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Gonzaga Cameo



Cameo (talla)

Camafeo es un método para tallar un objeto, como una gema grabada, una pieza de joyería o un recipiente hecho de esta manera. Casi siempre presenta un contraste de imagen en relieve elevado (positivo) con el huecograbado, que tiene una imagen negativa. [1] Originalmente, y todavía al discutir el trabajo histórico, el cameo solo se refería a trabajos donde la imagen en relieve era de un color que contrastaba con el fondo, esto se logró tallando cuidadosamente una pieza de material con un plano donde se unían dos colores contrastantes, eliminando todo el primer color excepto la imagen para dejar un fondo contrastante.

Hoy en día, el término se puede usar de manera muy vaga para objetos sin contraste de color, y se han desarrollado otros términos metafóricos, como apariencia de camafeo. Esto se deriva de otro significado generalizado que se ha desarrollado, el cameo como imagen de una cabeza en un marco ovalado en cualquier medio, como una fotografía.


Los camafeos antiguos más famosos y bellos

En cuanto a los camafeos tallados en piedra, los que nos llegan desde la antigüedad, y me atrevo a decir ahora famosos, son el retrato de Augustus en el Museo Británico y los cameos renacentistas del Medici y Gonzaga colecciones.

Estas obras maestras siguen presentes hoy en día con la oportunidad de ser vistas en los museos más famosos del mundo.


Comentarios

runohmuck el 21 de enero de 2014:

Vamos a tener una subasta el 8 de febrero de 2014 en www.quinnfarmer.com. Empieza a las 10:00 a. M.

¡Sin reservas! ¡Muy único!

suziecat7 (autor) desde Asheville, NC el 15 de enero de 2014:

Runohmuck - ¡Tu trabajo es hermoso!

runohmuck el 14 de enero de 2014:

¡No pasado en absoluto! Studiosofheaven.com ¡Todavía estamos fabricando vidrio Cameo! Sigue siendo un trabajo de amor, un arte de adoración. ¡El jarrón con Azalia & aposs y la mujer que se muestra arriba es nuestro! Este es uno de un estilo más nuevo de Cameo Glass llamado & quotNew World & quot Cameo. está hecho con vidrio fritado en polvo.

Mohan Kumar desde el Reino Unido el 23 de febrero de 2011:

Una vez más, suziecat, me maravillo de tu capacidad para dar vida a artes y oficios pasados ​​en tus ágiles manos. ¡Brillante!

suziecat7 (autor) de Asheville, NC el 24 de mayo de 2010:

Nellieanna, creo que tuvo algo que ver con eso. Gracias por compartir.

Nellieanna Hay de TEXAS el 24 de mayo de 2010:

Mi amado George me dio un exquisito cameo de AntiBellum (lo apreciarás, szsiecat) antes de casarnos. Preciosa figura clásica y engastada en oro blanco. Yo & aposd de alguna manera lo perdí, pero íbamos de ida y vuelta al rancho & amp; tuve poca ocasión de usarlo, así que no había buscado más allá de los lugares obliosos: un armario grande en mi vestidor, donde hay 2 cajones y el gran armario. estante donde supongo que las mujeres habrían guardado sombreros o bolsos, pero todos estaban dedicados a mis joyas, en su mayoría no preciosas. Había forrado una hermosa caja de broches con terciopelo para el camafeo, por lo que seguramente estaría en ese contenedor. Incluso había buscado en los cajones de los calcetines y la ropa interior, en caso de que yo y aposd lo metiera.

La conclusión es que deseaba poder usarlo en su funeral, Suzie. Y de todas las cosas, abrí la puerta del armario donde estaba el estante y estaba en su caja, justo en el borde frontal del estante. ¡Nunca podré no creer que él tuvo algo que ver con eso!

suziecat7 (autor) de Asheville, NC el 24 de mayo de 2010:

ReuVera - gracias por leer. Los camafeos siguen siendo fascinantes hasta el día de hoy.

ReuVera desde EE.UU. el 23 de mayo de 2010:

Centro muy interesante e informativo. Me recordó a mi infancia. Mi madre hizo un cameo muy bonito, una imagen amable de una mujer romana. Me dejó jugar con él y me fascinó esta cosita.

suziecat7 (autor) de Asheville, NC el 23 de mayo de 2010:

Rosa Kolowinski el 23 de mayo de 2010:

Siempre me han encantado los cameos. Tengo uno en mis joyas en alguna parte. Tendré que desenterrarlo. ¡Me encantó leer la historia y las fotos son geniales! ¡Gracias por un centro fascinante!

suziecat7 (autor) de Asheville, NC el 22 de abril de 2010:

Prasetio - I & aposm encantado de que pasaras por aquí. Estoy de acuerdo en que el tallado de camafeos es un gran arte.

prasetio30 de malang-indonesia el 22 de abril de 2010:

Este es un gran arte. Como amante del arte, realmente disfruto toda la información que me diste sobre el tallado de camafeos. Ojalá pudiera uno de este arte. Creo que sería un arte valioso. Muchas gracias, suzie.

suziecat7 (autor) de Asheville, NC el 21 de abril de 2010:

jayjay40 desde Bristol, Inglaterra, el 7 de abril de 2010:

Lovely hub, nunca supe que había tanto que saber sobre cameos, gracias por compartir

suziecat7 (autor) de Asheville, NC el 27 de marzo de 2010:

Hola Teresa - Gracias por pasar. No, mi pasatiempo es la historia de las cosas, disfruto enterarme de ellas.

María Teresa Rodríguez - Laurente de San Antonio, Texas, EE. UU. el 26 de marzo de 2010:

Se necesita imaginación para producir arte. Se trata de hermosas piezas atemporales que duran generaciones de vidas. ¡Cómo hacerlo, lo agregaste aquí! impresionante. Gracias, ¿son estos también tu pasatiempo o negocio?

suziecat7 (autor) de Asheville, NC el 25 de marzo de 2010:

Gracias a todos, los cameos son bastante hermosos y atemporales.

nancy_30 desde Georgia el 24 de marzo de 2010:

Este fue un centro muy interesante. Me encantaron las imágenes de todos los cameos. Todos eran hermosos.

jill de todos los oficios de Filipinas el 22 de marzo de 2010:

¡Amo este centro! Me recordó a mi abuela, que solía llevar un camafeo alrededor del cuello. Se veía tan elegante cada vez que lo usaba.

¡Gracias por la historia también!

Holle Abee desde Georgia el 20 de marzo de 2010:

¡Frio! Mi abuela tenía un par de estos.

Peggy Woods desde Houston, Texas, el 19 de marzo de 2010:

Realmente un buen trabajo presentando camafeos antiguos. Siempre deben ser apreciados por su forma de arte.

Ann Nonymous desde Virginia el 18 de marzo de 2010:

Hermoso centro y hermoso trabajo! Gracias por ponerlo todo junto, Suzie. ¡ahora quiero algo propio!

Mística1957 de Caracas-Venezuela el 18 de marzo de 2010:

Centro muy interesante! Tengo una fascinación por estas pequeñas obras de arte. ¡Qué bueno que mencionaste esto! ¡Realmente lo disfruté!

un cordial saludo e infinitas bendiciones,

suziecat7 (autor) de Asheville, NC el 17 de marzo de 2010:

Es un arte maravilloso. Gracias a todos por leer.

Michael Shane de Gadsden, Alabama, el 17 de marzo de 2010:

¡Tema muy interesante y buen centro! ¡buen trabajo!

naiza1986 el 16 de marzo de 2010:

¡Magníficos centros que tienes aquí! Yo nunca he sido bueno en nada como esto. Este es sin duda un verdadero talento para tallar. Definitivamente, disfruté leyendo tus hubs. =)

Andrés de Italia el 16 de marzo de 2010:

Me encantan, especialmente los tallados en cuernos de ciervo y aposs. Los camafeos son realmente un gran ejemplo de arte. Muy buen centro clasificado y tropezado. :)

carolina músculo desde Charlotte, Carolina del Norte, el 16 de marzo de 2010:

Me encantan estas cosas ... ¡¡tan intrincadas !! ¡Hermosa!

suziecat7 (autor) de Asheville, NC el 15 de marzo de 2010:

Gracias a todos por leer. Los camafeos siempre están de moda, pasados ​​de moda o no.

BP - bonito regalo de cumpleaños - alguien te quiere.

Audrey Kirchner desde Washington el 15 de marzo de 2010:

Me encantan los cameos y creo que no hay nada más & apossex & apos que llevar uno en una banda (como terciopelo) alrededor de tu cuello. Ahora que lo pienso, ¡necesito hacer eso! Sin embargo, un artículo muy interesante y toda la historia es genial.

sheila b. el 15 de marzo de 2010:

También me gustan los cameos, pero encuentro que los jóvenes los consideran anticuados.

Missi Darnell desde el sur de California el 15 de marzo de 2010:

Oh, me encantan los cameos. centro muy interesante!

desayuno pop el 15 de marzo de 2010:

Centro fascinante. Adoro los camafeos y voy a recibir un anillo de camafeo grande y hermoso para mi próximo cumpleaños. Aprendí algo y te agradezco.

JeanMeriam el 14 de marzo de 2010:

Hermoso hub suziecat7. Siempre me han gustado los cameos sin pensar en el trabajo que implican. Muy informativo.

suziecat7 (autor) de Asheville, NC el 14 de marzo de 2010:

Gracias a todos por pasar. Siempre me sorprende lo mucho que la historia no cambia.

Lorlie: sí, también me alegró el artista y la mano de un fraude.

Laurel Rogers de Bishop, Ca el 14 de marzo de 2010:

Suziecat: ¡este es un centro tan fabuloso! Particularmente me encanta el cameo con la reina africana (?). Cosas asombrosas y bellamente investigadas.

¡También es bueno saber que se necesita la mano de un artista y una mano para lograr la perfección!

Darlene Sabella de Hola, mi nombre es Toast and Jam, vivo en el bosque con mi perro llamado Sam. el 14 de marzo de 2010:

Centro impresionante, son tan reales y no tenía idea de que este arte histórico se remontaba hace tanto tiempo. Pulgares arriba y gracias


Mujer renacentista: Isabella d'Este

En las clases de historia europea, a menudo escuchamos sobre hombres del Renacimiento: Cosimo de ’Medici, Leonardo da Vinci y Niccolò Machiavelli. ¿Dónde estaban las mujeres? La mecenas más famosa del renacimiento italiano fue Isabella d'Este Gonzaga (1474-1539), marquesa de un territorio del norte de Italia llamado Mantua. A pesar de las restricciones que enfrentan las mujeres, sus colecciones de arte muestran importantes temas renacentistas: poseer el mundo antiguo a través de la colección de antigüedades, demostrar erudición a través de la adquisición de narrativas clásicas y modelar una identidad a través del retrato y los símbolos.

Deseo de antigüedades

Las cartas de Isabella revelan un anhelo por las esculturas y los objetos de arte antiguos. En su colección se documentaron un busto del emperador romano Octavio, un jarrón de ónix, una Venus regalada por Cesare Borgia (el posible hijo ilegítimo del Papa Alejandro VI) y un Cupido atribuido al antiguo escultor griego Praxiteles. Isabella mostró el Praxitelean Cupido junto a un Cupido durmiente del artista renacentista Miguel Ángel para comparar estas esculturas antiguas y modernas.

Antico, Hércules y Anteo, 1519, bronce, 43,2 cm de alto (Kunsthistorisches Museum)

Cuando Isabella d'Este no pudo adquirir una escultura antigua, recurrió al escultor conocido como Antico para crear estatuillas en oro y bronce en un estilo antiguo. Una escultura de bronce mostraba al héroe grecorromano Hércules levantando y aplastando al gigante Anteo en un concurso de lucha libre desnudo. Fundido en 1519, Isabella Hércules y Anteo es digno de mención por su representación de la musculatura. La escultura de bronce estaba marcada con una inscripción de propiedad, D / ISABEL / LA / M E MAR (Divina Isabel, Marquesa de Mantua). Isabella Hércules y Anteo Mide alrededor de 15 pulgadas de alto. Los estudiosos han considerado cómo estas pequeñas esculturas podrían examinarse de cerca y demostrar la naturaleza interactiva de la recepción del arte moderno temprano.

Giancristoforo Romano, Medalla retrato de Isabel d'Este [anverso], 1507, bronce, 0,039 cm de diámetro (Galería Nacional de Arte, Colección Samuel H. Kress)

Un cuidadoso mecenas de los retratos

Los retratos que sobreviven de Isabella d'Este y los relatos de sus encargos indican su cuidadoso control de las representaciones de su apariencia física. El escultor y medallista Gian Cristoforo Romano fundió medallas de bronce con una Isabella idealizada de perfil en el anverso y los símbolos del zodíaco en el reverso. El retrato de perfil muestra a Isabella con un collar sustancial enmarcado por un escote bajo y angular y su cabello recogido en trenzas y rizos rodeados por su nombre y título. El reverso presenta una personificación de una figura en pura ropaje y postura de contrapposto, que ha sido interpretada como Virgo, Astrología, Hygeia o Victoria, con el signo de Sagitario en la parte superior rodeado por la inscripción BENEMERENTIUM ERGO (traducida de diversas maneras como “A causa de grandes mérito ”[1],“ Por mérito ”[2],“ Por las [estrellas] que lo merecen ”[3]). Isabella distribuyó versiones de bronce de la medalla a aquellos a quienes favorecía y retuvo una medalla creada en oro y adornada con diamantes y esmalte.

Giancristoforo Romano, Medalla retrato de Isabel d'Este [anverso], 1495-1498, oro con diamantes y esmalte, 7 cm de diámetro (Kunsthistorisches Museum, Viena)

Vista de la Corte Vecchia, Palazzo Ducale, Mantua, Italia (foto: Steven Zucker, CC BY-NC-SA 4.0)

Espacios para coleccionar

Poco después del matrimonio de Isabella con Francesco II Gonzaga, la marquesa desarrolló un espacio para una galería de pintura: su studiolo - y una habitación para exhibir sus colecciones en crecimiento - el gruta . El original de Isabella studiolo y gruta se construyeron dentro del Castello di San Giorgio, el castillo medieval que forma parte del Palacio Ducal de Mantua. Posteriormente, estas salas se trasladaron a la Corte Vecchia del Palacio Ducal. La ubicación en la planta baja de estas habitaciones posteriores permitió la adición de un jardín secreto y un acceso más fácil para Isabella, quien luchó con la movilidad a medida que envejecía.

Andrea Mantegna, Marte y Venus (o Parnaso), 1497, temple y oro sobre lienzo, 159 cm × 192 cm (Musée du Louvre, París)

Isabella buscó pinturas con temas mitológicos de importantes artistas renacentistas para ella. studiolo . El programa, que los académicos continúan debatiendo, se desarrolló en consulta con el estudioso humanista Paride da Ceresara. Mientras que siete pinturas han sido interpretadas como alegorías de la virtud que conquista el vicio, otra interpretación enfatiza los roles de las pinturas dentro del espacio del studiolo y en el contexto de la literatura humanista en la corte de Mantua [4]. El pintor Andrea Mantegna entregó los dos primeros cuadros Marte y Venus (o Parnaso ) en 1497 y Pallas expulsando a los vicios en 1502. Después de mucha correspondencia con Isabella, en 1505, el pintor Pietro Perugino entregó el tercer cuadro para el studiolo El combate del amor y la castidad (o Batalla entre la lascivia y la castidad ) con Pallas y Diana luchando contra Venus y Cupido. La pintura de Perugino no agradó a Isabella, escribió que parecía deficiente en comparación con los lienzos de Mantegna.

Pietro Perugino, El combate del amor y la castidad (o la batalla entre lascivia y la castidad), 1505, óleo sobre lienzo, 160 x 191 cm (Musée du Louvre, París)

Tras la muerte de Mantegna, el nuevo pintor de la corte de Gonzaga, Lorenzo Costa, creó una escena de coronación, titulada de diversas formas Coronación de una mujer poeta o Alegoría de la coronación de Isabella d'Este (c. 1504-06), y una segunda pintura titulada El reinado de Comus (c. 1507-11). Antonio da Correggio contribuyó Alegoría de la virtud y Alegoría del vicio (c. 1528-1530) una vez que el studiolo se estableció en la Corte Vecchia. Las pinturas presentan diosas mitológicas, especialmente Pallas Atenea, Diana y Venus, lo que demuestra el conocimiento humanista de Isabella y su preferencia por las figuras femeninas que ejemplifican las características deseables de la marquesa.

Antonio da Correggio, Alegoría de la virtud (izquierda), 1528-30, temple sobre lienzo, 142 x 86 cm (Musée du Louvre, París) Alegoría del vicio (derecha), 1528-30, temple sobre lienzo, 149 x 88 cm (Musée du Louvre, París)

En sus últimas habitaciones en la Corte Vecchia, Isabella studiolo estaba conectado con ella gruta a través de un portal de mármol tallado atribuido a Gian Cristoforo Romano. los gruta también contó con los símbolos personales de Isabella o impresionar (emblemas) que adornan el techo. La medalla de oro de Gian Cristoforo Romano y la de Antico Hércules y Anteo (mencionado anteriormente) también se exhibieron en el gruta . El inventario realizado después de la muerte de Isabella reveló las extensas colecciones adquiridas a lo largo de su vida.

Más allá del Palacio Ducal

Mientras que el Palacio Ducal brindaba espacios para exhibir sus colecciones, Isabella esperaba dejar su ambiente oscuro y húmedo. Su villa suburbana, el Palazzo di Porto, brindó una oportunidad para escapar con sus jardines, árboles frutales y logia. Este entorno era ideal para exhibir y posiblemente utilizar el servicio de mayólica de Isabella, ya que en las villas de campo se prefería la vajilla de barro a la plata. Decorados con narrativas mitológicas y del Antiguo Testamento, así como con su escudo de armas y emblemas, los veintitrés platos supervivientes del servicio de mayólica utilizaron imágenes clásicas para enfatizar la virtud personal de Isabel de una manera que se hizo eco de sus colecciones en el Palacio Ducal.

Nicola da Urbino, Armorial Plate (tondino): La historia del Rey Midas, c. 1520–25, mayólica (loza vidriada con estaño), 27,5 cm de diámetro (Museo Metropolitano de Arte, Colección Robert Lehman, 1975, foto: Steven Zucker, CC BY-NC-SA 4.0)

Aunque a menudo se la identifica como la coleccionista femenina más importante del Renacimiento, Isabella d'Este es notable entre todos mecenas de la modernidad temprana, tanto hombres como mujeres, debido a la variedad de sus colecciones, que abarcan una amplia gama de materiales, fuentes iconográficas y períodos históricos. Aunque las pinturas y los objetos de arte de Isabella se han dispersado durante mucho tiempo de sus ubicaciones originales, las habitaciones de la marquesa en la Corte Vecchia permanecen en Mantua, Italia, y nos permiten imaginar el esplendor original de esta colección.

[1] Stephen Campbell, El gabinete de Eros: pintura mitológica renacentista y el Studiolo de Isabella d'Este (New Haven: Yale University Press, 2006), pág. 333.

[2] Eleonora Luciano, "Isabella d'Este", gato. 92 pulg El retrato renacentista: de Donatello a Bellini , ed. Keith Christiansen y Stefan Weppelmann (Nueva York: Museo Metropolitano de Arte, 2011), págs. 139-141.

[3] J. Graham Pollard, "Texto e imagen" en Perspectivas sobre la medalla del Renacimiento , ed. Stephen Scher, págs. 149-164.

[4] Stephen Campbell, El gabinete de Eros: pintura mitológica renacentista y el Studiolo de Isabella d'Este (New Haven: Yale University Press, 2006).

Ensayo basado en Lisa Boutin Vitela, "Isabella d’Este and Art", en IDEA: Isabella d’Este Archive, noviembre de 2017, http://ideaart.web.unc.edu/isabella-deste-art/

Recursos adicionales:

Francis Ames-Lewis, Isabella y Leonardo: la relación artística entre Isabella d'Este y Leonardo da Vinci, 1500-1506 (New Haven: Yale University Press, 2012).

Clifford Brown, Isabella d'Este en el Palacio Ducal de Mantua: una visión general de sus habitaciones en el Castello di San Giorgio y la Corte Vecchia (Roma: Bulzoni, 2005).

Stephen Campbell, El gabinete de Eros: pintura mitológica renacentista y el Studiolo de Isabella d'Este (New Haven: Yale University Press, 2006).

Barbara Furlotti y Guido Rebecchini, El arte de Mantua: poder y mecenazgo en el Renacimiento , traducido por A. Lawrence Jenkins (Los Ángeles: J. Paul Getty Museum, 2008).


Archivo: Cammeo gonzaga con doppio ritratto di tolomeo II e arsinoe II, III sec. C.A. (alessandria), por hermitage.jpg

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Camafeo ptolemaico

Los grandes y magníficos camafeos de la antigüedad clásica son pequeñas obras de arte, a menudo de la más alta calidad artística. Son fascinantes no solo por el virtuosismo técnico y los materiales preciosos involucrados, sino también por su tema, que es un testimonio no solo de la historia política y cultural de la época, sino también de las creencias religiosas imperantes. Espectáculo de cámaras del tesoro imperial, los camafeos servían como una muestra de riqueza y poder y eran un medio para glorificar al gobernante y su familia. Mientras que las gemas se producen tallando un diseño en una piedra (se usaban con frecuencia como sellos), los camafeos tienen decoración en relieve. La piedra generalmente se corta de tal manera que las figuras en relieve estén en la capa más clara de piedra, mientras que la capa más oscura proporciona el fondo. El "cameo ptolemaico" que representa al rey y la reina de Egipto fue cortado de las diez capas de piedra alternativamente marrón oscuro y blanco azulado. Ptolomeo II Filadelfo está en primer plano con un casco ático, cuyas mejillas están decoradas con un rayo, el atributo de Zeus. En la cúpula del casco hay una serpiente, la versión griega de la serpiente uraeus (áspid sagrado) en los cascos militares de los faraones. La cabeza del dios egipcio Ammón se puede ver en la protección del cuello del casco. La hermana y esposa de Ptolomeo, Arsinoë II, está al fondo, luciendo una corona en forma de gorro con un velo sobre ella. El camafeo se creó en el período comprendido entre la boda de la pareja en el año 278 a. C. y la muerte de Arsinoë en 270/69 a. C. Posiblemente se encargó como regalo de bodas oficial. © Kurt Gschwantler, Alfred Bernhard-Walcher, Manuela Laubenberger, Georg Plattner, Karoline Zhuber-Okrog, Obras maestras de la colección de antigüedades griegas y romanas. Breve guía del Kunsthistorisches Museum, Viena 2011


Temas similares o similares a Cameo (talla)

Intaglio, es una piedra preciosa pequeña y generalmente semipreciosa que ha sido tallada, en la tradición occidental, normalmente con imágenes o inscripciones solo en una cara. La principal forma de arte de lujo en el mundo antiguo, y una importante en algunos períodos posteriores. Wikipedia

Término general en historia del arte y arqueología para el tallado artístico de piedras predominantemente semipreciosas, como jade, cristal de roca (cuarzo transparente), ágata, ónix, jaspe, serpentinita o cornalina, y para un objeto hecho de esta manera. Normalmente, los objetos son pequeños y la categoría se superpone tanto a la joyería como a la escultura. Wikipedia

Banda redonda, generalmente de metal, que se usa como joyería ornamental. Adorno en otros lugares, la parte del cuerpo se especifica dentro del término, por ejemplo, aretes, anillos para el cuello, anillos para los brazos y anillos para los dedos del pie. Wikipedia

Camafeo de ónix tallado que representa una ceremonia de iniciación de Psyche y Eros. La gema grabada más famosa de la extensa y destacada colección heredada y ampliada por George Spencer, cuarto duque de Marlborough. Wikipedia

Criatura mitológica en la cultura maorí y es un motivo común en la talla y la joyería maoríes. Por lo general, se representa con la cabeza de un pájaro y la cola de un pez y el cuerpo de un hombre, aunque a veces se representa como un pájaro, una serpiente o una figura humana de perfil. Wikipedia

Gema grabada en camafeo en bajo relieve de la antigua Roma tallada en una piedra de ónix árabe de doble capa. Comúnmente se acordó que el cortador de gemas que creó la Gemma Augustea fue Dioscurides o uno de sus discípulos, en la segunda o tercera década del siglo I d.C. Wikipedia

Pieza de cristal mineral que, en forma cortada y pulida, se utiliza para realizar joyas u otros adornos. Sin embargo, ciertas rocas (como el lapislázuli y el ópalo) y ocasionalmente materiales orgánicos que no son minerales (como el ámbar, el azabache y la perla) también se utilizan para joyería y, por lo tanto, a menudo también se consideran piedras preciosas. Wikipedia

Medallista y grabador de gemas alemán. Nacido el 21 de marzo de 1705 en Biberach en Suabia. Wikipedia

Grabador de gemas inglés. Nacido en la parroquia de St. Clement Danes, Londres, el hijo mayor de Christian Reisen, un orfebre, de Trondheim en Noruega. Wikipedia

Las joyas o alhajas consisten en artículos decorativos que se usan para adorno personal, como broches, anillos, collares, aretes, colgantes, pulseras y gemelos. Las joyas se pueden adherir al cuerpo o la ropa. Wikipedia

Forma tradicional de joyería con piedras preciosas de la India que involucra una gema engastada con una lámina de oro entre las piedras y su montura, generalmente para collares elaborados. Se cree que el método se originó en las cortes reales de Rajasthan y Gujarat. Una de las formas más antiguas de joyería fabricada y usada en la India. Wikipedia

Artista germano-italiano en gemas grabadas. Aprendiz de su gran hermano mayor de 39 años y pintor Domenico de Angelis. Wikipedia

Tesoro de joyas de finales del siglo XVI y principios del XVII, descubierto en 1912 por trabajadores que excavaban con un pico en un sótano en 30-32 Cheapside en Londres, en la esquina con Friday Street. Encontraron una caja de madera enterrada que contenía más de 400 piezas de joyería isabelina y jacobea, incluidos anillos, broches y cadenas, con piedras preciosas de colores brillantes y engastes de oro esmaltado, junto con piedras sapos, camafeos, frascos aromáticos, porta abanicos, jarras de cristal y una sal. cava. Wikipedia

Gema grabada de Caroligian que representa la crucifixión de Cristo, que originalmente se encontraba en el tesoro de la Abadía de Saint-Denis en Francia. Durante la Revolución Francesa, muchas piezas del tesoro de la Abadía se rompieron y destruyeron o se vendieron; el cristal de Saint Denis finalmente llegó al Museo Británico de Londres, donde reside hasta el día de hoy. Wikipedia

Escuela de joyería en Birmingham, Inglaterra. Escuela de joyería más grande de Europa. Wikipedia


Medusa, la figura más temible de la mitología griega

Medusa, una de las figuras más temidas de la mitología griega, retratada por Rubens. Crédito: Kunsthistorisches Museum Wien, Bilddatenbank / Public Domain

La representación de las mujeres en la mitología griega, incluida la Gorgona Medusa, a menudo ha incluido imágenes e ideas aterradoras que muestran a los hombres & # 8217s el miedo al poder femenino y su necesidad de controlar & # 8212 o destruir & # 8212 este poder.

Al igual que los monstruos Scylla y Charybdis, así como la Esfinge, Medusa, el & # 8220Gorgon & # 8221 nació de los mismos dioses.

Μέδουσα, que significa & # 8220 guardián, protectora, & # 8221 a quien también se le conocía como Gorgo, era una de las tres monstruosas Gorgonas, generalmente descritas como hembras humanas aladas con serpientes venenosas vivas en lugar de cabello. Aquellos que la miraran a los ojos se convertirían en piedra.

La mayoría de las fuentes la describen como la hija de Forcis y Ceto, aunque el autor Hyginus la convierte en hija de Gorgona y Ceto.

Medusa fue decapitada por el héroe griego Perseo, quien a partir de entonces usó su cabeza, que conservaba su capacidad de convertir a los espectadores en piedra, como arma hasta que se la dio a la diosa Atenea para que la colocara en su escudo. En la antigüedad clásica, la imagen de la cabeza de Medusa apareció en el dispositivo supuestamente para evitar el mal conocido como & # 8220Gorgoneion. & # 8221

La Gorgona Medusa representada en el frontón del templo de Artemisa en Kerkyra (Corfú). Aquí se muestra a Medusa con un cinturón hecho de serpientes. Crédito: Dr.K./Wikimedia Commons / CC BY-SA 3.0

En la antigua Grecia, el Gorgoneion era un amuleto apotropaico especial que mostraba la cabeza de Gorgona, utilizado de manera más famosa por las deidades olímpicas Atenea y Zeus: se dice que ambos lo usaron como talismán y, a menudo, se representa usándolo.

Estableció su descendencia de deidades anteriores que se pensaba que seguían siendo poderosas. Entre otros atributos, fue asumido por los gobernantes de la época helenística como una égida real para implicar nacimiento o protección divina. Se mostró, por ejemplo, en el Alexander Mosaic y el Gonzaga Cameo.

Un Gorgoneion alado, usado en un escudo. Crédito: Xocolatl / Wikimedia Commons / Dominio público

Según Hesíodo y Esquilo, vivió y murió en una isla llamada Sarpedón, en algún lugar cerca de Cisthene. El novelista del siglo II a. C. Dionysios Skytobrachion la ubica en algún lugar de Libia, donde Herodoto había dicho que los bereberes crearon su historia e imagen como parte de su religión.

Naturalmente, los romanos también adoptaron a la Medusa como parte de su mitología.

En la obra Metamorfosis de Ovidio, del siglo I d.C., Medusa fue retratada como una Gorgona aterradora cuyos mechones de cabello serpenteantes convertían en piedra a cualquiera que se encontrara con su mirada.

Una copa de Gorgoneium, en el tondo de una copa ática griega antigua con figuras negras, finales del siglo VI a.C. & # 8211 Cabinet des médailles de la Bibliothèque nationale de France, París, Francia. Crédito: Bibi Saint-Pol, dominio público

Curiosamente, como la Esfinge, Escila y Caribdis en la mitología griega, Medusa termina conociendo a su creador a manos de un héroe masculino. Parece plantear la pregunta: ¿por qué todos los monstruos femeninos de la mitología griega son asesinados por hombres?

Perseo de alguna manera se las arregla para hacer la Medusa, pero solo con la ayuda de herramientas mágicas que incluyen sandalias aladas de Hermes, un gorro de invisibilidad de invisibilidad de Hades, el dios del inframundo, y un escudo con forma de espejo que perteneció a Atenea, la diosa de sabiduría & # 8212 y guerra.

Algunos creen que todas las Gorgonas, el trío de hembras aladas con serpientes venenosas por pelo, descendieron de Gaia, la personificación de la Tierra misma. Cualquiera que mirara a cualquiera de estas poderosas figuras femeninas a la cara se convertiría en piedra.

Un cameo romano de Medusa. Crédito: Sailko / Wikimedia Commons / CC BY-SA 3.0

Tal vez reflejando el miedo que los hombres tenían & # 8212 y sinceramente, a menudo todavía tienen & # 8212 de ser absorbidos por una relación debido a las atracciones irresistibles de las mujeres, Medusa fue retratada como engañosamente hermosa y horriblemente fea de estos tres, sin embargo, Medusa fue la única Gorgona mortal.

En la versión del poeta romano Ovidio, Medusa había sido una vez una hermosa doncella. Sin embargo, después de que Poseidón, el dios del mar, la violó en el templo de Atenea, la diosa buscó venganza por el atroz acto de profanación.

Pero en una crueldad inexplicable, la diosa Atenea misma, según el poeta masculino, por supuesto, transformó a la víctima de Poseidón en un monstruo espantoso.

& # 8220Medusa, & # 8221 de Caravaggio, mostrando un rostro convencionalmente bello y seductor & # 8212 a pesar de que está enmarcado con serpientes & # 8212 mostrando la evolución de Medusa como cada vez más femenina y atractiva a lo largo de los siglos. 1595. Crédito: Dominio público.

Curiosamente, los expertos han notado que con el tiempo, las representaciones de Medusa cambiaron drásticamente, mostrando cada vez más rasgos femeninos. Kiki Karaglou, curador de la exposición del Met "Belleza peligrosa: Medusa en el arte clásico", dijo en una entrevista de 2018 que las esculturas del monstruo del período griego arcaico, de 700 a 480 a. C., son en su mayoría figuras andróginas.

Claramente diseñadas para ser feas y amenazadoras, presentan barbas, colmillos y muecas. En la muestra del Museo Metropolitano de Arte, Karaglou reunió más de 60 representaciones del rostro de Medusa a lo largo de la historia.

Karaglou escribió en su ensayo de 2018 que se publicó junto con la exhibición que las representaciones de la Gorgona se volvieron notablemente más hermosas con el paso del tiempo. “La belleza, como la monstruosidad, cautiva y la belleza femenina en particular se percibía —y, hasta cierto punto, todavía se percibe— como encantadora y peligrosa, o incluso fatal”, dijo.

Este tropo de la mujer malvada y vampírica que representaba un claro peligro para los hombres se hizo más marcado a lo largo de los siglos, encarnando el tropo de una seductora malvada que aún perdura hasta el día de hoy.

& # 8220 Hombres & # 8217 miedo a las mujeres & # 8217 potencial destructivo & # 8221

En una historia reciente en Smithsonian revista, la autora Nora McGreevy recuerda los comentarios hechos por la clasicista Debbie Felton en un ensayo de 2013, que afirma que tales historias, transmitidas de generación en generación, & # 8220 hablaban del temor de los hombres al potencial destructivo de las mujeres. Los mitos entonces, hasta cierto punto, cumplen una fantasía masculina de conquistar y controlar a la mujer ”.

El periodista y crítico Jess Zimmerman, escribiendo en una colección de ensayos titulada & # 8220Women and Other Monsters: Building a New Mythology, & # 8221, dice: “Las mujeres han sido monstruos y los monstruos han sido mujeres, en siglos de historias, porque las historias son una forma de codificar estas expectativas y transmitirlas ".

Zimmerman teoriza que se esperaba en culturas que castigaban a las mujeres por su inteligencia nativa y por & # 8220 guardar el conocimiento para sí mismas & # 8221.


Varios de los mejores equipos que buscan el primer título en este torneo de la NCAA

Si estás cansado de ver las mismas potencias de siempre, este es un torneo de la NCAA para ti.

Duke, Kentucky y Louisville no se clasificaron. UCLA, Michigan State y Syracuse apenas lo hicieron. Carolina del Norte es una semilla No. 8. Connecticut es el número 7.

Las cuatro cabezas de serie No. 1 son Gonzaga, Baylor, Illinois y Michigan. Those programs have combined for only one national championship — Michigan's in 1989. The last time the top four seeds had only one title between them was in 1990, when Michigan State, UNLV, Connecticut and Oklahoma were atop the regions. Out of that foursome, only Michigan State had won a championship prior to that year.

This year, six of the eight teams on the top two seed lines are seeking a first national title. Ohio State is the only No. 2 seed that has already won one. You have to go all the way down to third-seeded Kansas before you'll find a team with multiple championships.

In 2019, Virginia won its first championship. Before that, the tournament hadn't had a first-time winner since Florida in 2006. The last time there was a first-time champ in two straight NCAA Tournaments was when Maryland and Syracuse won in 2002 and 2003.

Here are a few more things to watch in this NCAA Tournament:

The Big Ten has nine teams in the field, including two No. 1 seeds and two No. 2s. The league also hasn't won a title since Michigan State in 2000.

Since then, Indiana (2002), Illinois (2005), Ohio State (2007), Michigan State (2009), Michigan (2013 and 2018) and Wisconsin (2015) have all reached the championship game and lost.

Gonzaga (26-0) is trying to become the first undefeated national champion since Indiana went 32-0 in 1976. Since then, four teams have entered the NCAA Tournament undefeated: Indiana State in 1979, UNLV in 1991, Wichita State in 2014 and Kentucky in 2015. Three of those teams did reach the Final Four, but none of them won it all.

But don't assume Gonzaga would have been better off losing during the regular season to take the pressure off. It's been even longer since a team won the national title with exactly one loss. The last team to do that was N.C. State (30-1) in 1974.

Hartford and Grand Canyon, the two first-time participants in this tournament, have their work cut out for them. Hartford, which won the automatic bid from the America East Conference, is a No. 16 seed and will face Baylor in the first round. Grand Canyon, which won the WAC Tournament, is a No. 15 seed and takes on Iowa.

A couple other teams are making their first appearances this century. Drexel is in the field for the first time since 1996 and will take on top-seeded Illinois. Rutgers, appearing for the first time since 1991, is a No. 10 seed and faces Clemson.

The selection committee could have pitted Michigan against Appalachian State in a 1-16 matchup, but that didn't happen. The Wolverines do have Big Ten rivals Michigan State and Maryland in their region, but they can't meet either of those teams until the Elite Eight.

Gonzaga's path includes a some potential rematches. The Bulldogs could face Virginia in the Sweet 16 — they beat the Cavaliers 98-75 in late December. Gonzaga's draw also sets up a possible Elite Eight matchup with either Kansas or Iowa. The Bulldogs beat both those teams by double digits earlier this season.

Illinois may have to deal with a tough in-state opponent in the second round. Loyola Chicago is the No. 8 seed in that region. Illini coach Brad Underwood could also face Oklahoma State, his former team, in the Sweet 16.

The NET rankings raised some eyebrows this season. Colgate finished at No. 9, but when it came to the NCAA Tournament seedings, the Raiders were treated the way a Patriot League team is usually treated. They were seeded 14th in their region.

Loyola Chicago is ranked 10th in the NET, but received a No. 8 seed.

“Colgate is a little bit of an outlier. You can tell by their seed we didn’t base that off the NET,” selection committee chairman Mitch Barnhart said. “I don’t think there’s a perfect metric out there. I think if everybody was looking for the perfect metric, you wouldn’t have a committee that looked at it through the prism of different lenses.”


Ver el vídeo: Baylor wins the 2021 NCAA basketball championship. extended highlights (Noviembre 2021).