de mármol blanco y negro, con columnas y balcones de hierro forjado. Se le dio un techo plano y dos alas nuevas, que contenían apartamentos para el rey y la reina, y se conocía como Marble Court.

A partir de entonces, en una serie de cuatro campañas de construcción principales - etapa uno (1664 & # 1501668), etapa dos (1669 & # 1501672) etapa tres (1678 & # 1501684) y etapa cuatro (1699 & # 1501710) - el castillo fue envuelto en un nuevo y complejo palaciego más grande, bajo la supervisión del arquitecto Jules Hardouin Mansart (1646-1708), sobrino nieto del famoso arquitecto real Francois Mansart (1598-1666), inventor del ampliamente utilizado 'techo abuhardillado'. Esta expansión fue diseñada para dar efecto a la decisión de Luis XIV de realojar a toda la corte real en Versalles (que ocurrió debidamente en 1682), con el fin de ejercer un mayor control sobre sus nobles y distanciar al gobierno de la mafia de París. Al centralizar todas las oficinas gubernamentales en el Palacio y al obligar a sus nobles a pasar una cantidad determinada de tiempo allí, su objetivo era crear una monarquía absoluta y todopoderosa.

Aspectos destacados de la arquitectura

Una corte de 3.000 residentes, incluidos el rey y la reina, miembros de la familia real, ministros del gobierno, aristócratas, diplomáticos, funcionarios públicos y similares, requería un edificio adecuadamente grande y no se reparó en gastos. De hecho, el nuevo complejo se convirtió en el apogeo de la arquitectura palaciega. Rodeado por 800 hectáreas de jardines inmaculados, con hermosas vistas, fuentes y estatuas, el palacio contenía varias suites simétricas de apartamentos para el uso público y privado del rey y la reina, así como muchos otros aspectos arquitectónicos destacados.

Estos incluyeron El Salón de los Espejos (1678-90), la galería central del Palacio, que comprendía 17 arcos revestidos de espejos que reflejaban las 17 ventanas. En su decoración se utilizaron un total de 357 espejos. Las ornamentaciones -los lienzos a lo largo del techo que celebran la apoteosis del rey, los mármoles policromados, los bronces dorados- fueron organizados por Le Brun, y en esta empresa se puede decir que alcanzó la cúspide de las posibilidades expresivas del barroco francés. Arte.

Otra sala famosa es la Ópera Real de Versalles, diseñada por Ange-Jacques Gabriel (1698-82), con capacidad para 1200 invitados. Fue una de las primeras expresiones del estilo Luis XVI. Otras salas de recepción importantes, incluidas: los Salones de Hércules, Diane, Marte, Mercurio, Apolo, Júpiter, Saturno y Venus, todos nombrados en honor a dioses y diosas romanos. Las habitaciones fueron decoradas con pintura mural, en gran parte de Le Brun, quien fue fuertemente influenciado por la tradición italiana de la pintura arquitectónica barroca, como lo ejemplifica el cuadratura ilusionismo de Pietro da Cortona (1596-1669) en el Palacio Pitti de Florencia.

Tanto Luis XV como Luis XVI instigaron obras de construcción adicionales, así como modificaciones en los jardines, pero no se produjeron cambios importantes.

Diseño de Interiores y Decoración

El diseño de interiores y la decoración del Palacio de Versalles eran legendarios en su variedad, calidad y costo. Presentaba los mejores muebles y accesorios, bellas obras de arte en cerámica, incluida la porcelana de Sevres, así como tapices y esculturas de bronce a pequeña escala. Los salones iniciales y el Salón de los Espejos incluso contenían lujosas exhibiciones de piezas de mesa de plata, gueridons y otros muebles, aunque posteriormente se fundieron para financiar nuevas campañas militares. Como era de esperar, el gasto astronómico de Luis XIV estimuló una enorme expansión de la artesanía francesa y el arte aplicado especializado, condujo directamente al surgimiento del arte rococó (dominado por Francia) y creó un ímpetu en la pintura y la escultura francesas que allanó el camino para que París se convirtiera en la capital mundial de las artes.

La estrecha relación del palacio real con su parque fue de fundamental importancia, ya que el parque, exactamente como el palacio mismo, se hizo para cumplir los requisitos ceremoniales y festivos del rey. Diseñado para las diversiones de la corte, el parque constituye el escenario natural e ideal para un sinfín de festividades basadas en la estrecha relación, típica del barroco, entre celebración y arquitectura, entre lo efímero y lo permanente. Desde el concepto original, el palacio fue visto como el centro de un sistema urbanístico y una reelaboración del paisaje.

Ésa era la estética y el objetivo de Andre Le Notre, inventor del jardín "francés", que comenzó a trabajar en Versalles en 1662. Aunque mantiene la simetría de la tradición italiana, el parque de Versalles tiene una red de caminos axiales que conducen a el horizonte. Estos caminos están cadenciados por rond-points, pabellones, arquitectura arbórea, áreas más amplias que aparecen de repente, escaleras, terrazas, estanques y fuentes monumentales que expanden la percepción visual del espacio y agregan una sensación de asombro. Los jardines de Versalles contienen varios tipos diferentes de estatuas, incluidas obras de escultores como: Francois Girardon (Apolo atendido por ninfas de Thetis) Jean Baptiste Tuby (Fuente de Apolo) Antoine Coysevox (retratos de Luis XIV y Le Brun) Gaspard Marsy (Fuente de Baco o la "Isla del Otoño") entre otros.

Versalles no se creó simplemente para servir como refugio y lugar de diversión: su organización innovadora del espacio también estaba destinada a ser un símbolo del nuevo orden del estado. La disposición del parque y sus temas iconográficos interpretan el significado simbólico del orden real en el mundo. El Palacio de Versalles siguió influyendo en la arquitectura de finales del siglo XVIII y más allá, aunque primero tuvo que sobrevivir a la iconoclasia de la Revolución Francesa.

La era de Versalles

En todas las artes, la época de Luis XIV estuvo marcada por el brillo y el esplendor. El arte fue organizado por el Estado con el propósito de aumentar la gloria de Francia a través de la figura de Luis, el Rey Sol, y la decoración de sus edificios públicos y privados. Aunque un control tan estrecho del arte a menudo resulta en obsolescencia, el arte oficial francés de la segunda mitad del siglo XVII se caracteriza por una suprema grandeza y confianza en sí mismo.

Desde la invasión de Italia por Carlos VIII en 1494, Francia había querido imitar el arte del Renacimiento italiano, y la influencia de los italianos fue tremenda a lo largo del siglo XVI. El palacio de Fontainebleau, por ejemplo, fue decorado por italianos como Francesco Primaticcio (1504-70), Rosso Fiorentino (1494-1540) y Benvenuto Cellini (1500-71) desde 1530 en adelante, y los arquitectos italianos proporcionaron diseños que influyeron mucho en los arquitectos nativos. . Poco a poco, desde aproximadamente 1560, Francia desarrolló una escuela de arquitectos propia, pero en pintura y escultura se siguió utilizando a artistas extranjeros hasta bien entrado el siglo XVII. Los artistas franceses tendían a ir a Italia para formarse y varios optaron por permanecer allí a lo largo de sus carreras, incluidos Claude Lorrain (1600-82) y Nicholas Poussin (1594-1665), ahora considerados los más grandes artistas franceses de la época.

En 1627, el pintor Simon Vouet (1590-1649) regresó a Francia desde Italia, trayendo consigo una versión simplificada y menos extravagante del estilo barroco italiano. Formó a los artistas de la próxima generación, incluidos Eustache LeSueur (1616-55) y Charles LeBrun (1619-90). LeBrun se convirtió en el virtual dictador del arte oficial bajo Luis XIV, y su obra refleja la pompa y la formalidad de la vida cortesana. Poussin había tenido menos éxito que su visita a París en 1640-42 para trabajar para la Corona fue infeliz, porque sus pinturas a pequeña escala austeras y reflexivas no podían rivalizar con la moda del barroco.

Para entonces, Poussin se había centrado en temas cristianos y clásicos, en los que exploró la naturaleza de la emoción humana en composiciones claras y sencillas. Su creencia era que la pintura debería tener como objetivo revelar verdades universales sobre la vida y la humanidad. En su estilo y perspectiva filosófica, este artista puede compararse con los dos grandes dramaturgos trágicos de la época, Pierre Corneille (1606-84) y Jean Racine (1639-99).

Artes bajo el Rey Sol

Luis XIV subió al trono en 1643 a la edad de cuatro años. Su primer ministro fue al principio Mazarino, pero a su muerte en 1661, Luis asumió virtualmente el gobierno del país. Luis es el ejemplo supremo del monarca absoluto: su convicción de su autoridad divina estaba simbolizada en el emblema del sol, que se ve en todas partes en la decoración de su palacio de Versalles. Su reinado vio a Francia preeminente en Europa, su poder político y sofisticación artística se reflejó en la corte que Luis dirigió con rígida formalidad y ceremonia.

Louis contrató a algunos ministros poderosos, entre ellos Colbert, que era responsable de la organización de las artes. Durante este período, Francia fue bendecida con academias de arquitectura, música, inscripciones y danza. La Academia de Pintura y Escultura, fundada en 1648, quedó bajo el control de Colbert en 1661: aumentó su poder y la hizo más exclusiva. La idea de la academia era italiana, y tomó el relevo del sistema de gremios medieval, con su período de aprendizaje que condujo a la producción de una "obra maestra", después de la cual el aprendiz se convirtió en miembro de pleno derecho. Colbert estableció un sistema similar. A los artistas se les enseñaba el estilo 'oficial' si lo seguían en su propio trabajo, eran seleccionados para el empleo por el Estado, ya fuera como pintores, escultores, joyeros o ebanistas.

El estilo de pintura "aprobado" durante la época de Luis XIV fue una versión modificada del barroco italiano. La arquitectura reveló las mismas influencias, que se vieron en el trabajo en el plan para reconstruir el Louvre, la sede de los reyes franceses en París. La conversión del edificio de un castillo medieval a un palacio moderno progresó lentamente desde 1546 hasta su finalización en 1674 por un equipo de diseñadores: LeBrun, LeVau y Perrault. Colbert, en su puesto de Director de Edificios, invitó a los principales arquitectos franceses a diseñar planes para el Frente Este. Los presentados fueron rechazados por diversos motivos y, finalmente, se buscaron planos del gran Bernini (1598-1680), maestro del barroco italiano.

En total, Bernini presentó tres diseños, cada uno de los cuales se consideró fuera de lugar con el resto del edificio. La visita de Bernini a París, donde despertó la ira de los artistas y arquitectos franceses por su baja opinión de su trabajo, llevó al rechazo de su tercer y último diseño, y con ello toda la extravagancia del barroco italiano. El Frente Este, tal como se erigió, todavía le debía algo a sus planes, siendo sobrio pero festivo, pero complementa las secciones anteriores del edificio, en lugar de menospreciarlas, como solían hacer todos los diseños de Bernini.

Palacio de Versalles - Símbolo de esplendor

Los miembros del mismo equipo fueron empleados en el esquema arquitectónico más ambicioso de la época: la remodelación de Versalles. Versalles nació como un pabellón de caza de tamaño muy moderado, refugio privado del rey, pero se reencarnó como palacio en 1661 para albergar a toda la corte francesa. Su primer arquitecto fue Louis LeVau (1612-70), quien además de colaborar en el Louvre había diseñado el gran castillo de Vaux-le Vicomte para Fouquet, ministro de Finanzas de Louis. LeBrun como decorador y LeNotre, diseñador de jardines, también habían trabajado en el castillo. Cuando Fouquet fue encarcelado por malversación de fondos en 1661, todo el equipo fue reempleado en Versalles.

Hoy, solo podemos apreciar la remodelación de Versalles por parte de LeVau a través de grabados, ya que su obra fue destruida (a partir de 1678) por Jules-Hardouin Mansart, quien recibió el encargo de extender el frente del jardín del edificio a una longitud de 402 metros (1319 pies). . En una escala como ésta, la grandeza raya en la monotonía.

La contribución más famosa de Mansart al interior del palacio es el Salón de los Espejos (1678-84). Los espejos, un artículo costoso utilizado para una profusión extravagante, están intercalados por pilastras de trofeos dorados de mármol verde que se asientan en la cornisa ricamente decorada (la moldura ornamental que se proyecta a lo largo de la parte superior de una pared) y el techo abovedado está decorado con pinturas de LeBrun. Las mismas cualidades de inmensa escala, color, riqueza, así como el uso de materiales costosos se pueden ver en el parque, donde LeNotre fue ayudado por ejércitos de contratistas y trabajadores. Agua y fuentes (con complicados mecanismos de bombeo), avenidas radiantes y parterres (patrones ornamentales de macizos de flores) son características importantes en el efecto total del orden y la formalidad.

En el plan del esquema en su conjunto, la autoridad del palacio parece irradiar hacia afuera para controlar su entorno. En el uso de los principios de planificación barrocos que revela este esquema, Francia descubrió una forma de expresar su supremacía europea.

El mobiliario de habitaciones tan numerosas y grandes como las creadas en palacios como Versalles requería una organización definida de las artes decorativas. Una vez más, fue Colbert quien dio la respuesta. En 1667 creó Crown Furniture Works en Gobelins justo cuando, tres años antes, había dado a la fábrica de Beauvais el título de Royal Tapestry Works. La empresa de la familia Gobelin, fundada 200 años antes, había sido asumida por la Corona en 1662 por Colbert, quien declaró que de ahora en adelante el arte serviría al Rey.

La fábrica de Gobelins, con Charles LeBrun como director artístico, debía albergar a los pintores, maestros tejedores de tapices de alta urdimbre, fundadores, grabadores, cortadores de gemas, carpinteros de roble y otras maderas, tintoreros, y otros trabajadores calificados en todo tipo de artes y oficios. & quot

Los muebles producidos durante este período eran pesados ​​(aunque rara vez tan pesados ​​como el conjunto de plata maciza hecha para el estudio del rey, pronto se derritió para ayudar a los gastos militares). La marquetería (trabajo con incrustaciones de maderas de varios colores) y las decoraciones aplicadas en bronce dorado fueron particularmente apreciadas. A menudo se utilizaban curvas y volutas, motivos alegóricos y antiguos. Las paredes a menudo se colgaban con tapices, que tardaban mucho más en hacerse que los cuadros de tamaño similar, y que podían estar enriquecidos con hilos de oro y plata. Las alfombras tejidas en Aubusson o Savonnerie decorarían los suelos de los palacios.

Un estilo de tal magnificencia no pudo sobrevivir ni al declive de la fortuna de Francia ni a la muerte del Rey Sol en 1715. La pompa de esta época fue sucedida por la ligereza y la alegría pastel del siglo XVIII. En arquitectura y artes decorativas, como en pintura y escultura, el nuevo estilo, conocido como rococó, gobernaría hasta que fuera desafiado por la estética neoclásica a partir de mediados de siglo.

Revolución francesa y posteriores

Durante este período, durante el cual una enorme cantidad de obras de arte francesas y objets d'art fueron saqueados y profanados, el Palacio de Versalles sufrió su propia parte de vandalismo y robo. Finalmente, el gobierno de la República decretó que debería convertirse en un depósito de valiosas obras de arte confiscadas a la monarquía, y se estableció un museo en el Palacio, que se cerró y sus obras se dispersaron poco después. No fue hasta el nombramiento de Pierre de Nolhac como curador del Palacio de Versalles en 1892, que se intentó restaurar el palacio a algo que se acercara a su condición antes de la Revolución. Sin embargo, no se completó ningún trabajo integral de reparación y conservación hasta la década de 1950, cuando Gerald van der Kemp fue nombrado conservador en jefe (1952-80). Hoy, el Palacio de Versalles es una atracción turística internacional y un importante monumento de la cultura francesa durante el Antiguo Régimen.

Arquitectos y diseñadores principales

De los muchos diseñadores franceses que contribuyeron al Palacio de Versalles, las figuras principales fueron Louis Le Vau, Jules Hardouin Mansart y Charles Le Brun.

Primer arquitecto del rey Luis XIV y superintendente de construcciones reales, Louis Le Vau desempeñó un papel importante en la evolución de la arquitectura francesa del siglo XVII. Su período de formación incluyó un importante viaje a Italia con visitas a Génova y Roma en 1650 comenzó a trabajar para la corona francesa, construyó los pabellones del rey y la reina en Vincennes, amplió la iglesia de San Sulpicio y participó en la finalización de la Lumbrera. Una de sus principales obras fue el castillo de Vaux-le-Vicomte, construido en solo cinco años (1656-61) para el ministro de finanzas Nicolas Fouquet. Luego comenzó a trabajar en el palacio real de Versalles, donde diseñó una ampliación de la estructura original construida en 1623 para Luis XIII, trabajando junto con Le Brun y Le Notre, que habían trabajado con él en Vaux-le-Vicomte. Le Vau era responsable del núcleo central del palacio, las dos alas del patio, el cour d'honneur, donde convergen las carreteras de París, la fachada del jardín y la inusual adopción del techo plano de "estilo italiano", quizás derivado del plan propuesto por Bernini para el Louvre. Además, fue responsable del primer gran plan de chinoiserie decoración en diseño de interiores - que aparece en el Trianon de Porcelaine (1670). La selección de Le Vau, que ya había realizado el castillo revolucionario de Vaux-le-Vicomte, revela el deseo de una estructura con vínculos estrechos con la naturaleza circundante como en el concepto de 'entre patio y jardín', ejemplificado por la planificación de un sistema axial y la disposición del parque.

Jules Hardouin Mansart (1646-1708)

Sobrino nieto de Francois Mansart, famoso arquitecto de Luis XIII, con quien comenzó un nuevo período clásico en Francia, Jules Hardouin Mansart Fue el favorito de Luis XIV, quien lo nombró superintendente de construcciones reales. Había sido alumno de su tío, de quien derivaba la sobriedad de la decoración exterior y la corrección de las proporciones. Su obra principal fue el palacio real de Versalles, en la que concluyó el diseño de Le Vau para reelaborar la pequeña estructura existente y ampliar el palacio con estructuras posteriores, incluyendo muy especialmente la Galerie des Glaces, el Gran Trianon y la capilla. Arquitecto y urbanista, Mansart diseñó Place Vendome, anteriormente Place Louis-le-Grand, pero su mayor trabajo fue el Dome des Invalides, una iglesia de planta de cruz griega coronada por una cúpula unida a la fachada, en la que eliminó los excesos decorativos, prefiriendo combinaciones de volúmenes y líneas.

Charles Le Brun (1619-90)

El principal artista-político del siglo XVII, Charles Le Brun fue alumno de Simon Vouet antes de obtener el patrocinio del cardenal Richelieu en 1641. Se convirtió en el fundador y director de la Academia Francesa, después de lo cual supervisó las decoraciones de Vaux-le-Vicomte, para el ministro Fouquet. Después de la caída de Fouquet, los talentos de Le Brun fueron reconocidos por el poderoso Jean-Baptiste Colbert (1619 & # 1501683), ministro de finanzas de Luis XIV, quien lo nombró director de la fábrica de tapices Gobelins y pintor principal del rey. Nombrado una especie de supervisor creativo en el Palacio, Le Brun tenía la responsabilidad directa de pintar el Salón de los Espejos, así como el Salones de la Guerre y de la Paix.

André Le Notre (1613-1700)

El primer gran arquitecto de jardines, Le Notre fue el creador del llamado jardín francés, caracterizado por arreglos axiales que conducen a vistas ininterrumpidas con el espacio del jardín definido por parterres de flores y setos, cuerpos de agua, canales y fuentes. Sus obras más famosas son el parque del Palacio Real de Versalles (iniciado en 1661), el de Vaux-le-Vicomte (1655-61) y el del castillo de Chantilly.

& # 149 Para la cronología del diseño de interiores francés durante el reinado de Luis XIV, consulte: Historia del arte cronología.
& # 149 Para obtener información sobre la pintura en Francia, consulte: Página de inicio.


La historia del Ferry Building

Estamos muy comprometidos con la comunidad de alimentos artesanales y con el fomento de los valores de esa comunidad aquí en Ferry Building. Visualizamos el Ferry Building Marketplace como una reunión vibrante de agricultores locales, productores artesanales y empresas alimentarias de propiedad y gestión independientes y los clientes a los que sirven. Hemos creado una comunidad de personas con ideas afines para apoyar nuestra misión y objetivos clave.

Muestre a los pequeños productores regionales que practican técnicas agrícolas o de producción tradicionales.

Promover la vasta diversidad étnica del Área de la Bahía y servir como incubadora para productores artesanales.

Proporcionar una ubicación central para la promoción de las regiones productoras de alimentos y vinos de clase mundial del norte de California.

Colaborar con las autoridades de tránsito locales para construir fuertes lazos regionales con el Ferry Building.

Funciona como un lugar de reunión de la comunidad para la celebración de la cultura y la cocina locales.

Historia del Ferry Building

¿Qué hace que el Ferry Building sea el monumento más famoso de San Francisco? En primer lugar, está su ubicación estratégica al pie de Market Street, en el extremo occidental del continente, y en el centro del distrito financiero, bancario y de transporte de la ciudad. En segundo lugar está su historia como portal principal de la ciudad. En tercer lugar, está la espectacular torre del reloj que ha sido el ícono del paseo marítimo de San Francisco durante más de 100 años.

Inaugurado en 1898, el Ferry Building se convirtió en el punto focal de transporte para cualquiera que llegara en tren. Desde la fiebre del oro hasta la década de 1930, la llegada en ferry se convirtió en la única forma en que los viajeros y viajeros, excepto los que venían de la península, podían llegar a la ciudad. Los pasajeros de los barcos pasaban por una elegante zona pública de dos pisos con arcos interiores repetidos y tragaluces elevados. En su apogeo, hasta 50.000 personas al día viajaban en ferry.

La apertura del Puente de la Bahía y el Puente Golden Gate, junto con el uso masivo del automóvil, hizo obsoleto el viaje diario en ferry. En la década de 1950, el Ferry Building se usaba muy poco. El interior histórico de la estructura del Ferry Building se perdió en 1955, cuando gran parte del edificio se convirtió en espacio de oficina estándar. La autopista Embarcadero Freeway de dos pisos también arrojó su sombra durante 35 años. hasta el terremoto de Loma Prieta de 1989.

En marzo de 2003, el emblemático San Francisco Ferry Building volvió a abrir al público después de una extensa restauración de cuatro años. El Ferry Building Marketplace, un mercado público de alimentos de clase mundial, se organiza a lo largo de una espectacular calle interior, la Nave. En la actualidad, las terminales de ferry operan en Larkspur, Sausalito, Vallejo y Alameda con planes para continuar mejorando y expandiendo la red.


Interior del castillo de Heidelberg

La sección interna del castillo consta de habitaciones de tamaño modesto y decoración. La mayoría de estas habitaciones decoradas se encuentran dentro del edificio Friedrick.

Interior del castillo de Heidelberg

Corredor interior del castillo

Interior del castillo de Heidelberg

Interior de la Iglesia en el Castillo de Heidelberg


Historia

El período arquitectónico victoriano en Estados Unidos duró aproximadamente desde 1835 hasta 1900, según el sitio web Victorian Station. Las estructuras victorianas anteriores a la Guerra Civil eran de estilo más simple que las estructuras elaboradas de la posguerra que a veces combinaban varios estilos arquitectónicos como la reina Ana, el italiano y el segundo imperio. El uso de colores más vibrantes también ocurrió en la última parte del siglo XIX. Los interiores y exteriores de colores vivos con adornos multicolores reemplazaron los tonos blancos y beige de las casas anteriores.


¿Se puede cortar una puerta por la mitad para crear una media puerta?

La belleza de las medias puertas es que el concepto le permite beneficiarse de dos estilos de puerta diferentes con una sola unidad.

Dada la complejidad de las medias puertas y el hecho de que a menudo tienen que encargarse a medida, pueden ser un poco más caras que otros diseños de puertas. Sin embargo, es posible cortar una puerta de fábrica por la mitad horizontalmente para crear una media puerta. Poder hacer su propia puerta holandesa podría ser increíblemente útil para las puertas interiores (y puede servir como una excelente puerta para bebés en las guarderías) donde es posible que no desee pagar por una puerta nueva. Pero, antes de hacerlo, hay algunas cosas esenciales que debe tener en cuenta.

Para empezar, considere si desea que su media puerta sea una puerta exterior o interior. Elegir hacer bricolaje con una puerta de guillotina doble es mucho más fácil con una puerta interior. Las puertas exteriores requerirán protección adicional contra la intemperie para evitar la entrada de elementos como el viento y el agua. Las puertas holandesas como puertas de entrada también requieren medidas de seguridad adicionales en comparación con sus contrapartes interiores.

En segundo lugar, querrá considerar dos cosas importantes sobre la puerta que va a cortar. Primero, debe pensar en los paneles del diseño de su puerta existente. Querrá que su corte horizontal funcione con los paneles existentes. Tener una rotura en los paneles demasiado alta o demasiado baja puede crear un ambiente incómodo o hacer que su uso sea incómodo. También querrá considerar si está trabajando con una losa de la puerta o si ya tiene agujeros para el pomo de la puerta en la losa. Querrá que el pomo de la puerta esté en la parte inferior de la puerta. Nuevamente, esto podría hacer que la puerta sea incómoda de usar dependiendo de dónde se encuentre, así que asegúrese de confirmar que su puerta existente funcionará.

También es importante considerar el material de su puerta existente. Para hacer bricolaje en una media puerta, su mejor opción es una puerta sólida hecha de madera. Si bien es posible con una puerta de núcleo hueco, aluminio o acero, puede volverse un poco más complicado. También deberá asegurarse de utilizar las herramientas adecuadas, ya que necesitará una cuchilla de corte de metal especial para obtener un borde liso.

A continuación, es importante recordar que las medias puertas requieren herrajes especiales. La mayoría de las puertas estándar vienen con dos bisagras de fábrica. Para que la mitad superior de la puerta se abra de forma segura por separado de la mitad inferior, deberá asegurarse de tener al menos cuatro bisagras que puedan soportar el peso de la puerta. También necesitará un pestillo para asegurar las mitades superior e inferior juntas en un solo panel según sea necesario. Si está trabajando en una puerta exterior, deberá agregar un cerrojo adicional en la parte superior de la puerta para mayor seguridad. Mantendrá el pomo y la cerradura en la mitad inferior de la puerta. Además, asegúrese de incluir un mecanismo de enganche para la mitad superior para evitar que los dedos se pellizquen entre las dos mitades en caso de que la parte superior se cierre. A menudo, puede encontrar todo el hardware que necesita en un kit, lo que ayuda a simplificar un poco el proceso.

Además, tenga en cuenta su visión del producto terminado. Si desea puertas de medio vidrio, considere trabajar con un fabricante, como Rustica, que pueda personalizar el diseño de su puerta y al mismo tiempo que coincida con sus especificaciones exactas. Si, por otro lado, está trabajando con una puerta sólida y se siente cómodo con las herramientas eléctricas, entonces el bricolaje puede ser la opción para usted. De cualquier manera, querrá asegurarse de que su puerta esté colgada correctamente en el marco.


La madera es prominente

La madera se ve en todas las habitaciones inspiradas en el diseño del suroeste. La madera utilizada es de color miel u otro acabado marrón como un guiño a la naturaleza. Los muebles generalmente se construyen con patas gruesas, lo que hace que los muebles parezcan gruesos y sólidos en la habitación. Para mayor interés, es común encontrar muebles pintados en habitaciones inspiradas en el suroeste, y no solo en blanco o crema. Las mesas y los armarios rojos, verde lima y azul cobalto son temas de conversación y crean interés visual.


Cuando Hollywood Studios se casó con estrellas gay para mantener su sexualidad en secreto

Durante la Edad de Oro de Hollywood en la década de 1920, los actores y actrices saltaron a la fama, pero solo si adaptaban sus imágenes a las demandas de los grandes estudios. Para los actores LGBT, eso a menudo significaba casarse con una persona del sexo opuesto.

El comienzo del siglo XX representó una época única para las personas LGBT en el país. A lo largo de los locos años veinte, los hombres vestidos como mujeres y la inconformidad de género y lo queer fueron y apostaron como un tabú en las grandes ciudades como lo serían años después.

La queer se podía apreciar en el escenario, pero en la vida cotidiana de las principales estrellas a menudo se ocultaba en uniones falsas conocidas como & quot; matrimonios lavanda & quot; según & # xA0Stephen Tropiano, profesor de Estudios de Pantalla en Ithaca College y autor de The Prime Time Closet: Una historia de gays y lesbianas en la televisión.

Estos matrimonios fueron concertados por estudios de Hollywood entre una o más personas homosexuales, lesbianas o bisexuales con el fin de ocultar su orientación sexual al público. Se remontan a principios del siglo XX y continuaron más allá del movimiento de liberación gay de la década de 1960.

Los matrimonios lavanda fueron una solución en parte para las & # x201 cláusulas morales & # x201D emitidas por los grandes estudios en ese momento. The clauses, first introduced by Universal Film Company, permitted the company to discontinue actors&apos salaries "if they forfeit the respect of the public.” The kind of behavior deemed unacceptable ranged widely from criminal activity to association with any conduct that was considered indecent or startling to the community. Las cláusulas existen hasta el día de hoy.

“We have to remember that a lot of these decisions that were being made, they were economic decisions,” says Tropiano. “It was about a person holding on to their career.”

One of the earliest speculated lavender marriages was the 1919 union of silent film actor and early sex symbol Rudolph Valentino and actress Jean Acker, who was rumored to have򠯮n lesbian. On the couple’s wedding night, Acker apparently quickly regretted the marriage and locked her new husband out of their hotel room, according to the Los New York Times. Poco después, se divorciaron.

Rudolph Valentino and Jean Acker, circa 1920s.

ullstein bild/Getty Image Topical Press Agency/Getty Images

Valentino also married costume designer Natacha Rambova in 1923, at a time when his career was starting to take off and the roles he played were seen as less typically masculine, such as in the film “Monsieur Beaucaire” in 1924. His marriage to Rambova ended in 1925, which left some speculating that the marriages of the “pink powder puff” (a nickname Valentino acquired after playing effeminate roles on screen) were coverups to keep the sex symbol’s reputation intact.

Identifying how many Hollywood couples tied the knot to cloak their sexuality is, of course problematic since it’s primarily based on speculation.

“I think the hardest thing for a historian is to kind of sift through what the rumor [is] and what is actually factual," says Tropiano.

Una fuente de especulación comúnmente citada son las memorias de Scotty Bowers, Servicio completo: Mis aventuras en Hollywood y la vida sexual secreta de las estrellas. Bowers’ account details sexual encounters, gay and straight, that he claims he both arranged and took part in, beginning in 1946.

Bowers escribió que había estado involucrado sexualmente con el actor principal Cary Grant y su compañero de cuarto, Randolph Scott, durante más de una década. En ese momento, Grant estaba pasando por cinco matrimonios con mujeres. Grant’s daughter, Jennifer Grant, has disputed the allegations, through her spokeswoman, saying in 2012 that her father as “very straight,” according to Los New York Times.

Actors Cary Grant and Randolph Scott lived together in the 1930s.

John Kobal Foundation/Getty Images

Grant murió en 1986, y muchos de los sujetos cuyas vidas describe Bowers también han fallecido. Some have questioned whether Bowers&apos accounts in the autobiography, and the corresponding 2017 documentary Scotty y la historia secreta de Hollywood, son precisos. But the self-proclaimed 𠇏ixer” includes details and photographs that he argues back up his claims.

Entre los matrimonios lavanda más especulados se encontraba entre el afamado actor Rock Hudson y su secretaria Phyllis Gates. They married in 1955 and separated two years later, after rumors of his homosexuality and infidelity began to pile up. 

Waves of rumors and speculation around Hudson’s affairs became so widespread that they even helped foster the growth of celebrity tabloid journalism. La publicación Confidencial se hizo popular a mediados de la década de 1950 al presentar noticias salaces de celebridades. El tabloide sacó a la luz a figuras populares como Hudson antes de que la salida fuera siquiera una cosa. A pesar de la cobertura, Hudson nunca abordó públicamente su orientación sexual antes de morir de SIDA en 1985.

Rock Hudson and his bride Phyllis Gates at their 1955 wedding.

Archivo Bettmann / Getty Images

Algunos actores homosexuales optaron por vivir abiertamente, a pesar del riesgo. En la década de 1930, el actor William Haines se negó a ocultar su relación con su pareja. Haines was contracted with MGM in the 1920s and �s, while also living with a former sailor named Jimmy Shields.

Even with the common—yet unspoken—knowledge that the two men were romantically involved, Haines’ popularity didn’t take a hit until years later. That’s when he was given an ultimatum, either get married to a woman or he would be dropped by MGM, according to Tropiano.

William Haines, circa 1932.

Hulton Archive/Getty Images

“[Haines] had to make a choice between getting rid of his male partner and having a career,” says Tropiano. 𠇊nd he actually chose the male partner.”

Luego, Haines dejó atrás la pantalla plateada para crear un exitoso negocio de diseño de interiores con su socio. He’s now often considered one of Hollywood’s first openly gay stars.

Lavender marriages became less prevalent in the 1960s and �s as the gay rights movement gained momentum following the Stonewall Riots of 1969. 

Although representation in film and on television was still scarce, the actual lives of the stars on screen—straight, gay or bisexual—weren’t dictated by studios as much as they had been in the past.

REVISIÓN DE HECHOS: Nos esforzamos por la precisión y la equidad. Pero si ve algo que no se ve bien, ¡haga clic aquí para contactarnos! HISTORIA revisa y actualiza su contenido con regularidad para asegurarse de que sea completo y preciso.


Interior Gate, Butrint - History

An official website of the United States government

Official websites use .gov
A .gov website belongs to an official government organization in the United States.

Secure .gov websites use HTTPS
A lock ( Lock A locked padlock

) o https:// means you’ve safely connected to the .gov website. Share sensitive information only on official, secure websites.

Data Resources

The BLM, with its extensive and complex land-management mission across 245 million surface and 700 million sub-surface acres, regularly gathers, maintains, and publishes various types of data to inform stakeholders and the general public about its stewardship responsibilities. This data includes detailed information on the commercial uses of the public lands (such as energy development, livestock grazing, mining, and timber harvesting) recreational activities and revenues wild horse and burro management, including figures relating to on-range herd populations, removals from the range, and national adoption figures cadastral (mapping) surveys conservation of rangeland resources and more than 870 special units, such as wilderness areas, that are part of the BLM's 34 million-acre National Conservation Lands system and the socio-economic impacts of public land management.

Below are links to publications, such as Public Land Statistics and A Sound Investment for America, that collectively tell the story of how the BLM is managing America's public lands for a variety of uses.

Socioeconomic Data

Public Land Statistics

The BLM publishes the Public Land Statistics report annually. Each report provides information about our multiple-use land management activities.


Golden Gate Theater reveals gorgeous new interiors

The theater first opened in 1922 (side note: the National Registry of Historic Places cites the building’s inception as 1921, but SHN defers to the 1922 date these days) as a vaudeville venue and became a mainstay of what was then San Francisco’s hustling Market Street theater district, hosting the likes of Frank Sinatra, the Andrews Sisters, and the Three Stooges.

By 1954 there wasn’t much of a market for vaudeville anymore, so owners RKO leased the place out as a movie house instead.

Unfortunately, this meant the first of the Golden Gate’s many renovations, with the 1954 revamp being the most damaging to the original Gustave Lansburgh 1920s design. Gracie Hays wrote in SHN Magazine in June in 2014:

There was a strong effort to stamp out its seemingly outdated vaudeville past in hopes of appealing to a wider audience. Consequently, much of Lansburgh’s interior work was torn down in favor of giving the theatre a more modern appearance. The grand marble staircase was replaced with an escalator, and the walls were covered with neon signs.

Like most MidMarket theaters, the Golden Gate fell on hard times during the 1960s and closed in 1972. SHN moved in seven years later and made a bid to restore much of the Lansburgh look.

Working on the lobby during the ‘79 restoration. SFPL

Photos from recent years, however, reveal that the ’70s luster had dimmed again by the 21st century, and increasingly the Golden Gate appeared dated and dingy compared to the likes of the dynamic new Curran Theater (which complete its own renovation in 2017) or even the nearby Orpheum Theater (which last benefitted from a renovation 20 years ago).

After 2017’s tour of The Curious Incident of the Dog In the Night-Time wrapped up, the theater went under wraps and tapped ELS Architecture (the same firm behind the restoration of Oakland’s Fox Theatre) to try to turn back time again. SHN refers to the work only as a “multimillion dollar” renovation without citing a specific figure.

The resulting photos look pretty sterling, but, as always, opening night will serve as the final test of the work done. The Golden Gate Theater reopens to the public on September 11.


Ver el vídeo: Albania Butrint Archaeological Site. Albanie Butrint Site archéologique (Noviembre 2021).