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La Dama de Auxerre: ¿Cuál es la historia detrás de su sonrisa arcaica?


Elegante y seductora, la Dama de Auxerre ha atraído tanto a arqueólogos como a entusiastas del arte. Sus orígenes, probablemente en la antigua Creta, proporcionan un elemento de interés adicional. ¿Era la forma femenina representada en esta figura divina o terrestre? Mucho misterio todavía rodea a este fascinante artefacto.

Si bien se cree que la Dama de Auxerre pudo haber tenido sus orígenes en Creta, Auxerre es una ciudad en Francia. Actualmente no hay ninguna información sobre la procedencia de la estatuilla, ni su viaje al museo de la ciudad desde Grecia. De hecho, la Dama de Auxerre incluso habría permanecido desconocida si no hubiera sido descubierta por un conservador del Museo del Louvre a principios del siglo XX. Desde entonces se ha determinado que la Dama de Auxerre es una obra de arte bastante significativa, ya que es uno de los mejores ejemplos del estilo "Daedelic" de la escultura griega.

La llamada Dama de Auxerre, una estatuilla femenina de estilo Daedalic. Piedra caliza con decoración incisa, anteriormente pintada, ca. 640–630 a. C., ¿fabricado en Creta? (Jastrow / CC POR 2.5 )

Uso no convencional para obras de arte antiguas

En 1907, un conservador del Museo del Louvre llamado Maxime Collignon estaba clasificando los objetos en la bóveda de almacenamiento del Museo Auxerre cuando se encontró con la Dama de Auxerre. Se decidió que la estatuilla llevara el nombre de la ciudad, ya que no existían registros sobre su procedencia o las circunstancias en las que llegó a la ciudad. Al parecer, Lady Auxerre fue parte de una colección perteneciente a un escultor francés durante el siglo XIX.

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Después de eso, se vendió a un portero de un teatro de Auxerre por un franco. Según la tradición local, la estatuilla se utilizó como accesorio de escenario para una opereta, así como como perchero para los asistentes al teatro. En algún momento, la estatuilla fue adquirida por el museo de la ciudad y se mantuvo en su bóveda de almacenamiento.

Emanando estilo Daedelic

La Dama de Auxerre está hecha de piedra caliza y mide unos 65 cm (25,59 pulgadas) de altura (lo que la convierte en una estatuilla de un tercio de tamaño natural). Se cree que esta estatuilla fue creada durante el siglo VII a.C., y debido a su excelente conservación (excluyendo el lado izquierdo de su cara, la mayoría del cual falta), la Dama de Auxerre ha sido aclamada como uno de los mejores ejemplos. del estilo Daedelic. Este estilo lleva el nombre de Dédalo, el legendario artesano griego que supuestamente fue el primer escultor.

El estilo Daedalic floreció durante el siglo VII a. C., durante el cual el arte griego fue influenciado por el de sus vecinos del Mediterráneo Oriental. Por lo tanto, esta fase de la historia griega antigua también se conoce como el "período orientalizante".

Un moderno molde de yeso pintado de la Dama de Auxerre en el departamento de Clásicos. en la Universidad de Cambridge. (Neddyseagoon / CC BY SA 3.0 )

Influencia exterior y local en la aparición de la Dama de Auxerre

La influencia del arte del Cercano Oriente se puede ver ampliamente en la Dama de Auxerre. Por ejemplo, aunque la parte posterior de la estatua también está tallada, el foco principal está en su frente, ya que estaba destinado a ser visto desde este ángulo. La cara de la estatuilla, que es un triángulo invertido, con la barbilla redondeada en forma de U, así como su cabello / peluca (que se asemeja al del arte egipcio antiguo) también se han señalado como una reminiscencia del arte del Cercano Oriente.

Sin embargo, también en esta escultura se pueden detectar elementos locales. El vestido de la Dama de Auxerre es del antiguo tipo cretense, y se ha notado su similitud con el de otra escultura cretense, la Eleutherna Kore. Esto también ha llevado a la sugerencia de que la Dama de Auxerre puede haberse originado en Eleutherna.

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Estatua de Daedalic de un Kore, fragmento, piedra de poros. Eleftherna, siglo VII a.C. Museo Arqueológico de Heraklion. (Zde / CC BY SA 4.0 )

¿Cuál fue la función de esta estatuilla?

Otro misterio que rodea a la Dama de Auxerre es su identidad y función. Algunos han especulado que esta estatuilla pudo haber estado destinada a representar a una diosa. Esta especulación se basa en comparaciones con figuras de terracota de diosas del Cercano Oriente, donde se pone un gran énfasis en sus atributos sexuales.

Otros, sin embargo, han argumentado que la Dama de Auxerre estaba destinada a representar a una mujer mortal, tal vez una devota de un culto a la fertilidad, o si se tratara de una ofrenda votiva, del mismo dedicador. Esta última interpretación está respaldada por la mano derecha de la estatuilla, que, vista de frente, se supone que indica un gesto de súplica.

Debido a su importancia, la Dama de Auxerre fue trasladada del Museo Auxerre al Louvre de París, donde permanece en exhibición hasta el día de hoy.


La Dama de Auxerre en exhibición. (Harrison Hoffman / CC BY SA 2.0 )


25 de las estatuas y esculturas griegas antiguas más famosas

Los antiguos griegos son legendarios por muchas razones por su narración de historias a través de la mitología, por sus doce dioses gloriosos, sus estimados filósofos y sus orgullosos y valientes guerreros, pero tal vez los recordemos más por su amor por la belleza.

Belleza, que los antiguos griegos honraban al construir algunas de las maravillas arquitectónicas más asombrosas del mundo, y la belleza representada en estatuas y esculturas espectaculares y realistas.

Aquí hay veinticinco increíbles obras de arte griego antiguo, veinticinco de las estatuas más famosas de la antigua Grecia donde se originaron, donde y cuando fueron descubiertas, y donde se pueden encontrar hoy.

A lo largo de las tres épocas del arte griego antiguo Arcaico (600 - 480 aC), Clásico (480 - 323 aC) y Helenístico (323 - 31 aC), se utilizaron tres materiales principales: Bronce, mármol y criselefantino (Oro y marfil sobre madera).

Los principales hombres, todos grandes escultores, en los días de los antiguos, fueron Myron (Activo 480 - 444), Fidias (Activo 488 - 444), Policleto (Activo 450 - 430), Praxiteles (Activo 375 - 335) y Lisipo. (Activo 370 - 300).

25 famosas estatuas griegas antiguas, enumeradas en orden cronológico, con la fecha aproximada de su creación.

1. Dama de Auxerre (Kore de Auxerre) Hacia 650 - 625 a. C.

Estatuilla de piedra caliza Auxerre Goddess
Museo del Louvre, París

Ahora en el Museo del Louvre, París, Francia

La Dama de Auxerre, misteriosamente salió a la luz en la bóveda de almacenamiento del Museo del Louvre en 1907, de dónde vino y cómo llegó allí, nadie lo sabe.

La Dama de Auxerre es un "kore", que significa una niña, una doncella, también otro nombre para Perséfone, hija de Deméter en la mitología griega.

El equivalente masculino es "kouros", un joven, o un niño joven, estas son figuras independientes, de tamaño natural o más grandes, y a menudo se usaban como marcadores de tumbas.

Estas figuras, como lo fueron todos los monumentos y esculturas antiguas, no eran originalmente como las vemos hoy, sino que estaban pintadas con colores brillantes, los colores se han desgastado con el paso del tiempo.

La Dama de Auxerre, una escultura cretense de piedra caliza, de 65 cm de altura (inusualmente pequeña para un coreano), tiene una cintura estrecha, al igual que las diosas de la era minoica / micénica, y cabello rígido y rígido, que muestra una influencia egipcia.

2. La Puerta Sagrada de Kouros (Dipylon Kouros) Hacia el año 600 a. C.

Mármol de Kouros de la Puerta Sagrada, ca. 600-590 a. C.
Museo Arqueológico, Atenas, Grecia

Ahora en el Museo Arqueológico de Kerameikos, Atenas, Grecia

La Puerta Sagrada de Kouros, de 2,10 metros de altura, hecha de mármol de Naxian (Naxos), fue desenterrada en 2002, en el cementerio de Kerameikos, el barrio de los alfareros de la antigua Atenas, por el Instituto Arqueológico Alemán de Atenas.

El hecho de que el kouros haya sido descubierto cerca de la puerta sagrada del cementerio, una puerta doble, en griego "dipylon" (junto con otros artefactos dos leones de mármol, una esfinge y fragmentos de pilares de mármol), lleva a los expertos a asumir que se trataba de la obra. del escultor “Dipylon” que trabajaba en el cementerio.

3. Kleobis y Biton alrededor del 580 a. C.

Kleobis y Biton
Museo Arqueológico de Delfos, Grecia

Ahora en el Museo Arqueológico de Delfos, Grecia

Encontrado en Delfos, el ombligo del mundo y el hogar del oráculo griego, Pythia, en 1893 y 1894.

Kleobis y Biton, dos más grandes que la vida (desnudos, excepto por las botas), estatuas idénticas, hechas de mármol de Parian (Paros).

Aunque se encuentran en Delfos, las estatuas son originarias de Argos en el Peloponeso y, según una inscripción en la base, fueron realizadas por Polimedes de Argos.

Hay dos historias para elegir, en cuanto a su identidad, ambas de la mitología griega.

Junto con el nombre del escultor, en la base está inscrita la palabra “Fanakon”, que significa príncipes, nombre que se suele dar a Castor y Pollux, hermanos gemelos, hijos de Zeus, conocidos como “dioscuri”, muy adorados en el Peloponeso.

La segunda historia tiene las estatuas nombradas como Kleobis y Biton, los nombres con los que se muestran en el museo de Delfos, dos hermanos humanos, hijos de Cydippe, una sacerdotisa de la diosa Hera, en Delfos.

Cydippe, un día, está siendo arrastrado por una colina empinada, por bueyes y carretas, para rezar en el templo, los bueyes caen muertos en el lugar, y siendo tan buenos hijos, Kleobis y Biton se enganchan a la carreta y proceden, con mucho esfuerzo, para arrastrar a su amada madre por la empinada colina.

Los hermanos llegan al templo en la cima de la colina, donde se derrumban, agotados, su madre reza a la diosa Hera, para que les permita morir mientras duermen, la muerte más amable y fácil para los simples mortales.

4. Moschophoros (becerro - portador) Hacia el 570 a. C.

Moschophoros- Becerro
Museo de la Acrópolis, Atenas, Grecia

Ahora en el Museo de la Acrópolis, Atenas, Grecia

El Moschophoros es una de las primeras dedicatorias encontradas en la Acrópolis de Atenas, excavada en 1864, se trata de un "kouros" (joven masculino) de 1,65 metros de altura, realizado con mármol del monte Hymettus, Attiki. (La base es piedra caliza)

Una inscripción en la base indica que la estatua era una ofrenda a la diosa Atenea, de Rhonbos, los pensamientos son que el hombre barbudo, con un becerro colgado del hombro, es en realidad el mismo Rhonbos, llevando el becerro a la Acrópolis, para ser sacrificado. .

5. Peplos Kore Hacia el 530 a. C.

El Peplos Kore
Museo de la Acrópolis, Atenas, Grecia

Ahora en el Museo de la Acrópolis, Atenas, Grecia

El Peplos “kore” (Mujer joven o doncella) es una estatua de 1,18 metros, encontrada en tres piezas, durante las excavaciones en la Acrópolis de Atenas en 1886.

Hecho de mármol de Parian (Paros), este "Kore" toma su nombre de los "peplos", un pesado chal de lana usado en la antigua Grecia, que lleva la joven doncella.

Los agujeros en la parte inferior del brazo derecho y el brazo izquierdo doblado sugieren que tal vez una vez empuñó un arco y una flecha, o un escudo y un casco, agujeros en la cabeza y los hombros, sugieren que originalmente llevaba una decoración de bronce en la cabeza.

6. Niño de Kritios (juventud de Ephebos) alrededor del 480 a. C.

Chico Kritios
Museo de la Acrópolis, Atenas, Grecia

Ahora en el Museo de la Acrópolis, Atenas, Grecia

El cuerpo del niño Kritios fue encontrado durante las excavaciones en la Acrópolis de Atenas, en 1866, la cabeza, veintitrés años después, cuando se unieron, la estatua mide 86 cm de altura.

Esta estatua, atribuida al escultor Kritios, es uno de los mejores ejemplos del cambio del estilo arcaico tardío al griego clásico temprano, cuando las estatuas se volvieron menos rígidas y rígidas, mostrando un movimiento más natural, con su peso en una pierna, más bien. que dos, como en estilo arcaico

7. El guerrero caído del templo de Aphaia Hacia el 480 a. C.

El guerrero moribundo, ubicado en el frontón del templo de Aphaia en Egina.
Frontón Este
Glyptothek, Múnich Berlín

Ahora en la Glyptothek de Munich, Alemania

El templo de Aphaia fue construido dentro de un santuario en la isla de Egina, dedicado a la diosa Aphaia, el templo existente es quizás el segundo, o incluso el tercer templo construido en el sitio, los anteriores habiendo sido destruidos.

En 1811, el arquitecto inglés Charles Robert Cockerell y el barón Otto Magnus Von Stackberg, quitaron esculturas de los frontones este y oeste del templo (aquí Shades of Elgin de Inglaterra) y las enviaron al extranjero, donde se vendieron al príncipe heredero. pronto será Luis I de Hannover.

Las esculturas tomadas del templo de Aphai eran de dos guerreros, derribados en batalla, que yacían agonizantes, el guerrero del frontón oeste tenía una flecha o lanza alojada en su pecho (ahora desaparecido), el guerrero del frontón este, se cree para ser una escultura posterior, se cree que ambos representan guerreros de las guerras de Troya.

8. El auriga de Delfos Hacia el 470 a. C.

El auriga de Delfos. Museo Arqueológico de Delfos, Grecia

Ahora en el Museo Arqueológico de Delfos, Grecia

El Auriga de Delfos, también conocido como el "Heniokhos" "El sostenedor de las riendas", fue encontrado en 1896 en el santuario de Apolo, Delfos, un excelente ejemplar de escultura de bronce antigua.

Esta es una de las estatuas más conocidas y mejor conservadas de la antigua Delfos, y se cree que se construyó para conmemorar la victoria de Polizal de Sicilia en los Juegos Pitios.

El Delphi Charioteer, un joven que vestía la túnica de jockey habitual del día, el "xystin", originalmente era parte de un grupo, y solo sobrevivió porque fue enterrado bajo una caída de rocas en Delphi, y por lo tanto escapó de ser llevado y derretido. por su metal, como sucedía con frecuencia en esos días.

El auriga, la última escultura de bronce que queda de Delfos, casi intacta, todavía con sus ojos de cristal y detalles de cobre en las pestañas, está vinculado al escultor Pitágoras de Samos, que vivió y trabajó en Sicilia.

9. Zeus y Ganimedes Hacia el 470 a. C.

Estatua de terracota de Zeus y Ganimedes
Museo Arqueológico Arcaico Tardío de Olimpia

Ahora en el Museo Arqueológico de Olimpia, Grecia

Zeus y Ganimedes es un grupo de terracota que representa a Zeus llevando al joven Ganímedes al Monte Olimpo.

Los primeros fragmentos del grupo fueron descubiertos en el estadio de Olimpia en 1874 se encontraron piezas más, en el mismo lugar en 1938.

Las dos figuras, Zeus y Ganimedes, representan una escena muy conocida de la mitología griega, donde Zeus, al ver Ganimedes (de la antigua Troya), vencido por su belleza, lo engañó, se lo robó a su padre y lo llevó al Monte Olimpo.

10. Los Bronces de Riace (Los Guerreros de Riace) Hacia el 460 a. C.

Los bronces de Riace,
ubicado en el Museo Nacional de Reggio Calabria

Ahora en el Museo Nazionale della Grecia, Reggio, Calabria.

Me encanta esta maravillosa historia de cómo los Riace Bronzes fueron descubiertos en 1972 por Stefano Mariottini, un químico y buceador aficionado.

Stefano, mientras practicaba esnórquel, a doscientos metros de la costa de Riace, Calabria, Italia, se sorprendió al ver lo que pensó que era un brazo humano que sobresalía del lecho marino, pensando que la mafia no había hecho nada bueno, Stefano llamó al policía.

La policía llegó al lugar, cavó un poco, se dio cuenta de que se trataba de algo mejor que un cadáver y llamó a los arqueólogos, que estaban en el lugar "Subito", donde descubrieron dos estatuas de bronce griegas antiguas, pero ningún naufragio. .

Se cree que las dos estatuas, que difieren en altura unos pocos centímetros, etiquetadas como estatua A y estatua B, fueron hechas por escultores separados: la estatua A de Myron, un estudiante de Fidias, y la estatua B, de Alkamenes.

En un momento, habrían sostenido lanzas.

Aunque se descubrieron en 1972, las cifras no se exhibieron públicamente hasta 1981, en Florencia y Roma, donde más de 1000 000 acudieron en masa para verlas en menos de un año.

11. El bronce de Artemision (Dios del mar) Hacia el 460 a. C.

El bronce de Artemision
Museo Arqueológico Nacional, Atenas, Grecia

Ahora en el Museo Arqueológico Nacional, Atenas, Grecia

El Artemision Bronze fue extraído del mar, en dos piezas, frente al Cabo de Artemision (Norte de Eubea-Evia, la segunda isla más grande después de Creta) durante las excavaciones en el sitio de un naufragio romano entre 1926 y 1928.

La estatua, que mide 209 cm de altura, representa a Zeus o Poseidón (Neptuno), Zeus habría sostenido un rayo, Poseidón un tridente.

12. Lanzador de disco (Discobolus) Hacia el 460 a. C.

La estatua de Discobolus - Lanzador de disco
Museo Nacional de Roma

Ahora en el Museo Nacional de Roma

La estatua de bronce original, el Lanzador de discos, que se cree que fue de Myron de Eleutherae, un escultor ateniense que trabajó únicamente en bronce, mejor conocido por sus representaciones de atletas, se ha perdido desafortunadamente, pero la pieza se conoce por copias romanas.

La primera copia de la famosa estatua, encontrada en la propiedad de la familia Massimo, en Villa Palombra en el Cerro Esquilino, en 1781, es la Palombara o Lancellotti Discobolus, realizada en el siglo I.

Después de la restauración, la estatua se instaló en el palazzo familiar y, más tarde, en el Palazzo Lancellotti.

En 1937, Adolph Hitler negoció la compra de la estatua de Discobolus, que finalmente hizo en 1938, vendida por Galeazzo Ciano, ministro de Asuntos Exteriores, (después de muchas protestas del pueblo italiano), por cinco millones de liras.

La estatua fue enviada a Alemania en tren y exhibida en la Glyptothek de Munich.

La estatua fue devuelta a Italia en 1948 y ahora se exhibe en el Museo Nacional de Roma.

Una segunda copia, The Townley Discobolus, fue encontrada en Hadrien's Wall en 1770, y comprada por un comerciante de arte inglés, Thomas Jenkins en una subasta pública en 1792, luego fue comprada por Charles Townley por cuatrocientas libras esterlinas, para el Museo Británico en 1805.

El lanzador de discos se ha convertido ahora en una imagen icónica de los Juegos Olímpicos.

13. Las metopas de mármol del Partenón (parte de los mármoles del Partenón) Hacia 447-438 a. C.

Metopas de mármol del Partenón, la Acrópolis, Atenas, Grecia
Ahora en el Museo Británico de Londres, Inglaterra

Ahora en el Museo Británico de Londres, Inglaterra, parte de los Mármoles del Partenón.

Las Metopas del Partenón, originalmente eran noventa y dos paneles de mármol que realzaban el exterior del Partenón, parte del Friso Dórico, encontrados en la Acrópolis de Atenas hechos por Fidias, son ejemplos famosos del alto relieve griego clásico.

Las metopas del Partenón, representaban escenas de la mitología griega antigua y, en general, representaban el triunfo de la razón sobre la pasión animal y el caos.

Había catorce metopas en cada uno de los muros occidental y oriental, y treinta y dos en cada uno de los muros norte y sur.

Las catorce metopas de la muralla oriental, estaban sobre la entrada principal del Partenón, y muestran las etapas finales de la batalla entre los gigantes y los dioses olímpicos que representan a Zeus, un carro montado por Hera y Poseidón (Neptuno) con su tridente.

Las metopas del muro sur muestran la batalla de los lapitas (una tribu eólica) contra los centauros (criaturas míticas con la parte superior del cuerpo de un hombre y la parte inferior del cuerpo de un caballo).

Las metopas del muro norte muestran a los griegos en guerra con los troyanos, conocido como "El saqueo de Troya".

En 1687, una bala de cañón golpeó el Partenón, durante un ataque de los venecianos, destruyendo muchas de las metopas, solo catorce de los 32 paneles originales sobreviven y se exhiben en el Museo de la Acrópolis.

Quince de las Metopas del muro sur fueron "eliminadas" por Lord Elgin de Inglaterra, y ahora se encuentran en el Museo Británico de Londres.

14. Los mármoles del Partenón (diosas del frontón oriental del Partenón) Hacia 447 - 438 a. C.

Los mármoles de Partnenon
Museo Británico, Londres, Inglaterra

Me entristece muchísimo decir que estas esculturas de mármol únicas, hechas por Pheidias, del hermoso mármol blanco de Penteli, que adornó el Partenón en la Acrópolis de Atenas durante miles de años, se encuentran ahora en el Museo Británico de Londres, Inglaterra.

De 1801 a 1812, Thomas Bruce Lord Elgin visitó la Acrópolis de Atenas (¡Oh, si nunca lo había hecho!) Que estaba bajo ocupación otomana en ese momento, y procedió a desfigurar el orgullo de Atenas, el Partenón.

Elgin eliminó casi la mitad de las esculturas supervivientes, veintiún figuras de los frontones este y oeste y setenta y cinco metros del friso del Partenón fueron arrancados de las paredes del majestuoso templo, y una de las seis Cariátides fue retirado, para disgusto de Lord Byron, quien comparó el comportamiento de Elgin con el vandalismo y el saqueo.

Elgin envió el botín robado a Inglaterra, donde lo vendió al gobierno británico en 1816, quien lo entregó al Museo Británico.

Las diosas en el frontón este del Partenón, representan el nacimiento de la diosa Athina, a la izquierda está Helios, el dios sol, saliendo del mar, tirado por caballos, luego viene la única figura que tiene cabeza, Dioniso, y luego Perséfone y su madre. Demeter.

El grupo central Atenea que nació de la cabeza de Zeus, cuando fue golpeado con un hacha por Hephaistus, falta.

Aún sobrevive un grupo de tres diosas, posiblemente Hestia, Dione y su hija, la diosa de la luna Selene.

15. Athena Parthenos (Atenea la Virgen) Hacia el 447 a. C.

Athena Parthenos (Fidias) - período clásico griego. Museo Arqueológico Nacional de Atenas

La Atenea Partenos, de Fidias, una enorme estatua de la diosa Athina, creada con criselefantina (oro y marfil sobre madera), de once metros y medio de altura, ubicada en el Partenón de la Acrópolis de Atenas, fue removida por los romanos y ahora está perdido.

En el Museo Arqueológico Nacional de Atenas, Grecia, se exhiben reproducciones antiguas, como la “Varvakeion Athena”, una copia romana del siglo III d.C., y la Atenea Lenormant (Inacabada), del siglo II o III d.C.

Una copia grande y moderna de Alan LeQuire, se encuentra en una reproducción del Partenón de la Acrópolis, en Nashville, Tennessee.

16. Zeus en Olimpia alrededor del 435 a. C.

Estatua de Zeus en Olimpia. Evgeny Kazantsev (Artista digital)
Esta estatua solía sentarse a 42 pies de altura y fue elaborada maravillosamente con piedras preciosas, ébano y oro.

Una escultura gigante del antiguo dios griego Zeus, perdida y destruida durante el siglo V d.C., tenía trece metros de altura, el tamaño de un edificio de cuatro pisos, y fue erigida en el Templo de Zeus en Olimpia, Grecia.

Esta asombrosa escultura fue hecha por Pheidias (quien también había hecho la enorme estatua de Atenea Partenos) y, según los informes, tardó ocho años en construirse.

El Templo de Zeus fue diseñado por Libon de Elis en 466-456 a. C., el sitio incluía un estadio, donde se celebraban los Juegos Olímpicos cada cuatro años, en honor a Zeus.

El taller de Pheidias se encontró en 1954-58, al oeste del Templo de Zeus.

El Zeus de Olimpia, Zeus sentado en su trono, fue encargado por los eleos, una antigua región en el sur del Peloponeso y consistía en paneles de marfil y oro, colocados sobre madera de cedro y adornados con ébano y piedras preciosas, es una de las siete maravillas. del mundo antiguo.

Nunca se ha encontrado una copia, pero los detalles del Zeus de Olimpia se conocen por las descripciones de boca en boca, transmitidas de generación en generación de griegos antiguos, y por imágenes de Zeus de Olimpia, que adornan las monedas griegas antiguas.

¿Qué pasó con este gran Zeus, no se sabe, fue llevado a Bizancio por los romanos, y tal vez más tarde destruido en el incendio del Palacio de Lausus en el 475 dC?

¿O pereció Zeus en el incendio de Olimpia en el 525 d.C.?

17. Maratón juvenil (efebo de maratón) alrededor del 400 a. C.

La maratón de la juventud. Museo Arqueológico Nacional de Atenas, Grecia

Ahora en el Museo Arqueológico Nacional de Atenas, Grecia

El Marathon Youth es una estatua de bronce, encontrada en 1925, en la Bahía de Marathon en el Mar Egeo.

Lo más probable es que el Marathon Youth fuera el ganador de una competencia atlética cuyo estilo sugiere que el escultor pudo haber estado relacionado con la escuela de Praxiteles.

18. Hermes de Praxiteles Hacia el 400 a. C.

Museo Arqueológico Hermes de Praxiteles de Olimpia, Grecia

Ahora en el Museo Arqueológico de Olimpia, Grecia

Hermes de Praxiteles salió a la luz durante las excavaciones, en 1877, en el Templo de Hera, Olimpia.

Esta estatua gigante de 2,13 metros de altura, hecha de mármol Parian (Paros) muy pulido, realizada por el antiguo escultor griego Praxiteles, muestra el mito griego antiguo de cuando Hermes llevó al bebé Dioniso a Nysiades.

Las Nysiades eran tres, cinco o seis ninfas Okeanid del mítico Monte Nysa, que se dice que criaron a Dionysus, y cuyos nombres son Cisseïs, Nysa, Erato, Eriphia, Bromia y Polyhymno.

19. Afrodita de Knidos Hacia el 350 a. C.

La Colonna Venus & # 8211 Afrodita de Knidos
Museo Pio-Clementino, en el Museo Vaticano

La estatua Afrodita de Knidos, una de las obras más famosas de Praxiteles, no ha sobrevivido, tal vez fue trasladada al Palacio de Lausus, Bizancio, por los romanos, que se incendió en 474 a.C. y se perdió.

Según Plinio, Praxiteles de Atenas, un escultor griego antiguo, recibió el encargo de crear una figura, como estatua de culto, para un templo dedicado a la diosa Afrodita, por la gente de la isla de Kos.

Praxiteles hizo dos estatuas, una vestida (la desnuda es la que no existe hoy) y otra desnuda y presentó ambas estatuas a la gente de Kos, y les pidió que eligieran.

Los mojigatos ciudadanos de Kos, conmocionados hasta la médula, rechazaron instantáneamente la estatua desnuda y tomaron la figura vestida.

La figura desnuda rechazada fue comprada por los ciudadanos de Knidos, una antigua ciudad en el suroeste de Asia Menor.

Famoso por su belleza, el knidos Afrodita, la primera figura de tamaño natural de una mujer desnuda, muestra a la diosa Afrodita preparándose para el baño ritual que restauró la pureza (no la virginidad).

Para agregar a los chismes que ya rodean a la Afrodita de Knidos, se rumorea que Praxiteles utilizó a la cortesana Phryne como modelo.

Esta escultura a menudo copiada, también conocida como la Venus (Afrodita) Pudica, (debido a que ella tenía modestamente su mano sobre su medio penique), "La Venus de Medici" o "La Venus Capitolina" y, a pesar de ser una estatua de culto, se convirtió en una atracción turística, se dice que incluso Afrodita, después de escuchar todo el júbilo sobre la estatua, vino a verla por sí misma.

El Patrón de los Knidianos, Nicomedes de Bythia, se ofreció a pagar las enormes deudas que la ciudad había contraído, a cambio de la hermosa estatua de Afrodita, su oferta fue rechazada.

La copia más precisa de la Afrodita de Knidos es la "Colonna Venus", que se encuentra en el Museo Pio-Clementino, en el Museo del Vaticano.

20. El auriga de Motya Hacia el 350 a. C.

El auriga de Motya. Foto de The Culture Concept Circle por Carolyn Mcdowal
Museo Giuseppe Whitaker, isla San Pantaleo

Ahora en el Museo Giuseppe Whitaker, isla de San Pantaleo, a 10 km al norte de Marsala, Sicilia.

El auriga Motya fue encontrado en 1979, en Motya, una isla frente a la costa oeste de Sicilia.

La isla de Motya, dada su nombre Motya, (el nombre de una mujer asociada con Hércules en la mitología griega) por los antiguos griegos, que se habían asentado allí durante casi cuatro siglos, fue habitada inicialmente por fenicios.

El Motya Charioteer, vestido con la túnica habitual, el “Xystis”, una de las primeras esculturas clásicas supervivientes de cualquier parte del mundo, muestra a un auriga victorioso, realizado por un escultor griego que vive en Sicilia.

21. La juventud victoriosa (The Getty Bronze) Hacia el 310 a. C.

La juventud victoriosa. Museo J. Paul Getty, Pacific Palisades, California, EE. UU.

Ahora en el Museo J. Paul Getty, Pacific Palisades, California, EE. UU.

La antigua estatua griega de bronce de La juventud victoriosa fue atrapada en las redes de un arrastrero de pesca en el Mar de Fano, en la costa adriática de Italia en 1964.

Después de unas cuantas cosas "Under the counter", muchas ofertas y mucha competencia del Museo Metropolitano de arte, The Victorious Youth se obtuvo para el Getty Museum en 1977.

22. La victoria alada de Samotracia (Nike de Samotracia) Hacia el 200 a. C.

La victoria alada de Samotracia y # 8211 Nike de Samotracia
Museo del Louvre, París, Francia

Ahora en el Museo del Louvre, París, Francia

Y ahora llegamos a una de las dos esculturas griegas antiguas más famosas de todo el mundo, una de las pocas estatuas helenísticas originales supervivientes, no una copia romana, (la otra es la Venus di Milo), la Victoria alada de Samotracia. , o Nike de Samotracia, Nike diosa griega de la victoria.

Esta es mi estatua griega antigua favorita, que tengo la suerte de haber visto en el Museo del Louvre, París, donde domina la escalera de Daru, de pie en todo su esplendor, en la proa de un barco, en la entrada del primer piso. .

Se desconoce el escultor, pero se cree que Pythokritos de Lindos puede ser el hombre talentoso.

La estatua, hecha de mármol gris Thasian (Thasos) y mármol blanco Parian (Paros), de 2,44 metros de altura y orgullosa, no solo honra a la diosa Nike, sino también a una batalla naval, tal vez la Batalla de Salamina o la Batalla de Actium. .

La Victoria Alada de Samotracia fue descubierta en la isla griega de Samotracia, entonces bajo el dominio otomano, en 1863, por el arqueólogo aficionado cónsul francés Charles Champoiseau, quien envió la estatua a París, donde se encuentra desde 1884 en el Museo del Louvre.

Una réplica de yeso se encuentra en el museo de Samotracia, construida en el lugar donde se descubrió la Victoria Alada original.

23. Laocoonte e hijos (Grupo Laocoonte) Hacia el año 200 a. C.

Laocoonte y sus hijos. Museo del Vaticano

Ahora en el Museo del Vaticano

La escultura de Laocoonte y sus hijos fue descubierta durante las excavaciones en Roma en 1506 y se exhibió públicamente en el Museo del Vaticano.

Un grupo de figuras de tamaño casi natural, de más de 2 metros de altura, la escultura representa al sacerdote troyano, Laocoonte, con sus hijos gemelos Antiphantes y Thymbraeus, siendo atacados por dos serpientes marinas gigantes.

Plinio atribuye el trabajo, que en ese momento estaba en el palacio del emperador Tito, a tres antiguos escultores griegos de la isla de Rodas Agesander, Athendoros y Polydoros.

Sin embargo, Plinio no estaba seguro si la estatua es un original de la era helenística o si es una copia de una escultura anterior hecha en el estilo "Barroco de Pérgamo", que surgió de la ciudad de Pérgamo en Asia Menor griega (día moderno Pavo).

Laocoonte, un sacerdote del dios Apolo e hijo de Príamo de Troya, es conocido, de la mitología griega, por enfurecer a Apolo al romper su juramento de celibato y levantarse un poco de pañuelo en el Santuario de Apolón, lo que resultó en el nacimiento de sus hijos gemelos.

¿Es por eso que Apolo los hijos de Laocoonte, aplastados hasta la muerte por las serpientes, dejando a Laocoonte solo para sufrir, o es otra versión de la historia la razón de la muerte de Laocoonte y sus hijos, donde Laocoonte es un sacerdote de Poseidón (Neptuno)? , en lugar de Apolo, y es asesinado, junto con sus hijos, por advertir a los troyanos que no aceptaran el caballo de Troya de los griegos?

Virgilio describe este evento en La Eneida y le da a Laocoonte la famosa línea

“No confíen en el caballo, troyanos. Sea lo que sea, temo que los griegos incluso traigan regalos ".

Esto dio a luz a la famosa línea

"Cuidado con los griegos que llevan regalos".

24. El Altar de Pérgamo Hacia 180-160

El Altar de Pérgamo. Museo de Pérgamo y Museo Altes (ambos en la isla de los museos de Berlín), Alemania

Ahora en el Museo de Pérgamo y el Museo Altes (ambos en la Isla de los Museos de Berlín), Alemania

El altar de Pérgamo de Zeus, era un monumento construido en la Acrópolis de la antigua ciudad de Pérgamo en el Asia Menor griega (Turquía actual)

La base del altar estaba adornada con un relieve, que muestra la batalla entre los gigantes y los dioses olímpicos, conocida como la Gigantomaquia.

En 1878, un ingeniero alemán, Carl Humann, comenzó las excavaciones en la Acrópolis de Pérgamo y, después de bastante regateo con el gobierno turco, se acordó que todos los fragmentos del friso del Altar de Pérgamo, encontrados por Humann, se convertirían en propiedad de los Museos de Berlín.

Las piezas de la escultura griega antigua se enviaron a Alemania, donde fueron reconstruidas por un equipo de italianos y en 1930 se expusieron al público en el Museo de Pérgamo de Berlín.

En 2014 se anunció que la exhibición de Pérgamo estaría cerrada por restauración, hasta alrededor de 2019-2020.

25. La Venus de Milo Hacia el 130-100 a. C.

La Venus de Milo. Museo del Louvre París, Francia

Ahora en el Museo del Louvre, París, Francia

Y aquí estamos, la última de mis veinticinco espectaculares esculturas griegas antiguas elegidas, ha sido un largo camino, pero ¡qué final para terminar con La Venus de Milo, quizás la más reconocible de todas las estatuas griegas!

La Venus de Milo, hecha de mármol de Parian (Paros), de 203 cm de altura, fue descubierta en 1820, dentro de un nicho enterrado, en la antigua ciudad de Milos, hoy pueblo de Tripiti, en la isla egea de Milos, entonces bajo ocupación de los otomanos, por un campesino griego, Georgos Kentrotas.

Después de aceptar vender la estatua a los franceses, Georgos se impacientó cuando el pago no llegó y se la vendió a Nicholas Mourousi, un traductor en Estambul, un caso de orden de llegada.

Justo cuando la estatua estaba siendo colocada a bordo de un barco que se dirigía a Estambul, el asistente del embajador francés, Hermes de Marcellus, llegó al puerto en el último momento, se apoderó de la estatua y logró convencer al principal habitante de la isla de que anulara la ley. venta, que hizo, y la estatua fue presentada a Francia como regalo.

Cuando se descubrió por primera vez, se pensó que la Venus di Milo fue hecha por el gran escultor ateniense, Praxiteles, pero al descubrir una inscripción en el pedestal, resulta que este asombroso trabajo fue realizado por un juglar y artista ambulante, Alexandros de Antioch, quien trabajó por encargo.

Se cree que la estatua es Afrodita (Venus), diosa del amor y la belleza.

Si comparas esta última estatua, la Venus de Milo, con la primera de mi lista la Dama de Auxerre, notarás cómo ha evolucionado el estilo, desde la rigidez rígida del período arcaico, hasta el movimiento fluido y libre del helenístico. período.

Poco a poco, a lo largo del período clásico, las esculturas se han vuelto más reales, ahora tienen una cierta delicadeza, sus rostros ya no están sin expresión, miran al frente, se nota esa sonrisita tímida o la mirada de reojo de un ojo. .

La perfección pura se logró con el advenimiento del período helenístico, el detalle de las cortinas en la Victoria alada de Samotracia, el giro de un tobillo aquí, el pliegue de un dedo allí, y en todas partes, movimiento suave y fluido.

¿Qué mejor ejemplo de esto que la Venus de Milo, con su aire de indiferencia, ese giro de cintura, después de esta excepcional obra de arte, qué?


¿Quién posó para la Mona Lisa de Leonardo da Vinci?

A lo largo de los años, los académicos han debatido la verdadera inspiración detrás de la media sonrisa más famosa de la historia y, posiblemente, incluso la cara más reconocible del mundo. Los asistentes propuestos para la & # x201CMona Lisa & # x201D han incluido a la madre de da Vinci & # x2019, Caterina, la princesa Isabel de Nápoles, una noble española llamada Costanza d & # x2019Avalos y una cortesana anónima, entre otros. Algunas de las teorías más provocativas enfatizan los rasgos faciales masculinos del sujeto, sugiriendo que Da Vinci basó el retrato en su propia semejanza o en la de su aprendiz de toda la vida y posible amante, Sala & # xEC.

Lisa Gherardini del Giocondo, una adinerada comerciante de seda, esposa de # x2019 y madre de cinco hijos, ha sido una de las principales contendientes desde que un historiador del arte la identificó como la modelo en 1550, más de cuatro décadas después de la finalización de la pintura icónica. El descubrimiento en 2005 de una nota de 500 años por un conocido de da Vinci, que afirma que el artista estaba trabajando en el retrato de Lisa & # x2019, confirmó la teoría para muchos estudiosos. Se cree que la belleza florentina y el esposo de # x2019 encargaron el trabajo para celebrar el inminente nacimiento de un niño, de hecho, algunos han apuntado la expresión enigmática del tema y las prendas sueltas al embarazo. Por razones que no están claras, da Vinci nunca entregó la & # x201CMona Lisa & # x201D a la familia Giocondo, primero la llevó a Francia y luego la legó a Sala & # xEC.


'Rompe mi ventana': Jocelyn Alo representa a la familia, la ciudad natal de Hawaii con Sooners en WCWS

Si escuchaste a alguien gritar "¡rompe mi ventana!" Durante la última semana en el Hall of Fame Stadium, no hay razón para alarmarte.

Eso es lo que grita Nita Alo cuando su nieta, Jocelyn, sube al plato.

Si hubiera automóviles estacionados más allá del jardín izquierdo el jueves por la tarde, puede apostar a que la explosión de Jocelyn Alo & rsquos en la primera entrada habría roto los cristales. El Jugador Nacional del Año conectó el jonrón 34 en la victoria por 5-1 en el campeonato nacional de OU & ​​rsquos contra Florida State.

"Me hace llorar de alegría", dijo Nita Alo, temblando con la piel de gallina en el calor sofocante.

La abuela de 69 años estaba descalza en las gradas mientras veía a los Sooners superar a los Seminoles. Llevaba camiseta de Jocelyn & rsquos No. 78 y un sombrero de paja adornado con OU con & ldquoaloha & rdquo escrito en el costado.

Cuando la as de OU, Giselle Juárez, aseguró el out final, Nita Alo agitó los brazos y agitó los puños.

Después de abrazar a sus compañeras de equipo, Jocelyn Alo caminó hacia la sección familiar a lo largo de la línea de la tercera base y alzó el trofeo del campeonato. Los fanáticos de OU, incluida una docena de Alos en las gradas, estallaron.

"Ahora mismo estoy tan emocionado y orgulloso de ella", dijo Nita Alo. & ldquoHauula en la casa! Nosotros y rsquore de un pueblo pequeño, y ella lo hizo tan grande. & Rdquo

Hauula, una comunidad de 3,000 en la isla de Oahu, es el hogar de los Alos.

Jocelyn Alo fue dos veces Jugadora del Año de la Escuela Secundaria Estatal Gatorade de Hawaii & rsquos, bateando .571 con 12 jonrones en su último año. Como estudiante de último año en OU, Alo bateó .475 con 34 jonrones, elevando el total de su carrera a 88 y mdash segundo en la historia de OU y cuarto en la historia de la NCAA detrás de Lauren Chamberlain & rsquos 95 roundtrippers.

Alo, quien planea regresar para una quinta temporada, seguramente será coronada reina de jonrones de softbol y rsquos en 2022.

"¿Sabes qué? Ella podía pegarle a la pelota desde el primer día", dijo Levi Alo, el padre de Jocelyn. & ldquoIt & rsquos divertido. Le digo a todo el mundo, ella hizo mucho trabajo, pero sus manos fueron bendecidas por Dios. & Rdquo

Levi es responsable de la firma de Nita & rsquos & ldquobreak my window & rdquo chant.

"Comenzó con mi hijo conectando jonrones", dijo Nita. Casi golpea esta ventana en la casa de esta dama. Ella salió, '¡Casi rompes mi ventana!' "

Como cualquier historia familiar, existen variaciones.

"Mi papá pegaba jonrones en el parque y ellos simplemente se estacionaban detrás de la cerca", dijo Jocelyn. & ldquoY mi papá rompió sus ventanas. & rdquo

No importa el origen, el dicho se quedó.

"Seguimos gritando", dijo Nita con una sonrisa.

Y Jocelyn siguió bateando jonrones, con cuatro más en la Serie Mundial Universitaria Femenina y rsquos.

Alo fue incluido en el equipo All-Tournament. Logró 7 de 10 en la serie de campeonatos.

"Ella se puso a trabajar", dijo Levi Alo. & ldquoIt & rsquos como un iceberg.

& ldquoNadie ve todo el trabajo que hay debajo. Todo lo que ven es el producto terminado aquí en la serie mundial. No ven años y años y años de ser disciplinado, y no ir a fiestas tanto como debería y no pasar el rato y perderse eventos familiares. Pero todo vale la pena cuando suceden cosas como esta. & Rdquo

El único arrepentimiento de Levi & rsquos es que su esposa y la madre de Jocelyn & rsquos, Andrea, no estuvieran allí para verlo. Andrea tuvo que quedarse en Hawai por motivos de trabajo, pero el resto de la familia hizo el viaje a Oklahoma City.

Once de ellos alquilaron un Airbnb juntos.

"Como decimos en casa en la isla, se necesita un pueblo", dijo Rocky Alo, tío de Jocelyn & rsquos. & ldquoShe & rsquos no solo lo hace por nuestra ciudad natal, lo hace por todo el estado de Hawaii. & rdquo

Sophia Alo, la hermana de Jocelyn & rsquos de 14 años, emparejó a su abuela con una camiseta carmesí n. ° 78.

Sophia es la siguiente en la fila para romper algunas ventanas, con aspiraciones de jugar softbol universitario como su hermana y mdash una de las estrellas más brillantes del deporte y rsquos.

"Me hace sentir orgullosa", dijo Sophia, "porque otras personas pueden admirarla además de mí".


Guerreros Riace

los Guerreros Riace (también conocido como el Bronces Riace o Bronzi di Riace) son dos estatuas griegas de bronce de tamaño natural de guerreros barbudos desnudos. Las estatuas fueron descubiertas por Stefano Mariottini en el mar Mediterráneo cerca de la costa de Riace Marina, Italia, el 16 de agosto de 1972. Las estatuas se encuentran actualmente en el Museo Nazionale della Magna Grecia en la ciudad italiana de Reggio Calabria. Las estatuas se conocen comúnmente como "Estatua A" y "Estatua B" y originalmente se fundieron utilizando la técnica de cera perdida.

El descubrimiento de las estatuas en 1972

Estatua A (primer plano) y Estatua B (fondo), desde el mar frente a Riace, Italia, c. 460-450 a.E.C. (?), Estatua A, 198 cm de alto, Estatua B, 197 cm de alto (Museo Archaeologico Nazionale Reggio Calabria) (foto: Robert y Talbot Trudeau, CC BY-NC 2.0)

Estatua A

La estatua A mide 198 centímetros de alto y representa al más joven de los dos guerreros. Su cuerpo exhibe una fuerte postura de contrapposto, con la cabeza girada hacia la derecha. Los elementos adjuntos se han perdido & # 8211 probablemente un escudo y una lanza, su casco ahora perdido sobre su cabeza puede haber sido coronado por una corona. La guerrera tiene barba, con detalle de cobre aplicado en labios y pezones. Los ojos insertados también sobreviven para la Estatua A. El cabello y la barba se han trabajado de manera elaborada, con rizos y rizos exquisitos.

Estatua B

La estatua B representa a un guerrero mayor y mide 197 centímetros de altura. Un casco ahora perdido probablemente estaba encaramado sobre su cabeza. Al igual que la estatua A, la estatua B tiene barba y está en una postura de contrapposto, aunque los pies de la estatua B están más juntos que los de la estatua A.

Estilo severo

El estilo clásico severo o temprano describe las tendencias en la escultura griega entre c. 490 y 450 a.E.C. Artísticamente, esta fase estilística representa una transición del estilo arcaico bastante austero y estático del siglo VI a. C. al estilo clásico más idealizado. El estilo Severo está marcado por un mayor interés en el uso del bronce como medio así como un aumento en la caracterización de la escultura, entre otras características.

Interpretación y cronología

Estatua A, desde el mar frente a Riace, Italia, c. 460-450 a.E.C. (?), 198 cm de altura (Museo Archaeologico Nazionale Reggio Calabria) (foto: Luca Galli, CC BY 2.0)

La cronología de los guerreros Riace ha sido un tema de discusión entre los eruditos desde su descubrimiento. En esencia, hay dos escuelas de pensamiento: una sostiene que los guerreros son del siglo V antes de nuestra era. originales que se crearon entre 460 y 420 a. C., mientras que otro sostiene que las estatuas se produjeron más tarde e imitan conscientemente la escultura clásica temprana. Aquellos que apoyan la cronología anterior argumentan que la Estatua A es la primera de las dos piezas. Esos eruditos también establecen una conexión entre los guerreros y los talleres de famosos escultores antiguos. Por ejemplo, algunos estudiosos sugieren que el escultor Myron elaboró ​​la estatua A, mientras que Alkamenes creó la estatua B. Además, quienes apoyan la cronología anterior señalan al estilo severo como una clara indicación de una fecha clásica temprana para estas dos obras maestras.

El historiador de arte B. S. Ridgway presenta una opinión disidente, afirmando que las estatuas no deben asignarse al siglo V a. C., argumentando en cambio que lo más probable es que se produjeran juntas después del 100 a. C. Ridgway siente que las estatuas indican un interés en la iconografía clásica temprana durante el período helenístico.

En términos de identificaciones, se ha especulado que las dos estatuas representan a Tydeus (Estatua A) y Amphiaraus (Estatua B), dos guerreros de Aeschylus & # 8217 juego trágico, Siete contra Tebas (sobre Polinices después de la caída de su padre, el rey Edipo), y puede haber sido parte de una composición escultórica monumental. Un grupo de Argos descrito por Pausanias (el viajero y escritor griego) se cita a menudo en conexión con esta conjetura: “Un poco más allá hay un santuario de las estaciones. Al volver de aquí se ven estatuas de Polinices, el hijo de Edipo, y de todos los jefes que con él murieron en la batalla en la muralla de Tebas & # 8230 ”(Pausanias, Descripción de Grecia 2.20.5).

Una vista conjetural restaurada de los dos guerreros (fuente)

Las estatuas tienen clavijas de plomo instaladas en sus pies, lo que indica que originalmente estaban montadas sobre una base e instaladas como parte de algún grupo escultórico u otro. La historiadora de arte Carol Mattusch sostiene que no solo se encontraron juntos, sino que originalmente se instalaron, y tal vez se produjeron, juntos en la antigüedad.

Recursos adicionales:

I bronzi di Riace: restauro come conoscenza (Roma: Artemide, 2003).

J. Alsop, & # 8220 Gloriosos bronces de la antigua Grecia: guerreros de una tumba de agua & # 8221 National Geographic 163.6 (junio de 1983), págs. 820-827.

A. Busignani y L. Perugi, Los bronces de Riace, trans. J. R. Walker, (Florencia: Sansoni, 1981).

C. H. Hallett, "Kopienkritik y las obras de Polykleitos", en Policleto: el Doríforo y la tradición, ed. por W. G. Moon, págs. 121-160 (Madison: University of Wisconsin Press, 1995).

C. C. Mattusch, Bronces clásicos: el arte y la artesanía de la estatuaria griega y romana (Ithaca: Cornell University Press, 1996).

C. C. Mattusch, "En busca del original de bronce griego" en El antiguo arte de la emulación: estudios de originalidad y tradición artísticas desde el presente hasta la antigüedad clásica (Memorias de la Academia Americana en Roma, volúmenes suplementarios, vol. 1), editado por E. K. Gazda, págs. 99-115, (Ann Arbor: University of Michigan Press, 2002).

P. B. Pacini, "Florencia, Roma y Reggio Calabria: Los bronces de Riace", La revista Burlington, volumen 123, no. 943 (octubre de 1981), págs. 630-633.

B. S. Ridgway, Estilos del siglo V en la escultura griega (Princeton: Princeton University Press, 1981).

B. S. Ridgway, & # 8220 The Riace Bronzes: A Minority Viewpoint, & # 8221 en Due bronzi da Riace: rinvenimento, restauro, analisi ed ipotesi di interpretazione, vol. 1, ed. por L. V. Borelli y P. Pelagatti, págs. 313-326. (Roma: Istituto poligrafico e zecca dello stato, 1984).

B. S. Ridgway, Escultura helenística: los estilos de ca. 100-31 a.C. (Madison: Prensa de la Universidad de Wisconsin, 2002).

N. J. Spivey, Entendiendo la escultura griega: significados antiguos, lecturas modernas (Nueva York: Thames y Hudson, 1996).

G. B. Triches, Due bronzi da Riace: rinvenimento, restauro, analisi ed ipotesi di interpretazione (Roma: Istituto poligrafico e zecca dello Stato, 1984).


Contenido

Gaceta de San José el editor Chris L. Rutt, de St. Joseph, Missouri, y su amigo Charles G. Underwood compraron un molino de harina en 1888. Rutt y Underwood's Pearl Milling Company enfrentaron un mercado de harina saturado. Después de experimentar, vendieron el exceso de harina como una mezcla para panqueques en bolsas de papel con una etiqueta genérica, "Harina para panqueques con crecimiento propio", que luego se denominó "la primera mezcla preparada". [1] [2] [8] Para distinguir su mezcla de panqueques, en el otoño de 1889 Rutt se apropió del nombre y la imagen de la tía Jemima de carteles litografiados vistos en una casa de vodevil en St. Joseph, Missouri. [1] [8]

Fórmula 1889 para la mezcla de la tía Jemima:

  • 45 kg [100 lb] de trigo duro de invierno
  • 45 kg [100 lb] de harina de maíz
  • 7 + 1 ⁄ 2 lb [3.4 kg] B.W.T. Fosfatos de Provident Chem [ical] St L [ouis]
  • 2 + 3 ⁄ 4 lb [1,2 kg] de bicarbonato [onato] de soda
  • 1,4 kg [3 libras] de sal.

Sin embargo, Rutt y Underwood no pudieron reunir suficiente capital y rápidamente se quedaron sin dinero. [1] Vendieron su empresa a Randolph Truett Davis Milling Company (también en St. Joseph, Missouri) en 1890, entonces el molino harinero más grande del río Missouri, y tenía una reputación establecida con tiendas de comestibles mayoristas y minoristas en todo el valle de Missouri. [1] [2] [9] Davis mejoró el sabor y la textura del producto agregando harina de arroz y azúcar de maíz, y simplificó la mezcla preparada agregando leche en polvo. Solo se necesitaba agua para preparar la masa. [1]

La Davis Milling Company pasó a llamarse Aunt Jemima Mills en febrero de 1914. [2] [9] En 1915, la conocida marca Aunt Jemima fue la base de un fallo de la ley de marcas registradas que sentó un nuevo precedente. Anteriormente, las marcas registradas solo estaban protegidas contra la infracción por parte de otros vendedores del mismo producto, pero bajo la "Doctrina de la tía Jemima", el vendedor de mezcla para panqueques estaba protegido contra la infracción por parte de un vendedor no relacionado de jarabe para panqueques. [10]

The Quaker Oats Company compró Aunt Jemima Mills Company en 1926 y registró formalmente la marca comercial Aunt Jemima en abril de 1937. [2] Sigue siendo uno de los logotipos y marcas comerciales más antiguos en la historia de la publicidad estadounidense. [3]

Quaker Oats introdujo el jarabe Aunt Jemima en 1966. Esto fue seguido por el jarabe Aunt Jemima Butter Lite en 1985 y el jarabe Butter Rich en 1991. [2]

Los alimentos congelados Aunt Jemima fueron autorizados a Aurora Foods en 1996, que fue absorbida por Pinnacle Foods Corporation en 2004. [2]

La tía Jemima se basa en el arquetipo común de la "Mamita" esclavizada, una mujer negra regordeta que lleva un pañuelo en la cabeza y es una sirvienta sumisa y devota. [3] [4] Su piel es oscura y húmeda, con una sonrisa blanca nacarada. Aunque las representaciones varían con el tiempo, son similares a la vestimenta común y las características físicas de los personajes "mammy" a lo largo de la historia. [11] [12] [13] [14] [15] [16]

El término "tía" y "tío" en este contexto era una forma sureña de dirigirse a los pueblos esclavizados más antiguos. Se les negó el uso de títulos de cortesía, como "amante" y "señor". [17] [18]

Una imagen británica en la Biblioteca del Congreso, que puede haber sido creada ya en 1847, muestra a una mujer negra sonriente llamada "Miss Jim-Ima Crow", con una imagen enmarcada de "James Crow" en la pared detrás de ella. [19] Un personaje llamado "Aunt Jemima" apareció en el escenario en Washington, DC, ya en 1864. [20] La inspiración de Rutt para Aunt Jemima fue la canción de vodevil / juglar de estilo americano de Billy Kersands "Old Aunt Jemima", escrita en 1875. Según los informes, Rutt vio un espectáculo de juglar con la canción "Old Aunt Jemima" en el otoño de 1889, presentada por artistas de la cara negra identificados por Arthur F. Marquette como "Baker & amp Farrell". [8] Marquette cuenta que el actor que interpreta a la tía Jemima vestía un delantal y un pañuelo. [8] [18]

Sin embargo, Doris Witt de la Universidad de Iowa no pudo confirmar el relato de Marquette. [21] Witt sugiere que Rutt pudo haber presenciado una actuación del intérprete de vodevil Pete F. Baker, quien interpretó a personajes descritos en los periódicos de esa época como "Ludwig" y "Aunt Jemima". Su interpretación del personaje de la tía Jemima puede haber sido un hombre blanco con la cara negra, fingiendo ser un inmigrante alemán, imitando a un juglar negro que parodia a una cocinera esclava negra imaginaria. [21]

A partir de 1894, la compañía agregó una familia de muñecas de papel de la tía Jemima que se podía recortar de la caja de panqueques. [22] A la tía Jemima se une su esposo, el tío Rastus (más tarde rebautizado como tío Mose para evitar confusiones con el personaje de Cream of Wheat, mientras que el tío Mose se presentó por primera vez como el mayordomo de la plantación). [23] Sus hijos, descritos como "caprichosos cómicos": Abraham Lincoln, Dilsie, Zeb y Dinah. La familia de muñecas de papel se posó bailando descalza, vestida con ropa hecha jirones, y la caja estaba etiquetada como "Antes de que se vendiera el recibo". (El recibo es una forma de receta rural arcaica). [22] Al comprar otra caja con elegantes recortes de ropa que se ajustaran a las muñecas, el cliente podía transformarlas "después de que se vendió el recibo". Esto los colocó en los mitos culturales estadounidenses de la pobreza a la riqueza de Horatio Alger. [22]

Las versiones de muñecas de trapo se ofrecieron como una prima en 1909: "Harina para panqueques de la tía Jemima / Muñeca Pica ninny / The Davis Milling Company". Las primeras versiones fueron retratadas como personas pobres con parches en los pantalones, bocas grandes y dientes perdidos. Los nombres de los niños se cambiaron a Diana y Wade. Con el tiempo, hubo mejoras en la apariencia. Las versiones de hule estaban disponibles alrededor de la década de 1950, con rasgos de dibujos animados, ojos redondos y bocas de sandía. [24]

Los materiales de marketing para la línea de productos se centraron en el arquetipo "Mammy", incluido el eslogan que se utilizó por primera vez en la Exposición Mundial de Columbia de 1893 en Chicago, Illinois: "I's in Town, Honey". [4] [21] [25]

En esa Feria Mundial, y durante décadas después, [18] los especialistas en marketing crearon y difundieron historias ficticias sobre la tía Jemima. [5] Fue presentada como una "cocinera leal" para una plantación ficticia de Louisiana del coronel Higbee en el río Mississippi. [5] [22] [25] [26] Se decía que Jemima usaba una receta secreta "del sur antes de la Guerra Civil", con su "sabor de plantación incomparable", para hacer los mejores panqueques en Dixie. [18] [22] Otra historia la describió como distrayendo a los soldados de la Unión durante la Guerra Civil con sus panqueques el tiempo suficiente para que el Coronel Higbee escapara. [25] Se dice que ella revivió a un grupo de sobrevivientes naufragados con sus flapjacks. [5]

Un típico anuncio de revista de principios de siglo creado por el ejecutivo publicitario James Webb Young y el ilustrador N.C. Wyeth [25] muestra a un cocinero negro corpulento hablando alegremente mientras un hombre blanco toma notas. La copia del anuncio dice: "Después de la Guerra Civil, después de la muerte de su amo, la tía Jemima finalmente fue persuadida de vender su famosa receta de panqueques al representante de una empresa de molienda del norte". [5]

Sin embargo, Davis Milling Company no estaba ubicada en un estado del norte. Missouri en la Guerra Civil Estadounidense fue un estado esclavista muy disputado. En realidad, ella nunca existió, creada por especialistas en marketing para vender mejor los productos. [dieciséis]

Controversia Editar

Aunque el personaje de la tía Jemima no se creó hasta casi 25 años después de la Guerra Civil estadounidense, la vestimenta, el baile, el dialecto esclavizado, el canto de viejas canciones de las plantaciones mientras trabajaba, todo recordaba una visión glorificada de la vida en las plantaciones del sur antes de la guerra como una "feliz esclavo "narrativa. [16] [22] La leyenda del marketing que rodea la exitosa comercialización de la "receta secreta" de la tía Jemima contribuye a la nostalgia y el romanticismo posteriores a la Guerra Civil de la vida sureña al servicio de la cultura de consumo en desarrollo de Estados Unidos, especialmente en el contexto de la venta de artículos de cocina. [3] [4] [14]

Las mujeres afroamericanas formaron la Women's Columbian Association y la Women's Columbian Auxiliary Association para abordar la exclusión de los afroamericanos de las exposiciones de la Feria Mundial de 1893, pidiendo que la feria refleje el éxito de los afroamericanos posteriores a la emancipación. [22] En cambio, la Feria incluía una aldea de África Occidental en miniatura cuyos nativos fueron retratados como salvajes primitivos. [25] Ida B. Wells estaba indignada por la exclusión de los afroamericanos de las principales actividades de la feria. El llamado "Día Negro" era un picnic que se realizaba fuera del recinto ferial. [22]

Los eruditos negros Hallie Quinn Brown, Anna Julia Cooper y Fannie Barrier Williams utilizaron la Feria Mundial como una oportunidad para abordar cómo las mujeres afroamericanas estaban siendo explotadas por hombres blancos. [22] [27] En su libro Una Voz del Sur (1892), Cooper había notado que la fascinación por "la influencia del sur, las ideas del sur y los ideales del sur" había "dictado y dominado el cerebro y los nervios de esta nación". [22]

Estas mujeres progresistas educadas vieron a "una mamá para el hogar nacional" representada en la Feria Mundial por la tía Jemima. [22] Esto se relaciona directamente con la creencia de que la esclavitud cultivaba cualidades innatas en los afroamericanos. La noción de que los afroamericanos eran sirvientes naturales reforzó una ideología racista que renunciaba a la realidad del intelecto afroamericano. [22]

La tía Jemima encarnaba una fantasía de domesticidad idealizada posterior a la Reconstrucción, inspirada en la hospitalidad del "esclavo feliz", y revelaba una profunda necesidad de redimir el Sur anterior a la guerra.[22] Hubo otros que capitalizaron este tema, como Arroz del tío Ben y Rastus de crema de trigo. [18] [22]

Logo Editar

La publicidad más temprana se basó en una parodia de vodevil y siguió siendo una caricatura durante muchos años. [1] [4] [8]

Quaker Oats encargó a Haddon Sundblom, un artista comercial conocido a nivel nacional, que pintara un retrato de Anna Robinson. El paquete Aunt Jemima fue rediseñado en torno a la nueva imagen. [1] [21]

James J. Jaffee, un artista independiente del Bronx, Nueva York, también diseñó una de las imágenes de la tía Jemima utilizadas por Quaker Oats para comercializar el producto a mediados del siglo XX.

Así como la fórmula de la mezcla ha cambiado varias veces a lo largo de los años, también lo ha hecho la imagen de la tía Jemima. En 1968, el rostro de la tía Jemima se convirtió en una creación compuesta. Estaba adelgazada con respecto a su apariencia anterior, mostrando un aspecto más "esbelto", con un cuello blanco y una "diadema" con estampado geométrico que aún se asemeja a su pañuelo anterior. [1] [28] [29] [30]

En 1989, cuando celebró su centenario, su imagen se actualizó nuevamente, con todo lo que cubría la cabeza, revelando cabello ondulado con mechas grises, aretes de perlas con adornos dorados y reemplazando su collar blanco liso con encaje. En ese momento, la imagen revisada se describió como un movimiento hacia una representación más "sofisticada", y Quaker comercializó el cambio como un "aspecto más contemporáneo" que permaneció en los productos hasta principios de 2021. [28] [29]

Cambio de marca Editar

El 17 de junio de 2020, tras el asesinato de George Floyd y las protestas posteriores, Quaker Oats anunció que la tía Jemima será retirada y reemplazada por un nuevo nombre e imagen "para avanzar hacia la igualdad racial". [6] [31] La imagen se eliminará del empaque más adelante en 2020, mientras que el cambio de nombre se producirá en una fecha posterior. [32] [33]

Días antes, medio estadounidense de noticias satíricas La cebolla publicó un artículo ficticio sobre un anuncio similar. [34]

Los descendientes de las modelos de la tía Jemima, Lillian Richard y Anna Short Harrington, se opusieron al cambio. Vera Harris, historiadora de la familia de Richard, dijo: "Me gustaría que tomáramos un respiro y no nos deshagamos de todo. Ya sea bueno o malo, es nuestra historia". [35] El bisnieto de Harrington, Larnell Evans, dijo: "Esto es una injusticia para mí y mi familia. Esto es parte de mi historia". Evans había perdido previamente una demanda contra Quaker Oats (y otros) por miles de millones de dólares en 2015. [36]

El 9 de febrero de 2021, PepsiCo anunció que la marca pasaría a llamarse Empresa de molienda de perlas. El lanzamiento de la nueva marca está programado para junio, un año después de que la empresa anunciara el cambio. [7] [37]

El Registro Afroamericano de los Estados Unidos sugiere que Nancy Green y otros que interpretaron la caricatura de la tía Jemima [33] deberían ser celebrados a pesar de lo que ha sido ampliamente condenado como una imagen de marca estereotipada y racista. El registro escribió: "Celebramos el nacimiento de Nancy Green en 1834. Ella era una narradora negra y una de las primeras modelos corporativas negras en los Estados Unidos". [38]

Después del trabajo de Green como tía Jemima, muy pocos eran conocidos. Las agencias de publicidad (como J. Walter Thompson, Lord y Thomas y otras) contrataron a docenas de actores para representar el papel, a menudo asignado a nivel regional, como la primera campaña de promoción de ventas organizada. [15]

Quaker Oats puso fin a las apariciones locales de la tía Jemima en 1965. [39]

Nancy Green Modificar

Nancy Green fue la primera vocera contratada por R. T. Davis Milling Company para la mezcla de panqueques Aunt Jemima. [2] Green nació esclavo en el condado de Montgomery, Kentucky. [1] [40] Vestida como la tía Jemima, Green apareció en la Exposición Mundial Colombina de 1893 en Chicago, junto al "barril de harina más grande del mundo" (24 pies de alto), donde operaba una exhibición de cocina de panqueques, cantaba canciones y contaba historias románticas sobre el Viejo Sur (un lugar feliz para negros y blancos por igual). Apareció en ferias, festivales, mercados de pulgas, espectáculos de comida y tiendas de comestibles locales. Su llegada fue anunciada por grandes carteles con la leyenda "Estoy en la ciudad, cariño". [1] [4] [40]

Green se negó a cruzar el océano para la exposición de París de 1900. [21] [41] Fue reemplazada por Agnes Moodey, "una negra de 60 años", quien luego fue reportada como la tía Jemima original. [42] Green murió en 1923 y fue enterrado en la tumba de un pobre sin nombre cerca de una pared en el cuadrante noreste del cementerio Oak Woods de Chicago. [25] [41] [43] [44] Se colocó una lápida el 5 de septiembre de 2020. [45]

Lillian Richard Modificar

Lillian Richard fue contratada para interpretar a la tía Jemima en 1925 y permaneció en el papel durante 23 años. Richard nació en 1891 y creció en la pequeña comunidad de Fouke a 7 millas al oeste de Hawkins en el condado de Wood, Texas. En 1910, se mudó a Dallas, trabajando inicialmente como cocinera. Su trabajo "lanzando panqueques" estaba basado en París, Texas. [5] Después de sufrir un derrame cerebral hacia De 1947 a 1948, regresó a Fouke, donde vivió hasta su muerte en 1956. Richard fue honrado con un marcador histórico de Texas en su ciudad natal, dedicado en su nombre el 30 de junio de 2012. [46] [47] [48] [ 49]

Hawkins, Texas, al este de Mineola, es conocida como la "Capital de los panqueques de Texas" debido a su residente Lillian Richard desde hace mucho tiempo. La cámara de comercio local decidió utilizar la conexión de Hawkins con la tía Jemima para impulsar el turismo. [46] En 1995, el senador estatal David Cain presentó la Resolución Senatorial No. 73 que designa a Hawkins como la "Capital Pancake de Texas", que se aprobó como ley y la medida fue encabezada por la sobrina de Lillian, Jewell Richard-McCalla. [5]

Anna Robinson Modificar

Anna Robinson fue contratada para interpretar a la tía Jemima en la Feria Mundial de Chicago Century of Progress de 1933. [2] [8] Robinson respondió a una audición abierta, y su apariencia se parecía más al estereotipo de "mamita" que a la esbelta Nancy Green. [21] Nacida alrededor de 1899, también era de Kentucky y viuda (como Green), pero en sus 30 con 8 años de educación. [50] Lord y Thomas la enviaron a la ciudad de Nueva York para que le tomaran una foto. "Nunca se olvidará el día en que cargaron 350 libras de Anna Robinson en la Twentieth Century Limited". [8]

Actuó en establecimientos de prestigio frecuentados por ricos y famosos, como El Morocco, el Stork Club, "21" y el Waldorf-Astoria. [1] [50] Las fotos muestran a Robinson haciendo panqueques para celebridades y estrellas de Broadway, la radio y las películas. Fueron utilizados en publicidad "clasificados entre los más leídos de su tiempo". [8] El empaque de la tía Jemima fue rediseñado a su semejanza. [1] [21]

Según los informes, Robinson trabajó para la empresa hasta su muerte en 1951, [1] [2] aunque el trabajo fue esporádico y durante unas pocas semanas en un año. [50] Sin embargo, esto no fue suficiente para escapar de la dura vida en la que nació. [50] Su pago total de $ 1,200 en 1939 (equivalente a $ 22,326 en 2020) fue casi la totalidad del ingreso anual del hogar. [50] La cronología oficial de la historia de la tía Jemima dijo una vez que ella era "capaz de ganar suficiente dinero para mantener a sus hijos y comprar una casa de 22 habitaciones donde alquila habitaciones a los huéspedes". [51] (Véase también el mismo reclamo para Anna Short Harrington.) Según el censo de 1940, alquiló un apartamento en un piso de cuatro en Washington Park con su hija, yerno y dos nietos. [50]

Rosa Washington Riles Modificar

Rosa Washington Riles se convirtió en la tercera cara de los envases de la tía Jemima en la década de 1930, y continuó hasta 1948. Rosa Washington nació en 1901 cerca de Red Oak en el condado de Brown, Ohio, una de varios hijos de Robert y Julie (Holliday) Washington y una gran -hija de George y Phoeba Washington. [52] Trabajó como cocinera en la casa de un ejecutivo de Quaker Oats y comenzó demostraciones de panqueques a pedido de su empleador. Murió en 1969 y está enterrada cerca de sus padres y abuelos en el histórico cementerio de la Iglesia Presbiteriana Red Oak de Ripley, Ohio. [52] Un desayuno anual de la tía Jemima ha sido una recaudación de fondos para el cementerio durante mucho tiempo, y la iglesia mantiene una colección de recuerdos de la tía Jemima. [17] [52] [53] [54]

Anna Short Harrington Modificar

Anna Short Harrington comenzó su carrera como tía Jemima en 1935 y continuó desempeñando el papel hasta 1954. Nació en 1897 en el condado de Marlboro, Carolina del Sur. La familia Short vivía en la plantación de Pegues Place como aparceros. [55] En 1927, se mudó a Syracuse, Nueva York. Quaker Oats la descubrió cocinando panqueques en la Feria del Estado de Nueva York de 1935. [56] [57] [58] Harrington murió en Siracusa en 1955. [55] [56] [57] [58]

Edith Wilson Modificar

Edith Wilson se convirtió en el rostro de la tía Jemima en la radio, la televisión y en apariciones personales, de 1948 a 1966. Wilson fue la primera tía Jemima en aparecer en comerciales de televisión. Nació en 1896 en Louisville, Kentucky. Wilson fue una cantante y actriz de blues clásica en Chicago, Nueva York y Londres. Ella apareció en la radio en La gran manga dorada, en radio y televisión en Amos 'n' Andy, y en la película en Tener y no tener (1944). El 31 de marzo de 1981 murió en Chicago. [1] [59]

Ethel Ernestine Harper Modificar

Ethel Ernestine Harper interpretó a la tía Jemima durante la década de 1950. [1] [30] Harper nació el 17 de septiembre de 1903 en Greensboro, Alabama. [60] Antes del papel de la tía Jemima, Harper se graduó de la universidad a la edad de 17 años, enseñó en la escuela primaria durante 2 años, matemáticas en la escuela secundaria durante 10 años, se mudó a la ciudad de Nueva York donde actuó en El caliente mikado en 1939 y Cabalgata de Harlem en 1942, luego realizó una gira por Europa durante y después de la Segunda Guerra Mundial como uno de los Ginger Snaps. El 31 de marzo de 1979 murió en Morristown, Nueva Jersey. [1] [61] Ella fue la última modelo individual para el logo del personaje. [30]

Rosie Lee Moore Hall Modificar

Rosie Lee Moore Hall interpretó a la tía Jemima desde 1950 hasta su muerte en 1967. Hall nació el 22 de junio de 1899 en el condado de Robertson, Texas. Trabajó para Quaker Oats en el departamento de publicidad de la compañía en Oklahoma hasta que respondió a su búsqueda de una nueva tía Jemima. Sufrió un infarto de camino a la iglesia y murió el 12 de febrero de 1967. Fue enterrada en la parcela familiar en el cementerio Colony cerca de Wheelock, Texas. Hall fue la última tía "viva" Jemima. El 7 de mayo de 1988 su tumba fue declarada monumento histórico. [15]

Aylene Lewis Modificar

Aylene Lewis interpretó a la tía Jemima en Disneyland Aunt Jemima's Pancake House, un popular lugar para comer en el parque de la calle New Orleans en Frontierland, desde 1957 hasta su muerte en 1964. Lewis se hizo famoso posando para fotos con visitantes y sirviendo panqueques a dignatarios. como el primer ministro indio Nehru. También desarrolló una estrecha relación con Walt Disney. [1] [8]

Llave de la ciudad Editar

El personaje de la tía Jemima, interpretado en ese momento por Edith Wilson, recibió la Llave de la ciudad de Albion, Michigan, el 25 de enero de 1964. [62] Las actrices que interpretaban a la tía Jemima visitaron Albion, Battle Creek ("Ciudad del cereal"), y otras ciudades de Michigan muchas veces durante tres décadas. Grand Rapids tenía una cocina de la tía Jemima, una de las 21 ubicaciones, hasta que se cambió a Colonial Kitchen en 1968. [39]

El término "tía Jemima" se usa a veces coloquialmente como una versión femenina del epíteto despectivo "tío Tom" o "Rastus". En este contexto, el término del argot "tía Jemima" cae dentro del "arquetipo de mamita" y se refiere a una mujer negra amigable que es percibida como obsequiosamente servil o que actúa o protege los intereses de los blancos. [63]

John Sylvester de WTDY-AM generó críticas después de llamar a Condoleezza Rice una "tía Jemima" y Colin Powell un "tío Tom", refiriéndose a los comentarios del cantante y activista de derechos civiles Harry Belafonte sobre su sumisión en la administración de George W. Bush. Se disculpó regalando el almíbar y la mezcla para panqueques de la tía Jemima. [64]

Barry Presgraves, entonces alcalde de Luray, Virginia, de 77 años, fue censurado 5 a 1 por el ayuntamiento porque se refirió a Kamala Harris como "tía Jemima" después de que Joe Biden la eligiera para la vicepresidencia del Partido Demócrata. candidato. [65] [66] [67] [68]

Aunt Jemima ha aparecido en varios formatos y escenarios a lo largo de la cultura popular. Gran parte de la atención que se llamó a este producto en 2020 y 2021 se atribuye a la decisión de Pepsico en junio de 2020 de cambiar el nombre del producto y a la tergiversación del legado de Nancy Green, [69] en medio de una fuerte tensión racial en los Estados Unidos y en todo el mundo. . [70] La tía Jemima ha sido una imagen actual identificable por la cultura popular durante más de un siglo, que se remonta a la aparición de Nancy Green en la Feria Mundial de 1893 en Chicago, Illinois. [71]

Tía jemima, un programa de radio de variedades de tipo juglar, se transmitió del 17 de enero de 1929 al 5 de junio de 1953, a veces en CBS y en otras ocasiones en Blue Network. El programa tuvo varias pausas durante el lapso general ". [72]

La novela de 1933 Imitación de vida de Fannie Hurst presenta un personaje tipo tía Jemima, Delilah, una criada que lucha en la vida con su empleador viudo, Bea. Su suerte cambia drásticamente cuando Bea capitaliza la receta de panqueques de la familia de Delilah para abrir un restaurante de panqueques que atrae a turistas en la costa de Jersey. Se convirtió en un gran éxito y finalmente se empaquetó y vendió como Pancake Mix de la tía Delilah. Logran ese éxito gracias a la venta de harina con una Dalila sonriente en la caja vestida a la moda de la tía Jemima. La versión cinematográfica de 1934 nominada al Premio de la Academia de Imitación de vida protagonizada por Claudette Colbert y Louise Beavers conserva esta parte de la trama, que fue eliminada de la nueva versión de 1959 de Imitación de vida protagonizada por Lana Turner y dirigida por Douglas Sirk.

El programa de televisión de la década de 1950 Beulah fue atacado [ contexto de necesidades ] por representar a una sirvienta negra y cocinera parecida a una "mami" que recordaba un poco a la tía Jemima. [ cita necesaria ]

En la década de 1960, Betye Saar comenzó a recopilar imágenes de la tía Jemima, el tío Tom, el pequeño sambo negro y otras figuras afroamericanas estereotipadas de la cultura popular y la publicidad de la era de Jim Crow. Los incorporó a collages y ensamblajes, transformándolos en declaraciones de protesta política y social. [73] La liberación de la tía Jemima es una de sus obras más notables de esta época. En este montaje de medios mixtos, Saar utilizó la figura mamaria estereotipada de la tía Jemima para subvertir las nociones tradicionales de raza y género. [74]

"La cocina de la tía Jemima", llamada Pancake House de la tía Jemima cuando comenzó a funcionar en 1955, abrió en 1962 durante el Movimiento por los Derechos Civiles como el restaurante oficial de la tía Jemima en Disneyland. Además del restaurante, una mujer que interpretaba a la tía Jemima estaba preparada en el restaurante para tomar fotografías con sus clientes. [75] La cocina de la tía Jemima también tenía ubicaciones adicionales en los Estados Unidos. [76]

Frank Zappa incluye una canción titulada "Electric Aunt Jemima" en su álbum de 1969 Tío carne. Electric Aunt Jemima era el apodo del amplificador de guitarra Standel de Zappa. [77]

La primera historia de colchas de Faith Ringgold ¿Quién le teme a la tía Jemima? (1983) describe la historia de la tía Jemima como una matriarca restauradora: a través de textos e imágenes utilizados para caracterizar a la tía Jemima en la esfera pública, Ringgold representó a la caricatura mamita oprimida como empresaria. [78]

"Burn Hollywood Burn" en el álbum de Public Enemy de 1990 "Fear of a Black Planet" presenta a Big Daddy Kane comentando sobre la actualización de los tropos raciales con la letra, "Y las mujeres negras en esta profesión / En cuanto a interpretar a un abogado, fuera del pregunta / Por lo que interpretan, la tía Jemima es el término perfecto / Incluso si ahora se hizo una permanente ". [79] Película de 2000 de Spike Lee Engañado presenta a la tía Jemima (interpretada por Tyheesha Collins) como una de las bailarinas "pickaninnies" en el programa de televisión deliberadamente racista de la película Mantan: El espectáculo del juglar del nuevo milenio, junto con otros personajes estereotipados negros anteriores a la guerra del Sur como Rastus.

El falso documental de 2004 C.S.A .: Los Estados Confederados de América presenta numerosas representaciones de personajes tipo tía Jemima como esclavos (conocidos como sirvientes) en una línea de tiempo alternativa en la que la Confederación ganó la Guerra Civil Estadounidense. [ cita necesaria ]

En el parque del Sur episodio "Gluten Free Ebola" (2014), la tía Jemima aparece en el delirante sueño de Eric Cartman para decirle que la pirámide alimenticia está patas arriba. [80]

El 7 de noviembre de 2020, Saturday Night Live presentó una parodia en la que la tía Jemima fue despedida, además del tío Ben, con los papeles interpretados por "Count Chocula" y "Allstate Guy". [81]


Un viaje al castillo Dimitrescu

Al principio del juego, primero ves a la imponente Lady Dimitrescu mientras discute con el señor de la aldea, Heisenberg, sobre el destino de un cautivo Ethan. Su líder, la Madre Miranda, la villana principal del juego, lo entrega a Heisenberg, pero el astuto Ethan escapa.

Nuestro héroe se dirige al Castillo Dimitrescu (el primero de los territorios de los cuatro señores que exploras), donde es rápidamente capturado por las espeluznantes hijas vampíricas Bela, Cassandra y Daniela y llevado ante su elegante madre. Se alimenta de la sangre de Ethan, pero dice que "empieza a ponerse un poco rancia", presagiando una revelación que recibiremos sobre él más tarde.

Ellos cuelgan sádicamente a Ethan del techo apuñalando ganchos en sus manos (y se ve tan malditamente doloroso), pero pronto escapa y deambula por los pasillos del castillo.

Bela Dimitrescu saluda a Ethan con una hermosa sonrisa.

Captura de pantalla de Capcom por Sean Keane / CNET

Varias entradas del diario revelan que los Dimitrescus han estado contratando mujeres jóvenes de la aldea para trabajar en el castillo, y el arte conceptual del juego confirma que los enemigos macabros que Ethan lucha en la mazmorra del castillo son mujeres transformadas. A las víctimas masculinas simplemente se les drena la sangre, parte de la cual se usa como ingrediente secreto en el vino de la familia, Sanguis Virginis (que significa "sangre de virgen" en latín, por lo que alguien debería haber alertado a las autoridades hace mucho tiempo).

Ethan se da cuenta de que Bela, Cassandra y Daniela se vuelven vulnerables cuando se exponen al frío, por lo que rompe algunas de las ventanas del castillo para dejar entrar la brisa fría del exterior y las mata una por una.


Escultura en el período orientalizante griego

La escultura producida durante el período orientalizante comparte atributos estilísticos con la escultura producida en Egipto y el Cercano Oriente.

Objetivos de aprendizaje

Discutir la escultura griega durante el período orientalizante.

Conclusiones clave

Puntos clave

  • La escultura durante este tiempo estuvo influenciada por las convenciones artísticas de Egipto y del Cercano Oriente. Los cuerpos rígidos, como tablones, así como su dependencia del patrón para representar la textura, caracterizaron la escultura griega en el período orientalizante.
  • El estilo Daedalic, llamado así por el mítico inventor Dédalo, se refiere al uso de patrones y formas geométricas (que recuerdan al período geométrico) durante el siglo VII a. C.
  • Las diferencias entre la Dama de Auxerre y el Mantiklos Apolo demuestran el establecimiento temprano de las expectativas sociales tradicionales de los sexos en la cultura griega antigua.

Términos clave

  • Corea: Escultura de una joven de la Grecia preclásica.
  • Daedalic: Un estilo de escultura durante el período orientalizante griego que se destaca por el uso de patrones para crear textura, así como por su dependencia de formas geométricas y posturas corporales rígidas y rígidas.

El Período Orientalizante duró aproximadamente un siglo, desde el 700 al 600 a. C. Este período se distinguió por influencias internacionales, desde el Antiguo Cercano Oriente, Egipto y Asia Menor, cada uno de los cuales contribuyó con un estilo oriental distintivo al arte griego. El estrecho contacto entre culturas se desarrolló a partir del aumento del comercio e incluso de la colonización.

Los estilos fueron tomados de otras culturas por los griegos, quienes los transformaron en una mezcla única de estilo y motivos greco-orientales. Las esculturas masculinas y femeninas producidas durante este tiempo comparten similitudes interesantes, pero también tienen diferencias que informan al espectador sobre las expectativas de la sociedad sobre hombres y mujeres.

La Dama de Auxerre

Una pequeña estatua de piedra caliza de una kore (doncella), conocida como la Dama de Auxerre (650–625 a. C.), de Creta, demuestra el estilo de las primeras esculturas figurativas griegas. Este estilo se conoce como escultura Daedalic, que lleva el nombre del mítico creador del laberinto del rey Minos, Dédalo. El estilo combina motivos egipcios y del Antiguo Cercano Oriente.

La Dama de Auxerre, circa 650–625 a. C.: Esta pequeña estatua de piedra caliza es posiblemente de Creta.

La Dama de Auxerre es fornida y parecida a una plancha. Su cintura es estrecha y ceñida, como las cinturas que se ven en el arte minoico. Es desproporcionada, con piernas largas y rígidas y torso corto. Un vestido abarca casi todo su cuerpo, ata sus piernas y restringe su potencial de movimiento. La rigidez del cuerpo recuerda al retrato faraónico del Antiguo Egipto.

Su cabeza se distingue por grandes rasgos faciales, cejas bajas y cabello estilizado. El cabello parece estar trenzado y cae en filas rígidas divididas por bandas horizontales. Este estilo recuerda un uso de patrones del Cercano Oriente para representar texturas y decoración.

Su rostro y cabello recuerdan al período geométrico. El rostro forma un triángulo invertido encajado entre los triángulos formados por el cabello que enmarca su rostro. Los rastros de pintura nos dicen que esta estatua originalmente estaría pintada con cabello negro y un vestido rojo y azul con un cinturón amarillo.

Reconstrucción de la Dama de Auxerre: Una reconstrucción de la escultura orientalizante original. Universidad de Cambridge.

El Apolo Mantiklos

No hay inscripciones en la escultura antes de la aparición del Mantiklos Apolo de bronce (principios del siglo VII a. C.) encontrado en Tebas. La figura, que lleva el nombre de la persona que la dejó como ofrenda, es la de un hombre de pie con una forma rígida y algo dadaélica.

Sus piernas llevan la inscripción, & # 8220Mantiklos me ofreció como diezmo a Apolo del arco de plata, ¿tú, Phoibos [Apolo], dales un grato favor a cambio? & # 8221 La inscripción es una declaración de la estatuilla a Apolo, seguida mediante una solicitud de favores a cambio.

Además de la novedad de registrar su propio propósito, esta escultura adapta las fórmulas de esculturas orientalizadas posteriores, como se aprecia en el rostro más corto más triangular y la pierna izquierda ligeramente adelantada. A veces se considera que esto anticipa la mayor libertad expresiva de finales del siglo VII a. C. Como tal, la figura de Mantiklos se conoce en algunos sectores como proto-Daedalic.

Mantiklos Apolo: Bronce Principios del siglo VII a. C. Tebas. La vista lateral muestra la separación del brazo de la figura de su pecho y su pierna izquierda que avanza ligeramente.

Similitudes de las estatuas

A pesar de la separación de varias décadas y más de 200 millas, el Apolo Mantiklos y la Dama de Auxerre comparten similitudes interesantes, incluido su cabello largo trenzado, cintura ceñida, sonrisa estilizada y mano levantada hacia el pecho, todo lo cual recuerda la escultura egipcia antigua. Aunque falta el brazo derecho del Mantiklos Apollo, la posición de su hombro implica una posible posición similar a la del brazo izquierdo de la Dama de Auxerre, recto a su lado.

Sin embargo, ya podemos ver diferencias notables que seguirán siendo el estándar en el arte griego durante siglos. El cuerpo masculino, como entidad pública con derecho a la ciudadanía, se representa desnudo y con libertad de movimiento. Esta libertad de movimiento se ve no solo en las piernas de la figura de Apolo sino también en la separación de su mano de su pecho.

Por otro lado, el cuerpo femenino, como entidad privada sin derechos individuales, se viste y se le niega el movimiento. Mientras el Mantiklos Apolo sostiene su mano paralela a su pecho, la Dama de Auxerre coloca su mano directamente sobre la de ella, manteniendo la forma cerrada que se espera de una mujer respetable.


Contenido

En el período clásico, aproximadamente en los siglos V y IV, la escultura monumental estaba compuesta casi en su totalidad de mármol o bronce, y el bronce fundido se convirtió en el medio preferido para obras importantes a principios del siglo V, muchas piezas de escultura conocidas solo en copias de mármol hechas para los romanos. mercado fueron hechos originalmente en bronce. Las obras más pequeñas se realizaron en una gran variedad de materiales, muchos de ellos preciosos, con una producción muy grande de figurillas de terracota. Los territorios de la antigua Grecia, a excepción de Sicilia y el sur de Italia, contenían abundantes suministros de mármol fino, siendo los mármoles pentélico y pariano los más preciados. Los minerales para el bronce también eran relativamente fáciles de obtener. [2]

Tanto el mármol como el bronce son fáciles de formar y muy duraderos, ya que en la mayoría de las culturas antiguas, sin duda, también existían tradiciones de escultura en madera de las que sabemos muy poco, aparte de las esculturas acrolíticas, generalmente grandes, con la cabeza y partes de carne expuestas en mármol. pero las partes vestidas de madera. Como el bronce siempre tuvo un valor de desecho significativo, muy pocos bronces originales han sobrevivido, aunque en los últimos años la arqueología marina o la pesca de arrastre ha agregado algunos hallazgos espectaculares, como los bronces Artemision Bronze y Riace, que han ampliado significativamente la comprensión moderna. Muchas copias del período romano son versiones en mármol de obras originalmente en bronce. La piedra caliza común se usó en el período Arcaico, pero a partir de entonces, excepto en áreas de la Italia moderna sin mármol local, solo para escultura arquitectónica y decoración. A veces se usaba yeso o estuco solo para el cabello. [3]

Las esculturas criselefantinas, utilizadas para imágenes de culto del templo y obras de lujo, usaban oro, con mayor frecuencia en forma de hoja y marfil para la totalidad o partes (caras y manos) de la figura, y probablemente gemas y otros materiales, pero eran mucho menos comunes y solo los fragmentos han sobrevivido. A muchas estatuas se les entregaron joyas, como se puede ver en los orificios para sujetarlas, y se sostuvieron armas u otros objetos en diferentes materiales. [4]

Las esculturas de la antigua Grecia fueron originalmente pintadas de colores brillantes [5] [6] [7] hoy sólo parecen blancas porque los pigmentos originales se han deteriorado. [5] [6] Las referencias a esculturas pintadas se encuentran en toda la literatura clásica, [5] [6] incluso en Eurípides Helen en el que el personaje epónimo se lamenta: "Si tan solo pudiera despojarme de mi belleza y asumir un aspecto más feo / La forma en que borrarías el color de una estatua". [6] Algunas estatuas bien conservadas todavía tienen rastros de su coloración original [5] y los arqueólogos pueden reconstruir cómo se verían originalmente. [5] [6] [7]

A principios del siglo XIX, la excavación sistemática de los sitios griegos antiguos había dado lugar a una plétora de esculturas con rastros de superficies notablemente multicolores, algunas de las cuales aún eran visibles. A pesar de esto, historiadores del arte influyentes como Johann Joachim Winckelmann se opusieron tan fuertemente a la idea de la escultura griega pintada que los defensores de las estatuas pintadas fueron descartados como excéntricos, y sus puntos de vista fueron descartados en gran medida durante más de un siglo.

No fue hasta los hallazgos publicados por el arqueólogo alemán Vinzenz Brinkmann a fines del siglo XX y principios del XXI que la pintura de esculturas griegas antiguas se convirtió en un hecho establecido. Utilizando lámparas de alta intensidad, luz ultravioleta, cámaras especialmente diseñadas, moldes de yeso y ciertos minerales en polvo, Brinkmann demostró que se había pintado todo el Partenón, incluida la estructura real y las estatuas. Analizó los pigmentos de la pintura original para descubrir su composición.

Brinkmann hizo varias réplicas pintadas de estatuas griegas que dieron la vuelta al mundo. También en la colección había réplicas de otras obras de escultura griega y romana, y demostró que la práctica de pintar escultura era la norma y no la excepción en el arte griego y romano. [8] Los museos que albergaron la exhibición incluyeron el Museo Glyptothek en Munich, el Museo Vaticano y el Museo Arqueológico Nacional en Atenas, et al. La colección hizo su debut en Estados Unidos en la Universidad de Harvard en el otoño de 2007. [9]

Brinkmann dijo que "ningún otro aspecto del arte de la antigüedad se comprende tan poco como la pintura policromada de templos y esculturas", y que las esculturas modernas, aparentemente inspiradas en los griegos pero sin pintar, son "algo completamente nuevo". [10]

Edición geométrica

Se piensa comúnmente que la primera encarnación de la escultura griega fue en forma de estatuas de culto de madera, descritas por primera vez por Pausanias como xoana. [11] No sobrevive ninguna de estas estatuas, y las descripciones de ellas son vagas, a pesar de que probablemente fueron objetos de veneración durante cientos de años. La primera pieza de estatuas griegas que se ha vuelto a montar desde entonces es probablemente el Centauro Lefkandi, una escultura de terracota encontrada en la isla de Eubea, fechada c. 920 a. C. La estatua se construyó en partes, antes de ser desmembrada y enterrada en dos tumbas separadas. El centauro tiene una marca intencional en su rodilla, lo que ha llevado a los investigadores a postular [12] que la estatua podría representar a Quirón, presumiblemente arrodillado herido por la flecha de Herakles. Si es así, sería la primera representación conocida de un mito en la historia de la escultura griega.

Las formas del período geométrico (c. 900 a 700 a. C.) eran principalmente figurillas de terracota, bronces y marfiles. Los bronces son principalmente calderos de trípode y figuras o grupos independientes. Dichos bronces se hicieron usando la técnica de la cera perdida probablemente introducida desde Siria, y son ofrendas votivas casi en su totalidad dejadas en los santuarios panhelénicos de la civilización helenística de Olimpia, Delos y Delfos, aunque probablemente se fabricaron en otros lugares, como lo pueden hacer varios estilos locales. identificarse por hallazgos de Atenas, Argos y Esparta. Las obras típicas de la época incluyen el guerrero Karditsa (Athens Br. 12831) y los muchos ejemplos de la estatuilla ecuestre (por ejemplo, NY Met. 21.88.24 en línea). Sin embargo, el repertorio de esta obra de bronce no se limita a hombres y caballos de pie, ya que las pinturas de vasijas de la época también representan imágenes de ciervos, pájaros, escarabajos, liebres, grifos y leones. No hay inscripciones en la escultura geométrica de principios a mediados, hasta la aparición del "Apolo" de Mantiklos (Boston 03.997) de principios del siglo VII a. C. encontrado en Tebas. La figura es la de un hombre de pie con una forma pseudo-daedálica, debajo de la cual se encuentra la inscripción en hexámetro que dice "Mantiklos me ofreció como diezmo a Apolo del arco de plata, ¿tú, Phoibos [Apolo], dame un grato favor a cambio?" . [13] Aparte de la novedad de registrar su propio propósito, esta escultura adapta las fórmulas de los bronces orientales, como se aprecia en el rostro más corto más triangular y la pierna izquierda ligeramente adelantada. A veces se considera que esto anticipa la mayor libertad expresiva del siglo VII a. C. y, como tal, la figura de Mantiklos se conoce en algunos círculos como proto-Daedalic.

Edición arcaica

Inspirándose en la monumental escultura de piedra del antiguo Egipto [15] y Mesopotamia, los griegos empezaron de nuevo a tallar en piedra. Las figuras independientes comparten la solidez y la postura frontal características de los modelos orientales, pero sus formas son más dinámicas que las de la escultura egipcia, como por ejemplo la Dama de Auxerre y el Torso de Hera (período arcaico temprano, c. 660–580 a. C., ambos en el Louvre, París). Aproximadamente después del 575 a. C., figuras como estas, tanto masculinas como femeninas, comenzaron a lucir la llamada sonrisa arcaica. Esta expresión, que no tiene una adecuación específica a la persona o situación representada, puede haber sido un recurso para dar a las figuras una característica humana distintiva.

Prevalecieron tres tipos de figuras: el joven varón desnudo de pie (kouros, plural kouroi), la niña vestida de pie (kore, plural korai) y la mujer sentada. Todos enfatizan y generalizan las características esenciales de la figura humana y muestran una comprensión cada vez más precisa de la anatomía humana. Los jóvenes eran estatuas sepulcrales o votivas. Algunos ejemplos son Apollo (Museo Metropolitano de Arte, Nueva York), una obra temprana, el Strangford Apollo de Anafi (Museo Británico), una obra mucho más tardía y el Anavyssos Kouros (Museo Arqueológico Nacional de Atenas). En esta estatua se puede ver más musculatura y estructura esquelética que en obras anteriores. Las muchachas de pie y vestidas tienen una amplia gama de expresión, como en las esculturas del Museo de la Acrópolis de Atenas. Sus cortinas están talladas y pintadas con la delicadeza y la meticulosidad habituales en los detalles de la escultura de este período.

Por tanto, los griegos decidieron muy pronto que la forma humana era el tema más importante para el esfuerzo artístico. Al ver que sus dioses tenían forma humana, no había distinción entre lo sagrado y lo secular en el arte: el cuerpo humano era tanto secular como sagrado. Un desnudo masculino sin ningún accesorio, como un arco o un palo, podría ser tan fácilmente Apolo o Heracles como el campeón olímpico de boxeo de ese año. En el Período Arcaico, la forma escultórica más importante fue el kouros (ver por ejemplo Biton y Kleobis). El kore también era común en el arte griego no presentaba desnudez femenina (a menos que la intención fuera pornográfica) hasta el siglo IV a.C., aunque el desarrollo de técnicas para representar cortinas es obviamente importante.

Al igual que con la cerámica, los griegos no produjeron esculturas simplemente para exhibición artística. Las estatuas fueron encargadas por individuos aristocráticos o por el estado, y se usaron para monumentos públicos, como ofrendas a templos, oráculos y santuarios (como se muestra con frecuencia en las inscripciones en las estatuas) o como marcadores para tumbas. No todas las estatuas del período Arcaico estaban destinadas a representar a individuos específicos. Eran representaciones de un ideal: belleza, piedad, honor o sacrificio. Siempre se trataba de representaciones de hombres jóvenes, con edades comprendidas entre la adolescencia y la madurez temprana, incluso cuando se colocaban en las tumbas de ciudadanos (presumiblemente) ancianos. Kouroi todos eran estilísticamente similares. Las graduaciones en la estatura social de la persona que encargó la estatua se indicaron por el tamaño más que por las innovaciones artísticas.

Dipylon Kouros, c. 600 aC, Atenas, Museo Kerameikos.

El Moschophoros o becerro, c. 570 aC, Atenas, Museo de la Acrópolis.

Euthydikos Kore. C. 490 a.C., Atenas, réplica autorizada, original en el Museo Arqueológico Nacional de Atenas.

Cabeza de etíope y cabeza de mujer, con inscripción kalos. Ático griego janiforme aryballos de figura roja, c. 520–510 a. C.

Edición clásica

El período clásico vio una revolución de la escultura griega, a veces asociada por los historiadores con la cultura popular que rodea la introducción de la democracia y el fin de la cultura aristocrática asociada con el kouroi. El período clásico vio cambios en el estilo y la función de la escultura, junto con un aumento dramático en la habilidad técnica de los escultores griegos para representar formas humanas realistas. Las poses también se volvieron más naturalistas, especialmente durante el comienzo del período. Esto se materializa en obras como la Chico Kritios (480 a. C.), esculpido con el uso más antiguo conocido de contrapposto ('contraposición'), y el Auriga de Delfos (474 aC), que demuestra una transición a una escultura más naturalista. Desde aproximadamente el 500 a. C., las estatuas griegas comenzaron a representar cada vez más a personas reales, en contraposición a vagas interpretaciones de mitos o estatuas votivas completamente ficticias, aunque el estilo en el que estaban representadas aún no se había convertido en una forma realista de retrato. Las estatuas de Harmodius y Aristogeiton, instaladas en Atenas, marcan el derrocamiento de la tiranía aristocrática, y se dice que son los primeros monumentos públicos que muestran a individuos reales.

El Período Clásico también vio un aumento en el uso de estatuas y esculturas como decoración de edificios. Los templos característicos de la época clásica, como el Partenón de Atenas y el Templo de Zeus en Olimpia, utilizaron esculturas en relieve para frisos decorativos y esculturas en forma circular para rellenar los campos triangulares de los frontones. El difícil desafío estético y técnico estimuló mucho en el camino de la innovación escultórica. La mayoría de estas obras sobreviven solo en fragmentos, por ejemplo, los mármoles del Partenón, aproximadamente la mitad de los cuales se encuentran en el Museo Británico.

La estatuaria funeraria evolucionó durante este período desde los rígidos e impersonales kouros del período Arcaico hasta los grupos familiares altamente personales del período Clásico. Estos monumentos se encuentran comúnmente en los suburbios de Atenas, que en la antigüedad fueron cementerios en las afueras de la ciudad. Aunque algunos de ellos representan tipos "ideales" —la madre en duelo, el hijo obediente—, cada vez más representaban a personas reales, y típicamente mostraban al difunto despidiéndose dignamente de su familia. Este es un aumento notable en el nivel de emoción en relación con las eras Arcaica y Geométrica.

Otro cambio notable es el florecimiento del crédito artístico en la escultura. La totalidad de la información conocida sobre la escultura en los períodos Arcaico y Geométrico se centra en las obras mismas y rara vez, si es que alguna vez, en los escultores. Los ejemplos incluyen a Fidias, conocida por haber supervisado el diseño y la construcción del Partenón, y Praxiteles, cuyas esculturas femeninas desnudas fueron las primeras en ser consideradas artísticamente respetables. La Afrodita de Knidos de Praxiteles, que sobrevive en copias, fue a menudo mencionada y alabada por Plinio el Viejo.

Se dice que Lisístrato fue el primero en usar moldes de yeso tomados de personas vivas para producir retratos a la cera perdida, y también desarrolló una técnica de fundición a partir de estatuas existentes. Provenía de una familia de escultores y su hermano, Lisipo de Sición, produjo mil quinientas estatuas en su carrera. [dieciséis]

La Estatua de Zeus en Olimpia y la Estatua de Atenea Partenos (ambas criselefantinas y ejecutadas por Fidias o bajo su dirección, y consideradas como las más grandes de las esculturas clásicas), se han perdido, aunque copias más pequeñas (en otros materiales) y buenas descripciones. de ambos todavía existen.Su tamaño y magnificencia llevaron a sus rivales a apoderarse de ellos en el período bizantino, y ambos fueron trasladados a Constantinopla, donde más tarde fueron destruidos.

Chico Kritios. Mármol, c. 480 aC. Museo de la Acrópolis, Atenas.

La llamada Venus Braschi por Praxiteles, tipo de Afrodita Knidiana, Gliptoteca de Múnich.

Grupo familiar en una lápida de Atenas, Museo Arqueológico Nacional, Atenas

Jarrón de terracota en forma de cabeza de Dionisio, ca. 410 a.C. en exhibición en el Museo del Ágora Antiguo de Atenas, ubicado en la Estoa de Atalo

Caballero ateniense Dexileos luchando contra un hoplita desnudo en la Guerra de Corinto. [17] Dexileos murió en acción cerca de Corinto en el verano de 394 a. C., probablemente en la Batalla de Nemea, [17] o en un enfrentamiento próximo. [18] Estela sepulcral de Dexileos, 394-393 a. C.

Edición helenística

La transición del período clásico al helenístico se produjo durante el siglo IV a. C. El arte griego se volvió cada vez más diverso, influenciado por las culturas de los pueblos atraídos a la órbita griega, por las conquistas de Alejandro Magno (336 a 323 aC). En opinión de algunos historiadores del arte, esto se describe como una disminución en la calidad y originalidad, sin embargo, es posible que las personas de la época no hayan compartido esta perspectiva. Ahora se sabe que muchas esculturas que antes se consideraban obras maestras clásicas pertenecen a la época helenística. La capacidad técnica de los escultores helenísticos se evidencia claramente en obras tan importantes como la Victoria alada de Samotraciay el Altar de Pérgamo. Nuevos centros de cultura griega, particularmente en escultura, se desarrollaron en Alejandría, Antioquía, Pérgamo y otras ciudades. En el siglo II a. C., el creciente poder de Roma también había absorbido gran parte de la tradición griega, y también una proporción cada vez mayor de sus productos.

Durante este período, la escultura experimentó nuevamente un cambio hacia un naturalismo creciente. La gente común, las mujeres, los niños, los animales y las escenas domésticas se convirtieron en sujetos aceptables para la escultura, que fue encargada por familias adineradas para el adorno de sus hogares y jardines. Se produjeron figuras realistas de hombres y mujeres de todas las edades, y los escultores ya no se sentían obligados a representar a las personas como ideales de belleza o perfección física. Al mismo tiempo, las nuevas ciudades helenísticas que surgieron en Egipto, Siria y Anatolia requirieron estatuas que representaran a los dioses y héroes de Grecia para sus templos y lugares públicos. Esto hizo de la escultura, como la cerámica, una industria, con la consiguiente estandarización y (alguna) disminución de la calidad. Por estas razones, hasta el presente sobreviven bastantes estatuas helenísticas más que las del período clásico.

Junto con el cambio natural hacia el naturalismo, también hubo un cambio en la expresión de las esculturas. Las esculturas comenzaron a expresar más poder y energía durante este período de tiempo. Una manera fácil de ver el cambio en las expresiones durante el período helenístico sería compararlo con las esculturas del período clásico. El período clásico tuvo esculturas como la Auriga de Delfos expresando humildad. Sin embargo, las esculturas del período helenístico vieron mayores expresiones de poder y energía como se demuestra en el Jockey de Artemision. [19]

Algunas de las esculturas helenísticas más conocidas son la Victoria alada de Samotracia (siglo II o I a.C.), la estatua de Afrodita de la isla de Melos conocida como la Venus de Milo (mediados del siglo II a.C.), el Galia moribunda (alrededor del 230 a.C.), y el grupo monumental Laocoonte y sus hijos (finales del siglo I a.C.). Todas estas estatuas representan temas clásicos, pero su tratamiento es mucho más sensual y emocional de lo que el gusto austero del período clásico hubiera permitido o sus habilidades técnicas permitidas. La escultura helenística también estuvo marcada por un aumento de escala, que culminó en el Coloso de Rodas (finales del siglo III), que se cree que tenía aproximadamente el mismo tamaño que la Estatua de la Libertad. El efecto combinado de los terremotos y los saqueos ha destruido esta y cualquier otra obra de gran envergadura de este período que pudiera haber existido.

Tras las conquistas de Alejandro Magno, la cultura griega se extendió hasta la India, como lo revelaron las excavaciones de Ai-Khanoum en el este de Afganistán y la civilización de los grecobactrianos y los indo-griegos. El arte greco-budista representó un sincretismo entre el arte griego y la expresión visual del budismo. Los descubrimientos realizados desde finales del siglo XIX en torno a la antigua ciudad egipcia de Heracleum (ahora sumergida) incluyen una representación de Isis en el siglo IV a. C. La representación es inusualmente sensual para las representaciones de la diosa egipcia, además de ser inusualmente detallada y femenina, marcando una combinación de formas egipcias y helenísticas en la época de la conquista de Egipto por Alejandro Magno.

En Goa, India, se encontraron estatuas de Buda en estilo griego. Estos se atribuyen a los griegos conversos al budismo, muchos de los cuales se sabe que se establecieron en Goa durante la época helenística. [20] [21]

los Príncipe helenístico, una estatua de bronce que originalmente se pensó que era un seléucida, o Atalo II de Pérgamo, ahora considerado un retrato de un general romano, realizado por un artista griego que trabajaba en Roma en el siglo II a. C.


Arte griego (c.650-27 a. C.) Historia, características


Templo de Hefesto (449) Atenas.
Las columnas de estilo dórico intactas y
los frontones todavía son claramente visibles,
pero los frisos y otras decoraciones
se han perdido.


Lanzador de disco (Discobolus)
Copia romana del original
bronce de Myron (425 a. C.)
Museo Nacional, Roma.

El arte egeo de la antigüedad clásica se remonta a la cultura minoica del tercer milenio a. C., cuando los habitantes de Creta, conocidos como minoicos en honor a su rey Minos, comenzaron a establecer una cultura próspera alrededor del 2100 a. C., basada en sus exitosas actividades comerciales marítimas. Influenciados por el arte sumerio y otras vertientes del arte mesopotámico, construyeron una serie de palacios en Knossos, Phaestus y Akrotiri, así como la creación de una amplia gama de pinturas al fresco, tallas de piedra, cerámica antigua y otros artefactos. Durante el siglo XV a. C., después de un terremoto catastrófico, que destruyó la mayoría de sus palacios, Creta fue invadida por tribus guerreras micénicas del continente griego. La cultura micénica se convirtió debidamente en la fuerza dominante en el Mediterráneo oriental. Luego, no mucho después del inicio de la Guerra de Troya (c.1194 & # 1501184), la ciudad de Micenas, junto con su arquitectura y posesiones culturales, fue destruida por un nuevo grupo de maurauders, conocidos como dorios. En este punto, la mayor parte de la producción de arte antiguo se detuvo durante unos 400 años (1200-800), cuando la región descendió a una era de reinos en guerra y caos, conocida como la `` Edad Oscura griega '' (o la Edad geométrica u homérica). .

Antecedentes históricos

El arte griego antiguo propiamente dicho y citado surgió durante el siglo VIII a. C. (700-800), cuando las cosas se calmaron alrededor del Egeo. (Ver también Arte etrusco) Aproximadamente en esta época, el hierro se convirtió en armas / herramientas, la gente comenzó a usar un alfabeto, se llevaron a cabo los primeros Juegos Olímpicos (776), surgió una religión compleja y un sentido laxo de identidad cultural creció alrededor de la idea de & quotHellas & quot (Grecia). Hacia el 700, los reinos comenzaron a ser reemplazados por oligarquías y ciudades-estado. Sin embargo, las primeras formas de arte griego se limitaron en gran medida a la cerámica, ya que la región sufrió continuos trastornos debido a la hambruna generalizada, la emigración forzada (muchos griegos abandonaron el continente para colonizar ciudades en Asia Menor e Italia) y disturbios sociales. Esto restringió el desarrollo de la arquitectura y la mayoría de los otros tipos de arte. No fue sino hasta alrededor del 650, cuando se restablecieron los vínculos comerciales marítimos entre Grecia y Egipto, así como con Anatolia, que la prosperidad griega finalmente regresó y facilitó un resurgimiento de la cultura griega.


Doryphorus (440) de Polykleitos.
Museo Archeologico Nazionale,
Nápoles. Entre las mejores obras
de la escultura de la antigua Grecia.
Ver la postura del contrapposto
que crea tensión y
partes relajadas del cuerpo.


Venus de Milo (c.100 a. C.)
(Afrodita de Melos)
Louvre, París. Un icono
de la escultura helenística.

PIGMENTOS DE PINTURA
Para obtener detalles de colores y
pigmentos utilizados por los pintores
en la antigua Grecia, ver:
Paleta de colores clásica.

Cronología del arte griego

La práctica de las bellas artes en la antigua Grecia evolucionó en tres etapas o períodos básicos:

Período Arcaico (hacia 650-480 a. C.)
Período clásico (hacia 480-323 a. C.)
Período helenístico (c. 323-27 a. C.).

los Arcaico era un período de experimentación gradual. los Clásico La era entonces fue testigo del florecimiento del poder y la dominación artística de la Grecia continental. los Helenístico El período, que se inició con la muerte de Alejandro Magno, fue testigo de la creación de "arte de estilo griego" en toda la región, a medida que se establecían más y más centros / colonias de la cultura griega en tierras controladas por los griegos. El período también vio el declive y la caída de Grecia y el ascenso de Roma: de hecho, termina con la conquista romana completa de toda la cuenca del Mediterráneo.

NOTA: Es importante tener en cuenta desde el principio, aparte de la cerámica, que casi todo el arte original de la Antigüedad griega, es decir, esculturas, pinturas murales y paneles, mosaicos, arte decorativo, se ha perdido, dejándonos casi totalmente dependientes de copias de Artistas romanos y algunos relatos escritos. Como resultado, nuestro conocimiento de la cronología, evolución y extensión de la cultura visual griega está destinado a ser extremadamente esquemático y no debe tomarse demasiado en serio. La verdad es que, salvo algunas excepciones, sabemos muy poco sobre la identidad de los artistas griegos, lo que pintaron o esculpieron y cuándo lo hicieron. Para artistas posteriores inspirados en la escultura y la arquitectura clásicas de la antigua Grecia, consulte: Clasicismo en el arte (800 en adelante).

Período arcaico (c.650-480 a. C.)

Cerámica griega arcaica

La forma de arte más desarrollada del período pre-arcaico (c.900-650) fue sin duda la cerámica griega. A menudo involucraba grandes jarrones y otros recipientes, originalmente estaba decorado con diseños lineales (estilo proto-geométrico), luego patrones más elaborados (estilo geométrico) de triángulos, zigzags y otras formas similares. La cerámica geométrica incluye algunas de las mejores obras de arte griegas, con jarrones típicamente hechos de acuerdo con un estricto sistema de proporciones. Aproximadamente desde 700, los contactos renovados con Anatolia, la cuenca del Mar Negro y el Medio Oriente, llevaron a una notable influencia oriental (Estilo oriental), que fue dominada por ceramistas corintios. El nuevo idioma presentaba un repertorio más amplio de motivos, como diseños curvilíneos, así como una gran cantidad de criaturas compuestas como esfinges, grifos y quimeras. Durante la era Arcaica en sí, la decoración se volvió cada vez más figurativa, a medida que se incluían más animales, zoomorfos y luego figuras humanas. Esta pintura de figuras de cerámica fue el primer signo de la persistente fascinación griega por el cuerpo humano, como el tema más noble para un pintor o escultor: una fascinación reavivada en la pintura del Alto Renacimiento de Miguel Ángel y otros. Otro estilo cerámico introducido por Corinto fue cerámica de figuras negras: las figuras se dibujaron primero en silueta negra, luego se marcaron con detalles incisos. Se agregaron toques adicionales en morado o blanco. Los temas favoritos para las imágenes de figuras negras incluyeron: las juergas de Dionisio y los trabajos de Hércules. Con el tiempo, Atenas llegó a dominar la cerámica de estilo de figuras negras, con la perfección de un pigmento negro más rico y un nuevo pigmento rojo anaranjado que llevó a figura roja alfarería - un idioma que floreció 530-480. Famosos artistas cerámicos griegos de la era arcaica incluyeron al genio Exekias, así como a Kleitias (creador del célebre Florero Francois), Andokides, Euthymides, Ergotimos, Lydos, Nearchos y Sophilos. Para obtener más detalles y fechas, consulte: Cronología de la cerámica.

Arquitectura griega arcaica

Fue durante los siglos VI y VII cuando la piedra se utilizó para los edificios públicos griegos (petrificación), especialmente los templos. La arquitectura griega se basó en técnicas simples de construcción de postes y dinteles: los arcos no se usaron hasta la época romana. El típico edificio rectangular estaba rodeado por una línea de columnas en los cuatro lados (ver, por ejemplo, el Partenón) o, con menos frecuencia, solo en la parte delantera y trasera (Templo de Atenea Nike). Los techos se construyeron con vigas de madera superpuestas con tejas de terracota. Los frontones (la forma triangular en cada extremo del hastial) estaban decorados con esculturas en relieve o frisos, al igual que la hilera de dinteles entre el techo y la parte superior de las columnas. Los arquitectos griegos fueron los primeros en basar su diseño arquitectónico en el estándar de proporcionalidad. Para ello, presentaron su & quotÓrdenes clásicas& quot: conjunto de reglas de diseño basadas en proporciones entre piezas individuales, como la relación entre el ancho y el alto de una columna. Había tres órdenes de este tipo en la arquitectura griega temprana: dórico, Iónico y corintio. El estilo dórico se utilizó en la Grecia continental y posteriormente en los asentamientos griegos en Italia. El orden jónico se utilizó en edificios a lo largo de la costa oeste de Turquía y otras islas del Egeo. Los edificios famosos de la antigua Grecia construidos o iniciados durante el período Arcaico incluyen: el Templo de Hera (600), el Templo de Atenea en la Acrópolis (550) y los Templos de Paestum (550 en adelante). Ver también: Arquitectura egipcia (c. 3000 a. C. en adelante) y la importancia de arquitectos egipcios como Imhotep y otros.

La arquitectura griega continuó siendo muy influyente en los estilos posteriores, incluida la arquitectura renacentista y neoclásica, e incluso la arquitectura estadounidense de los siglos XIX y XX.

La historia del arte muestra que los programas de construcción invariablemente estimularon el desarrollo de otras formas de bellas artes, como la escultura y la pintura, así como el arte decorativo, y la arquitectura griega arcaica no fue una excepción. Los nuevos templos y otros edificios públicos necesitaban una gran cantidad de esculturas decorativas, incluidas estatuas, relieves y frisos, así como pintura mural y mosaicos.

Escultura griega arcaica

La escultura griega arcaica durante este período todavía estaba fuertemente influenciada por la escultura egipcia, así como por las técnicas sirias. Los escultores griegos crearon frisos y relieves de piedra, así como estatuas (en piedra, terracota y bronce) y obras en miniatura (en marfil y hueso). El estilo temprano de la escultura independiente de Daedalic (650-600) - ejemplificado por las obras de Dédalo, Dipoinos y Skyllis - estaba dominado por dos estereotipos humanos: la juventud desnuda de pie (kouros) y la chica vestida de pie (Corea). De estos, los desnudos masculinos se consideraron más importantes. Para empezar, tanto los kouros como los kore fueron esculpidos en un estilo egipcio bastante rígido, & quot; frontal & quot ;, con hombros anchos, cinturas estrechas, brazos colgando, puños cerrados, ambos pies en el suelo y una sonrisa fija y quotarcaica & quot: ver , por ejemplo, Señora de Auxerre (630, Louvre) y Kleobis y Biton (610-580, Museo Arqueológico de Delfos). Con el paso del tiempo, la representación de estas estatuas de fórmulas se volvió menos rígida y más realista. Más tarde, las versiones arcaicas más avanzadas de kouroi y korai incluyen el & quotPeplos Kore& quot (c.530, Museo de la Acrópolis, Atenas) y el & quotChico Kritios& quot (Museo de la Acrópolis, Atenas). Otras obras famosas incluyen: la Apolo de Strangford (600-580, Museo Británico) Dipylon Kouros (c.600, Atenas, Museo Kerameikos) el Anavysos Kouros (c.525, Museo Arqueológico Nacional de Atenas) y el fascinante friso del Tesoro de Siphnian, Delfos (c. 525).

Pintura griega arcaica

Dado que la mayoría de los jarrones y esculturas fueron pintados, el crecimiento de la cerámica y la escultura durante el siglo VII condujo automáticamente a más trabajo para los pintores griegos. Además, las paredes de muchos templos, edificios municipales y tumbas fueron decoradas con pintura al fresco, mientras que su escultura de mármol o madera fue coloreada con pintura al temple o encáustica. La encáustica tenía algo del brillo de la pintura al óleo, un medio desconocido para los griegos, y se convirtió en un método de pintura popular para estatuas de piedra y relieves arquitectónicos durante el siglo VI. La pintura griega arcaica cuenta con muy pocos paneles pintados: los únicos ejemplos que tenemos son los paneles de Pitsa decorados en estuco coloreado con pigmentos minerales. Desafortunadamente, debido a la erosión, el vandalismo y la destrucción, pocas pinturas griegas originales han sobrevivido de este período. Todo lo que queda son algunas losas pintadas de terracota (las metopas de terracota del templo de Apolo en Thermon en Aitolia c.630), algunos paneles de madera (los cuatro paneles de Pitsa encontrados en una cueva en el norte del Peloponeso) y murales (como como la escena de batalla del siglo VII tomada de un templo en Kalapodi, cerca de Tebas, y las excavadas en tumbas subterráneas en Etruria). Aparte de ciertos individuos, como Cimón de Cleonae, generalmente desconocemos los nombres de los pintores griegos arcaicos. La forma de arte más común para arrojar luz sobre la pintura griega antigua es la cerámica, que al menos nos da una idea aproximada de la estética y las técnicas arcaicas. Sin embargo, tenga en cuenta que la pintura en jarrones se consideraba una forma de arte inferior y rara vez se menciona en la literatura clásica.

Período clásico (c. 480-323 a. C.)

La victoria sobre los persas en 490 a. C. y 479 a. C. estableció a Atenas como la ciudad estado griega más fuerte. A pesar de las amenazas externas, mantendría su papel cultural líder durante los próximos siglos. De hecho, durante el siglo V a. C., Atenas fue testigo de un resurgimiento creativo que no solo dominaría el arte romano del futuro, sino que, cuando fue redescubierto por la Europa del Renacimiento 2000 años después, constituiría un estándar artístico absoluto durante otros cuatro siglos. Todo esto a pesar de que la mayoría de pinturas y esculturas griegas han sido destruidas.

La principal contribución del clasicismo griego a las bellas artes fue, sin duda, su escultura: en particular, el & quot; Canon de proporciones & quot; con su realización del & quot; cuerpo humano ideal & quot; un concepto que resonó con tanta fuerza en el arte del Alto Renacimiento, mil años después.

Cerámica griega clásica

Durante esta época, el arte de la cerámica y, por lo tanto, la pintura de vasijas experimentaron un declive progresivo. Exactamente por qué, no lo sabemos, pero, a juzgar por la falta de innovaciones y el creciente sentimentalismo de los diseños, el género parece haberse desgastado. El desarrollo creativo final fue el Tierra blanca La técnica, que se había introducido alrededor del año 500. A diferencia de los estilos de figuras negras y figuras rojas, que se basaban en láminas de arcilla para crear dibujos, la técnica de White Ground empleaba pintura y dorado sobre un fondo de arcilla blanca, y se ilustra mejor con la obra funeraria lekythoi de finales del siglo V. Aparte de esta única innovación, la cerámica griega clásica disminuyó significativamente tanto en calidad como en mérito artístico, y finalmente pasó a depender de las escuelas helenísticas locales.

Arquitectura griega clásica

Como la mayoría de las artes visuales griegas, el diseño de edificios alcanzó su apogeo durante el período clásico, cuando los dos estilos principales (o "órdenes") de la arquitectura griega, el dórico y el jónico, llegaron a definir un estándar universal, armonioso y atemporal de belleza arquitectónica. El estilo dórico fue el más formal y austero, un estilo que predominó durante los siglos IV y V, mientras que el jónico fue más relajado y algo decorativo, un estilo que se hizo más popular durante la era helenística más relajada. (Nota: El orden jónico más tarde dio lugar al estilo corintio más ornamentado).

El punto culminante de la arquitectura griega antigua fue posiblemente el Acrópolis, la colina sagrada de cima plana en las afueras de Atenas. Los primeros templos, erigidos aquí durante el período Arcaico, fueron destruidos por los persas en 480, pero cuando la ciudad-estado entró en su edad de oro (c.460-430), su gobernante Pericles nombrado el escultor Fidias para supervisar la construcción de un nuevo complejo. La mayoría de los nuevos edificios (el Partenón, los Propileos) se diseñaron de acuerdo con las proporciones dóricas, aunque algunos incluían elementos jónicos (Templo de Atenea Nike, el Erecteo). La Acrópolis se añadió varias veces durante las épocas helenística y romana. los Partenón (447-432), sigue siendo el ejemplo supremo del arte religioso griego clásico. En su día, habría estado adornado con numerosas pinturas murales y esculturas, pero incluso relativamente desprovisto de adornos, se erige como un monumento inconfundible a la cultura griega. El templo más grande de la colina de la Acrópolis, fue diseñado por Ictinus y Calícratesy dedicado a la Diosa Atenea. Originalmente albergaba una colosal estatua multicolor titulada Atenea la Virgen (Atenea Partenos), cuya piel fue esculpida por Fidias en marfil y cuyas ropas fueron creadas a partir de tela dorada. Como todos los templos, el Partenón estaba decorado con esculturas arquitectónicas como relieves y frisos, así como estatuas independientes, en mármol, bronce y criselefantina. En 1801, el coleccionista de arte y anticuario Lord Elgin (1766-1841) envió controvertidamente una gran cantidad de la escultura de mármol del Partenón (el & quotMármoles de Elgin& quot) al Museo Británico de Londres.

Otros ejemplos famosos de la arquitectura griega clásica incluyen: el Templo de Zeus en Olimpia (468-456), el Templo de Hefesto (hacia el 449 a. C.), el Templo de Bassae, Arcadia (hacia el 430), que contenía la primera capital corintia. , el Teatro de Delfos (c. 400), el Templo Tholos de Atenea Pronaia (380-360), el Mausoleo de Harnicarnaso, Bodrum (353), el Monumento a Lisícrates en Atenas (335) y el Templo de Apolo en Delfos ( 330).

Escultura griega clásica

En la historia de la escultura, ningún período fue más productivo que los 150 años entre 480 y 330 a. C. En cuanto al arte plástico, se puede subdividir en: Escultura griega clásica temprana (480-450), Escultura griega clásica alta (450-400) y Escultura griega clásica tardía (400-323).

Durante toda la época, hubo una gran mejora en la capacidad técnica de los escultores griegos para representar el cuerpo humano en una postura naturalista en lugar de rígida. La anatomía se volvió más precisa y, como resultado, las estatuas comenzaron a verse mucho más reales. Además, el bronce se convirtió en el medio principal para las obras independientes debido a su capacidad para mantener su forma, lo que permitió esculpir poses de aspecto aún más natural. Los temas se ampliaron para incluir la gama completa de dioses y diosas, junto con divinidades menores, una amplia gama de narrativas mitológicas y una selección diversa de atletas. Otros desarrollos específicos incluyeron: la introducción de un `` Canon de proporciones '' platónico, para crear una figura humana idealizada, y la invención de contrapposto. Durante la era del Clásico Tardío, aparecieron los primeros desnudos femeninos respetables.

Entre los escultores más conocidos de la época, se encuentran: Myron (fl.480-444), Policleto (fl.450-430), Callimachus (fl.432-408), Skopas (fl. 395-350), Lisipo (hacia 395-305), Praxiteles (fl. 375-335), y Leocares (fl. 340-320). Estos artistas trabajaron principalmente en mármol, bronce, ocasionalmente madera, hueso y marfil. La escultura de piedra fue tallada a mano en un bloque de mármol o piedra caliza de alta calidad, utilizando herramientas de metal. Estas esculturas pueden ser estatuas independientes o relieves / frisos, es decir, solo parcialmente talladas en un bloque. La escultura de bronce se consideraba superior, sobre todo por el costo adicional del bronce, y generalmente se fundía utilizando el método de cera perdida. Aún más cara era la escultura criselefantina que estaba reservada para las principales estatuas de culto. El tallado en marfil era otro género especializado, para trabajos personales a pequeña escala, al igual que el tallado en madera.

Como se mencionó anteriormente, el Partenón fue un ejemplo típico de cómo los griegos usaban la escultura para decorar y realzar sus edificios religiosos. Originalmente, las esculturas del Partenón se dividieron en tres grupos. (1) En los frontones triangulares de cada extremo había grupos independientes a gran escala que contenían numerosas figuras de dioses y escenas mitológicas. (2) A lo largo de ambos lados había casi 100 relieves de figuras en lucha, incluidos dioses, humanos, centauros y otros. (3) Alrededor de todo el edificio había otro relieve, de unos 150 metros de largo, que representaba la Gran Panathenia, una fiesta religiosa cuatrienal en alabanza a Atenas. A pesar de estar muy dañadas, las esculturas del Partenón revelan la suprema habilidad artística de sus creadores. Sobre todo, ellas, como muchas otras esculturas griegas clásicas, revelan una asombrosa sensación de movimiento, así como un notable realismo del cuerpo humano.

Las esculturas más grandes de la era clásica incluyen: Leonidas, rey de Esparta (hacia 480), El auriga de Delfos (hacia 475) Discobolo (c.450) de Myron El Farnese Heracles (Siglo V) Atenea Partenos (c. 447-5) por Fidias Doríforo (440) de Polykleitos Juventud de Antikythera (Siglo IV) Afrodita de Knidos (350-40) de Praxiteles y Apolo Belvedere (c.330) de Leochares.

Pintura griega clásica

La pintura griega clásica revela una comprensión de la perspectiva lineal y la representación naturalista que permanecería insuperable hasta el Alto Renacimiento italiano. Aparte de la pintura en jarrones, todos los tipos de pintura florecieron durante el período clásico. Según autores como Plinio (23-79 d. C.) o Pausanias (activo 143-176 d. C.), la forma más alta fue la pintura sobre tabla, realizada en encáustica o temple. Los temas incluían escenas figurativas, retratos y naturalezas muertas, y las exposiciones, por ejemplo en Atenas y Delfos, eran relativamente comunes. Por desgracia, debido a la naturaleza perecedera de estos paneles, junto con siglos de saqueos y vandalismo, no ha sobrevivido ni una sola pintura de tabla clásica griega de cualquier calidad, ni ninguna copia romana.

La pintura al fresco era un método común de decoración mural en templos, edificios públicos, casas y tumbas, pero estas obras de arte más grandes generalmente tenían una reputación más baja que las pinturas sobre paneles. El ejemplo existente más célebre de pintura mural griega es el famoso Tumba del buceador en Paestum (c. 480), una de las muchas decoraciones de tumbas de este tipo en las colonias griegas de Italia. Otra obra famosa fue creada para el Gran tumba en Verfina (c. 326 a. C.), cuya fachada estaba decorada con una gran pintura mural de una caza real de leones. El fondo se dejó en blanco, con el paisaje indicado por un solo árbol y la línea del suelo. Además del estilo de su fondo y sujetos, el mural se destaca por sus sutiles representaciones de luces y sombras, así como por el uso de una técnica llamada Fusión óptica (la yuxtaposición de líneas de diferentes colores) - un precursor bastante curioso del puntillismo del siglo XIX de Seurat.

La pintura de piedra, terracota y escultura en madera fue otra técnica especializada dominada por los artistas griegos. Las esculturas de piedra se pintaron típicamente en colores llamativos, aunque por lo general, solo se colorearon aquellas partes de la estatua que representaban la ropa o el cabello, mientras que la piel se dejó en el color de la piedra natural, pero en ocasiones se pintó toda la escultura. La pintura-escultura se consideró un arte distintivo, un tipo temprano de técnica mixta, en lugar de una mera mejora escultórica. Además de la pintura, la estatua también puede estar adornada con materiales preciosos.

Los pintores griegos clásicos del siglo V más famosos incluyeron: Apolodoro (conocido por su Skiagraphia - un tipo primitivo de claroscuro) su alumno, el gran Zeuxis de Heraclea (conocido por sus pinturas de caballete y trampantojo), así como Agatharchos (el primero en haber utilizado la perspectiva gráfica a gran escala) Parrhasius (mejor conocido por su dibujo y su imagen de Teseo en el Capitolio de Roma) y Timarete (una de las más grandes pintoras griegas, destacada por un cuadro en Éfeso de la diosa Diana).

Durante el período clásico tardío (400-323 a. C.), que vio el florecimiento del Imperio macedonio bajo Felipe II y su hijo Alejandro el Grande, Atenas continuó siendo el centro cultural dominante de la Grecia continental. Este fue el punto culminante de la pintura griega antigua, con artistas como los talentosos e influyentes Apeles de Kos - pintor oficial de Felipe II de Macedonia y su hijo Alejandro Magno - añadiendo nuevas técnicas de resaltado, sombreado y coloración. Otros artistas famosos del siglo IV incluyeron a los rivales de Apeles Antífilo (especialista en luces y sombras, pintura de género y caricatura) y Protogenes (destacado por su meticuloso acabado) Euphranor de Corinto (el único artista clásico que se destaca tanto en pintura como en escultura) Eupompus (fundador de la escuela Sicyon) y el pintor de historia Androkydes de Cícico (conocido por su controvertida pintura histórica que representa la batalla de Platea).

El período del arte helenístico se abre con la muerte de Alejandro el Grande (356-323) y la incorporación del Imperio Persa al mundo griego. En este punto, el helenismo se había extendido por todo el mundo civilizado, y los centros de las artes y la cultura griegas incluían ciudades como Alejandría, Antioquía, Pérgamo, Mileto, así como pueblos y otros asentamientos en Asia Menor, Anatolia, Egipto, Italia, Creta, Chipre. , Rodas y las demás islas del Egeo. La cultura griega fue, por tanto, absolutamente dominante. Pero la repentina desaparición de Alejandro provocó un rápido declive del poder imperial griego, ya que su enorme imperio se dividió entre tres de sus generales: Antígono I que recibió Grecia y Macedonia Seleuco I que asumió el control de Anatolia, Mesopotamia y Persia y Ptolomeo I quien gobernó Egipto. Por lo tanto, paradójicamente, este período está marcado por una enorme influencia cultural griega, pero debilitando el poder griego. Para el 27 a. C., Grecia y su imperio serían gobernados desde la Antigua Roma, pero incluso entonces, los romanos continuarían venerando y emulando el arte griego durante siglos.

Arquitectura helenística

La división del Imperio griego en entidades separadas, cada una con su propio gobernante y dinastía, creó nuevas y enormes oportunidades para el autoengrandecimiento. En Asia Menor, los Attalids en Persia construyeron una nueva ciudad capital en Pérgamo (Pérgamo), los seléucidas desarrollaron una forma de diseño de edificios de estilo barroco en Egipto, la dinastía ptolemaica construyó el faro y la biblioteca en Alejandría. Se revitalizó la arquitectura palaciega y se construyeron numerosas estructuras municipales para impulsar la influencia de los gobernantes locales.

La arquitectura del templo, sin embargo, experimentó una gran caída. Desde el 300 a. C. en adelante, el templo peripteral griego (una sola hilera de pilares en todos los lados) perdió gran parte de su importancia: de hecho, a excepción de alguna actividad en la mitad occidental de Asia Menor, la construcción de templos prácticamente se detuvo durante el siglo III, tanto en la Grecia continental y en las colonias griegas cercanas. Incluso proyectos monumentales, como Artemision en Sardis y el templo de Apolo en Didyma cerca de Miletus, progresaron poco. Todo esto cambió durante el siglo II, cuando la construcción del templo experimentó una especie de resurgimiento debido en parte al aumento de la prosperidad, en parte a las mejoras realizadas por el arquitecto Hermógenes de Priene al estilo arquitectónico jónico, y en parte a la guerra de propaganda cultural librada (por una mayor influencia) entre los diversos reinos helenísticos, y entre ellos y Roma. En el proceso, se revivió la arquitectura del templo y una gran cantidad de templos griegos, así como estructuras a pequeña escala (pseudoperipteros) y santuarios (naiskoi) - se erigieron en el sur de Asia Menor, Egipto y África del Norte. En cuanto a los estilos, el estilo dórico restringido de la arquitectura del templo pasó completamente de moda, ya que el helenismo exigía las formas más extravagantes de las órdenes jónica y corintia. Admirado por el arquitecto romano Vitruvio (c. 78-10 a. C.), ejemplos famosos de arquitectura helenística incluyen: el Gran Teatro de Éfeso (siglos III-I), la Estoa de Atalo (159-138) y la casa del reloj Torre de los Vientos. en Atenas.

Escultura helenística

La escultura griega helenística continuó la tendencia clásica hacia un naturalismo cada vez mayor. Los animales, así como la gente común de todas las edades, se convirtieron en sujetos aceptables para la escultura, que con frecuencia fue encargada por individuos o familias adineradas para decorar sus hogares y jardines. Los escultores ya no se sentían obligados a retratar a hombres y mujeres como ideales de belleza. De hecho, la serenidad clásica idealizada de los siglos V y IV dio paso a un mayor emocionalismo, un realismo intenso y una dramatización casi barroca de la temática. Para conocer un estilo típico de esta forma de arte plástico, consulte Escuela de escultura helenística de Pergamene (241-133 a. C.).

Como resultado de la difusión de la cultura griega (helenización), también hubo una demanda mucho mayor de los centros culturales griegos de ultramar recientemente establecidos en Egipto, Siria y Turquía de estatuas y relieves de dioses griegos, diosas y figuras heroicas para sus templos y áreas públicas. Por lo tanto, se desarrolló un gran mercado en la producción y exportación de escultura griega, lo que provocó una caída en la mano de obra y la creatividad. Asimismo, en su búsqueda de un mayor expresionismo, los escultores griegos recurrieron a obras más monumentales, práctica que encontró su máxima expresión en la Coloso de Rodas (c. 220 a. C.).

Las famosas esculturas griegas de la época incluyen: & quotEl Toro Farnesio& quot (siglo II) el & quotGalia moribunda& quot (232) por Epigonus el & quotVictoria alada de Samotracia& quot (c. siglo I / II a. C.) El Altar de Pérgamo (hacia 180-150) & quotLa Venus de los Medici& quot (150-100) Las tres gracias (Siglo II) Venus de Milo (c.100) por Andros de Antioquía Laocoonte y sus hijos (c. 42-20 a. C.) por Hagesander, Athenodoros y Polydorus. Para obtener más información, consulte: Estatuas y relieves helenísticos.

Para una comparación general, consulte: Escultura romana. Para un género en particular, consulte: Escultura en relieve romana. Para obtener un excelente ejemplo del arte romano helenístico del cambio de milenio, consulte las extraordinarias esculturas en relieve de mármol del Ara Pacis Augustae (hacia 13-9 a. C.).

Para conocer el efecto de la escultura griega en estilos posteriores, consulte: Escultura renacentista (hacia 1400-1530) y también Escultura neoclásica (1750-1850).

La creciente demanda de esculturas de estilo griego se reflejó en un aumento similar en la popularidad de la pintura griega helenística, que se enseñó y difundió en varias escuelas separadas, tanto en el continente como en las islas. En cuanto a la temática, los favoritos clásicos como la mitología y los eventos contemporáneos fueron reemplazados por pinturas de género, estudios con animales, naturalezas muertas, paisajes y otros temas similares, en gran parte en línea con los estilos decorativos descubiertos en Herculano y Pompeya (siglo I a.C. y posteriores). , muchos de los cuales se cree que son copias de originales griegos.

Quizás la mayor contribución de los pintores helenistas fue el arte del retrato, en particular el Retratos de momias de Fayum, que data del siglo I a. C. en adelante. Estas pinturas de panel bellamente conservadas, del período copto, en total unas 900 obras, son el único cuerpo de arte significativo que ha sobrevivido intacto de la antigüedad griega. Encontrados principalmente alrededor de la cuenca de Fayum (Faiyum) en Egipto, estos retratos faciales realistas se adjuntaron a la tela funeraria en sí, para cubrir las caras de los cuerpos momificados. Artísticamente hablando, las imágenes pertenecen al estilo griego del retrato, más que a cualquier tradición egipcia. Véase también Legado de pintura mural y de paneles griegos.

La verdadera tragedia del arte griego es el hecho de que gran parte de él ha desaparecido. Solo ha sobrevivido un número muy pequeño de templos, como el Partenón y el Templo de Hefesto. Grecia construyó cinco Maravillas del Mundo (la Coloso de Rodas, los Templo de Artemisa en Éfeso, los Estatua de Zeus en Olimpia, los Mausoleo de Halicarnaso y el El Faro de Alejandria), pero solo han sobrevivido fragmentos arruinados. Del mismo modo, la gran mayoría de toda la escultura ha sido destruida. Los bronces griegos y otras obras de orfebrería griega se fundieron en su mayoría y se convirtieron en herramientas o armas, mientras que las estatuas de piedra fueron saqueadas o destruidas para usarlas como material de construcción. Aproximadamente el 99 por ciento de todas las pinturas griegas también han desaparecido.

Los artistas griegos han mantenido vivas las tradiciones

Pero a pesar de que esta parte de nuestro patrimonio ha desaparecido, las tradiciones que le dieron origen siguen viviendo. Este es el por qué. Cuando Grecia fue reemplazada por Roma, durante el siglo I a. C., un gran número de talentosos escultores y pintores griegos ya trabajaban en Italia, atraídos por la cantidad de lucrativos encargos. Estos artistas y sus descendientes artísticos prosperaron en Roma durante cinco siglos, antes de huir de la ciudad justo antes de que los bárbaros la saquearan en el siglo V d.C., para crear nuevas formas de arte en Constantinopla, la capital del cristianismo oriental. Prosperaron aquí, en la sede del arte bizantino, durante casi mil años antes de dejar la ciudad (que pronto será capturada por los turcos) hacia Venecia, para ayudar a iniciar el Renacimiento italiano. A lo largo de todo este período, estos artistas griegos migratorios conservaron sus tradiciones (aunque adaptadas a lo largo del camino), que legaron a las épocas del Renacimiento, Barroco, Neoclásico y Moderno. Véase, por ejemplo, el Renacimiento clásico en el arte moderno (c.1900-30). Durante el siglo XVIII, la arquitectura griega fue una atracción importante para los intrépidos viajeros del Grand Tour, que cruzaban el mar Jónico desde Nápoles. En resumen: las obras de arte griegas pueden haber desaparecido, pero el arte griego todavía está muy vivo en las tradiciones de nuestras academias y en las obras de nuestros más grandes artistas.

& # 149 Para obtener más información sobre la pintura y la escultura de la antigüedad clásica, consulte: Página de inicio.


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