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Clarence H. White


Clarence H. White nació en West Carlisle, Ohio, en 1871. Un miembro del Camera Club White se unió a Alfred Stieglitz, Edward Steichen, Alvin Langdon Coburn y Gertrude Kasebier para formar el Photosecession Group.

White se interesó cada vez más en la enseñanza de la fotografía como arte y en 1914 estableció su propia escuela en Maine, y más tarde una en Nueva York. Durante este período enseñó a dos de los fotógrafos más importantes del siglo XX, Margaret Bourke-White y Dorothea Lange.

Clarence White murió en la Ciudad de México en 1925.


Clarence White se dedicó a la fotografía mientras trabajaba como contable en Newark, Ohio. Autodidacta, participó en el Primer Salón Fotográfico de Filadelfia en 1898, solo para formar parte del jurado al año siguiente, junto a Gertrude Käsebier y F. Holland Day. Pronto se unió al círculo estadounidense de fotógrafos pictorialistas.

Los sujetos más frecuentes de White eran su familia y amigos, a quienes sacaba de la cama para sesiones de fotografía matutinas antes de que comenzara su jornada laboral, cuando podía capturar una calidad de luz única. En 1904 se dedicó a su arte a tiempo completo, y dos años después se mudó con su familia a Nueva York, en parte para estar más cerca de Stieglitz y otros miembros de la Photo-Secession. Sin embargo, rascacielos, trenes y otros elementos del medio urbano nunca aparecen en su obra decididamente tranquila.

Stieglitz incluyó fotografías de White en seis números de Trabajo de cámara y le dedicó la totalidad de la publicación de julio de 1908. White también apareció, junto con Käsebier, en la tercera exposición en 291, en 1906. Pero, como muchos otros, se desilusionó con el liderazgo autoritario de Stieglitz en la Photo-Secession y en 1916 se unió a Käsebier y Alvin Langdon Coburn para fundar los Fotógrafos pictóricos. of America como una organización más inclusiva. También impartió clases de fotografía, y abrió la Escuela de Fotografía Clarence H. White en 1914. Allí fue mentor de muchos fotógrafos modernistas de la próxima generación, incluidos Anton Bruehl, Dorothea Lange, Paul Outerbridge y Margaret Bourke-White.


Clarence H. White

Keith Davis, historiador de la fotografía y autor de An American Century of Photography: From Dry Plate to Digital describe maravillosamente la ideología original del pictorialismo, practicada por algunos de los fotógrafos pictorialistas más respetados, incluidos Julia Margaret Cameron, Peter Henry Emerson y todo el Photo- Grupo de secesión. Afirma que las raíces modernas de esta estética fundamentalmente mística se pueden encontrar en los escritos de Charles Baudelaire, quien celebró un estado de hiperpercepción en el que las cosas del mundo se volvieron resonantes con significados más amplios y correspondencias inesperadas. En el reino poético de Baudelaire, el mundo era un "bosque de símbolos" mágico en el que "los perfumes, los sonidos y los colores responden a cada uno" en una unión extática de sensación y pensamiento. Cada uno de los fotógrafos mencionados anteriormente, incluido el arquetípico Clarence White, desarrolló el pictorialismo con el objetivo de elevar la fotografía al ámbito del arte más respetado. Justo antes del cambio de siglo, la concepción general era que una cámara era una máquina y el fotógrafo simplemente operaba la máquina. Para intentar lograr el pensamiento de la fotografía como un arte, los fotógrafos comenzaron a utilizar procesos alternativos y técnicas de impresión. Además, utilizaron un enfoque suave y compusieron cuidadosamente los temas similares a los estilos de pintura de maestros del pasado y del cambio de siglo. Al implementar una combinación de estas técnicas, el fotógrafo podría crear una atmósfera e invocar pensamientos y emociones que prevalecieran sobre el tema en sí. La belleza y el significado eran el objetivo final.

White fue fiel al pictorialismo mucho después de que muchos abandonaran el estilo. Sin embargo, fue solo por casualidad que White comenzó a fotografiar. Clarence Hudson White nació el 8 de abril de 1871 en West Carlisle, Ohio. Mostró un temprano interés en el arte, pero sus padres lo desanimaron y finalmente mudaron a la familia a Newark, Ohio, donde White se graduó de la escuela secundaria. En 1890, se convirtió en contador de Fleek and Neal, que era una empresa de abarrotes al por mayor. Cuando White se casó con Jane Felix en 1893, comenzó a tomar fotografías. Como a muchos fotógrafos a lo largo de la historia, la cámara lo cautivó. La pareja formó rápidamente una familia y, con un pequeño salario, White solo podía pagar dos placas de película por semana. Para adaptarse a su rígido horario de oficina, White solía tomar sus fotografías temprano en la mañana con su cámara Premo view de 6 ½ ”x 8 ½” con una lente de retrato de visión rápida Taylor-Hudson. Debido a su tiempo y dinero limitados para la película, White fue extremadamente cuidadoso al elegir y plantear su tema. El escenario, el vestuario y los temas de esas dos fotografías semanales se planificaron hasta el más mínimo detalle. Muchos residentes de Newark cuyos rostros fueron inmortalizados por White recordaron haberse levantado en medio de la noche para pasar horas practicando y posando para el momento en que la luz del amanecer era la adecuada para que Clarence White los fotografiara.

Estas intrincadas sesiones finalmente llevaron a White al reconocimiento. En 1896, la Asociación de Fotógrafos de Ohio le otorgó una medalla de oro. Sin embargo, fue la participación de White en la exposición en el Salón Fotográfico de Filadelfia en 1898 lo que le valió el reconocimiento nacional. Ese mismo año fundó el Camera Club de Newark, Ohio, publicó imágenes en The Photographic Times e hizo un importante viaje al Este para conocer a Alfred Stieglitz, F. Holland Day y Joseph Keiley. Pronto tuvo exposiciones individuales en el Camera Club de Nueva York, el Camera Club en Boston, organizó la primera exposición de fotógrafos estadounidenses y expuso en el Photographic Salon de Londres. Durante este período también se convirtió en miembro de Linked Ring y otras organizaciones relacionadas con la fotografía. También ganó numerosos premios y medallas y fue seleccionado para otras exposiciones colectivas durante este tiempo.

En enero de 1901, White estableció su primer estudio, The Studio of Clarence H. White, mientras seguía trabajando con Fleek y Neal. Le escribió a Stieglitz después de esta decisión, diciéndole que he tomado la decisión de que el arte en la fotografía será el trabajo de mi vida y me estoy preparando para vivir una vida muy simple con mi familia para llevarla a cabo. En 1902, White fue cofundador del grupo de Stieglitz, Photo-Secession. Pronto, White apareció con frecuencia en la revista Camera Work y apareció en el tercer número. Finalmente, después de lograr un éxito innegable, White se mudó a la ciudad de Nueva York para dedicarse a tiempo completo a la fotografía. Su familia siguió en 1907. Muchos creen que "el más rico de su carrera", en cuanto a la creación de imágenes, fue en Newark. Stieglitz fue citado de una carta escrita después de la muerte de White diciendo, pobre White. Cuidados y vejaciones. La última vez que lo vi, me dijo que no podía afrontar la vida tan bien como hace veinte años. Le recordé que le advertí que se quedara en el negocio en Ohio; Nueva York sería demasiado para él. Pero la Foto-Secesión llamó. Sin embargo, podría decirse que para algunos los logros de White tras su traslado a Nueva York fueron igualmente mensurables.

Al llegar por primera vez a la ciudad de Nueva York, White ayudó a Stieglitz en la galería. Colaboraron en una serie de desnudos y experimentos con el proceso de autocromo. En el invierno de 1907 fue nombrado primer instructor de fotografía en la Universidad de Columbia. Solo un año después, fue contratado en el Instituto de Artes y Ciencias de Brooklyn como su profesor de fotografía. Fue pionero en un nuevo campo de estudio e investigación al convertirse en educador de fotografía. Bajo su instrucción e influencia estuvieron muchos de la próxima generación de fotógrafos que hicieron importantes contribuciones a la historia de la fotografía, incluidos Margaret Bourke-White, Anton Bruehl, Dorothea Lange, Paul Outerbridge y muchos más. En el verano de 1910, White fundó una escuela de fotografía de verano en Maine. Debido a la dedicación de White a la educación fotográfica y su necesidad financiera, el trabajo personal de White comenzó a declinar y Stieglitz se irritó. Los dos rompieron lazos pocos años después, en 1912. La Escuela de Fotografía Clarence White se fundó en 1914 en la ciudad de Nueva York. Si bien muchos de sus amigos y colegas anteriores comenzaron a alejarse del pictorialismo, White mantuvo su visión y en 1916 ayudó a formar los fotógrafos pictóricos de América, de los cuales se convirtió en el primer presidente. Hasta su muerte en la Ciudad de México el 8 de julio de 1925, White permaneció dedicado al arte y la educación de la fotografía. Fue incluido en el Museo y Salón de la Fama de la Fotografía Internacional en 1986.

… Para White, la fotografía era un asunto muy personal e individual. Su esencia era simplemente el descubrimiento y desarrollo de la propia visión.


Clarence H. White y su mundo: el arte y el oficio de la fotografía, 1895-1925

En la década posterior a la invención de la cámara de apuntar y disparar de Kodak en 1888, miles de hombres y mujeres comenzaron a tomar sus propias fotografías de aficionados. Algunos de ellos, generalmente de origen educado e interesados ​​en las bellas artes, aspiraban a crear imágenes estéticamente agradables que rivalizaran con pinturas y grabados en sus composiciones y efectos tonales. Estos fotógrafos serios, que preferían las cámaras de visión de gran formato sobre trípodes, se llamaban a sí mismos pictorialistas, lo que simplemente significaba que estaban preocupados por hacer "imágenes" artísticas en lugar de documentos.

Uno de los más exitosos e influyentes de estos aficionados autodidactas fue Clarence H. White (1871-1925), quien surgió de orígenes modestos en Newark, Ohio, para convertirse en un fotógrafo y profesor de arte de fama internacional. Clarence H. White y su mundo: el arte y el oficio de la fotografía, 18951925 celebra la breve carrera de este dedicado visionario, que abarca la turbulenta era desde la Edad Dorada hasta el Armory Show de 1913 y los locos años veinte.

Basándose principalmente en la vasta colección de grabados y material de archivo adquiridos por el ex curador Peter C. Bunnell para el Museo de Arte de la Universidad de Princeton y de la Colección de la Familia Blanca de la Biblioteca del Congreso, la exposición también incluye fotografías de amigos de White, como Alvin Langdon Coburn, F. Holland Day y Gertrude Käsebier, y trabaja con una muestra de los cientos de estudiantes que White se formó en Columbia Teachers College, el Instituto de Artes y Ciencias de Brooklyn y las escuelas que fundó en Nueva York, Maine y Connecticut. Complementando más de 140 impresiones fotográficas raras, libros ilustrados y álbumes se encuentran pinturas y dibujos de John White Alexander, Léon Dabo, Thomas Wilmer Dewing, Arthur Wesley Dow, Alice Barber Stephens, Edmund Charles Tarbell, Max Weber y Marius de Zayas que iluminan el medio artístico en el que evolucionó el estilo de White.

La carrera temprana de White se centra en su ciudad natal del Medio Oeste, donde tomó la cámara en 1894. Aprovechó las sesiones fotográficas en el tiempo libre que tenía de su trabajo como contable para un tendero mayorista, vistió a su esposa, sus hermanas y sus amigos en trajes que evocan la época colonial o anterior a la guerra y los colocan en interiores penumbrales o en las colinas crepusculares en las afueras de Newark. La habilidad de White para crear cuadros que eran a la vez naturalistas y, sin embargo, llamativos, le valió premios en exposiciones regionales, seguidos de su aceptación en 1898 en la exclusiva muestra colectiva de fotografías de arte celebrada en la Academia de Bellas Artes de Pensilvania. Su encuentro allí con Alfred Stieglitz, F. Holland Day, Gertrude Käsebier y otros lo llevó a participar en exposiciones internacionales y a su eventual inclusión como miembro fundador del grupo que Stieglitz en 1902 denominó la “Photo-Secession”. White se destacó de sus contemporáneos por su asimilación del recorte radical y los planos aplanados de los estampados japoneses, su mujer melancólica e introspectiva y sus retratos francos y sin romanticismo de los niños.

La decisión de White en 1904 de convertirse en fotógrafo a tiempo completo y su mudanza en 1906 a Nueva York transformó su vida y sus sujetos. Mientras estaba en Newark, ya había obtenido ingresos adicionales de trabajos comerciales que ilustraban ficción, principalmente historias ambientadas en la frontera de Estados Unidos, como la novela superventas de Irving Bacheller, Eben Holden: una historia del país del norte. Una sección de la exposición revela hasta qué punto White, como muchos foto-secesionistas, vendió retratos, paisajes e ilustraciones narrativas a revistas, una práctica que ha recibido poca atención como resultado del renombrado rechazo de Alfred Stieglitz a la fotografía comercial.

Otro descubrimiento explorado en la exposición es la importancia del socialismo para la visión estética de White. La selección de White de técnicas de impresión hechas a mano, como las impresiones de goma de mascar en las que se aplica a mano una emulsión de goma pigmentada al papel de dibujo, y su transformación de cada impresión de platino (hecha en contacto con un negativo) en un objeto único están en deuda con los ideales de William. Morris y el movimiento Arts and Crafts, que valoraba la mano de obra sobre la producción de maquinaria estandarizada. La profunda amistad de White con la familia de Stephen M. Reynolds, director de campaña de Eugene Debs y destacado socialista de Indiana, dio como resultado retratos idealizados de una familia que abrazó la vida sencilla, la igualdad racial y social, y la filosofía de que todo objeto del hogar debería ser sea ​​armonioso. White también celebró a Rose Pastor Stokes y a su esposo, Graham Stokes, una pareja de poder socialista en los años previos a la entrada estadounidense en la Primera Guerra Mundial.

De acuerdo con el abrazo de muchos socialistas a Morris y Walt Whitman, White también aceptó la forma humana desnuda como natural y libre de pecado. A lo largo de su carrera, realizó fotografías de figuras desnudas, principalmente sus hijos al aire libre y mujeres jóvenes posadas en el estudio o en cañadas apartadas. Basándose en su mayor experiencia con la iluminación interior, White se unió a Stieglitz en 1907 para una serie de estudios de enfoque suave de modelos femeninas. Una muestra de estos grabados se reúne aquí por primera vez desde 1912, cuando Stieglitz se separó de White y desautorizó esta empresa de colaboración.

La última parte de la exposición está dedicada a las innovaciones de White como maestro, que forman una parte importante de su legado. White fue contratado por Arthur Wesley Dow en Teachers College en 1907 y compartía la filosofía de Dow de que los estudiantes de bellas artes y artes aplicadas deberían tener la misma formación fundamental basada en principios de diseño (anticipándose al enfoque de la Bauhaus en la década de 1920). En un momento en que las pocas escuelas estadounidenses que existían para enseñar fotografía se centraban únicamente en los procesos y la técnica, White asignó problemas de composición y exposición más abiertos seguidos de críticas grupales. Posteriormente, en la Clarence H. White School que fundó en Nueva York en 1914, contrató a una serie de artistas (empezando por Max Weber) para enseñar historia del arte y composición. Los estudiantes de White, representados aquí por Anton Bruehl, Laura Gilpin, Paul Burty Haviland, Paul Outerbridge, Karl Struss, Doris Ulmann y Margaret Watkins, entre otros, dominaron los principios abstractos de encuadre, recorte e iluminación que los prepararon para una amplia gama de carreras profesionales, incluidas las crecientes áreas de la publicidad y la fotografía de moda.

Las últimas obras de White incluyen retratos de actrices y estrellas del cine mudo famosas, pero ahora olvidadas, como Alla Nazimova y Mae Murray, así como el pintor Abbott Thayer y el director de arte de Condé Nast, Heyworth Campbell. White también probó suerte con la fotografía de moda y le dio la bienvenida al cine a la Escuela White en los meses antes de que dirigiera una clase de verano en la Ciudad de México, donde sucumbió trágicamente a un ataque cardíaco a la edad de cincuenta y cuatro años.

Lejos de rechazar los estilos modernos, White los acomodó en su escuela, aunque mantuvo su preferencia por los papeles de impresión mate y un grado de enfoque suave para sus estampados personales de salón. Lo que une su carrera, y permite que su trabajo nos hable hoy, es su creencia en el poder transformador del arte y el potencial de cada individuo para crear objetos de belleza duradera.

Anne McCauley

David Hunter McAlpin Profesor de Historia de la Fotografía y Arte Moderno


Biografía: fotógrafo de desnudos Clarence Hudson White

Clarence Hudson White (8 de abril de 1871 - 7 de julio de 1925) fue un fotógrafo estadounidense y miembro fundador del movimiento Photo-Secession. Durante su vida fue ampliamente reconocido como un maestro de la forma de arte por sus consumados retratos sentimentales y pictóricos y por su excelencia como profesor de fotografía. Hacia el final de su carrera, fundó la Escuela de Fotografía Clarence H. White, que produjo muchos de los fotógrafos más conocidos del siglo XX, incluidos Margaret Bourke-White, Dorothea Lange y Paul Outerbridge.

White nació en 1871 en West Carlisle, Ohio. Se mudó con su familia a Newark, Ohio cuando tenía dieciséis años. Era un ávido artista joven aficionado y llenaba cuadernos de bocetos con sus dibujos y pinturas antes de dedicarse a la fotografía a finales de su adolescencia o principios de los veinte. Su padre era vendedor de Fleek and Neal, una tienda de abarrotes al por mayor, y después de la secundaria, White se unió a la misma firma como contador. En 1893, White se casó con Jane Felix, quien se convirtió en la directora comercial, crítica e inspiración de White.

White produjo muchas de sus imágenes más famosas entre 1893 y 1906, mientras aún estaba en Ohio, a pesar de tener un trabajo de tiempo completo no relacionado con la fotografía y solo poder pagar dos planchas por semana.

Las fotografías de White son imágenes en blanco y negro, romantizadas y pictóricas. Las mujeres y los niños eran temas favoritos, y White fue elogiado por capturar el carácter de sus modelos. En una rara entrevista, White dijo: “No creo que [un fotógrafo] deba tener una idea preconcebida de lo que va a conseguir. Debería estar conmovido por su tema. Si no es así, se volverá ciego a los aspectos más hermosos de la naturaleza ".


Recordando el 75 aniversario de la Marcha de la Muerte de Bataan y el Mayor Clarence H. White

El ataque a Pearl Harbor el 7 de diciembre de 1941 conmocionó a la nación y empujó a los Estados Unidos a la Segunda Guerra Mundial. Las fuerzas estadounidenses apostadas en Filipinas tuvieron poco tiempo para prepararse para la guerra. Los ataques japoneses comenzaron horas después de Pearl Harbor, poniendo a las fuerzas aliadas en una posición defensiva y desventajosa.

En cuestión de meses, más de 70.000 estadounidenses y filipinos soportarían una crueldad inimaginable con la Marcha de la Muerte de Bataan de 65 millas. Los que sobrevivieron se enfrentaron a condiciones deplorables en los campos de prisioneros de guerra (POW). Muchos sufrieron más en los "barcos del infierno" mientras eran transportados a Manchuria o Japón. La recompensa para los sobrevivientes de la Marcha de la Muerte de Bataan resultó ser un sufrimiento continuo.

Uno de los hombres en la marcha de la muerte era el mayor Clarence H. White, médico del 31º Cuerpo Médico de Infantería del Ejército. Había estado destinado en Filipinas desde 1939, y su esposa y su hija pequeña habían vivido allí con él. A medida que la situación política cambiaba, el ejército de los Estados Unidos comenzó a evacuar a miembros de la familia fuera de Filipinas a principios de 1941. Nancy Kragh recuerda estar en el Muelle 7 en Manila preparándose para abordar el USS Washington con Chrystal, su madre embarazada, y despidiéndose de su padre. “Mi primer recuerdo de la infancia fue dejar a mi padre”, dijo Nancy.

Después de Pearl Harbor, las fuerzas estadounidenses y filipinas en el país no tenían los recursos ni el personal para repeler con éxito al enemigo. Las tropas estadounidenses y filipinas se retiraron a la península de Bataan en enero de 1942 [1] con la esperanza de resistir. Pero las fuerzas japonesas habían destruido porciones significativas del poder aéreo y naval de Estados Unidos en la región, haciendo que el reabastecimiento fuera casi imposible. Ante los ataques japoneses, los estadounidenses y los filipinos se vieron obligados gradualmente a retroceder más en la península.

Las raciones ya se habían reducido a la mitad y, a mediados de febrero, las tropas recibían significativamente menos que la media ración estándar. A finales de marzo, las raciones disponibles apenas alcanzaban para sustentar la vida. Algunos hombres habían perdido entre 15 y 25 libras en tres meses, y otros comían monos, serpientes, iguanas, cualquier cosa que pudiera complementar su hambre extrema. [2] El liderazgo militar estadounidense sabía que las fuerzas no podrían resistir el asalto japonés por mucho más tiempo. Durante todo este tiempo, el Mayor White sirvió en un tosco hospital de campaña, tratando de cuidar a los soldados lo mejor que pudo considerando las circunstancias.

Para el 9 de abril, después de meses de combate, las debilitadas fuerzas aliadas en Bataan bajo el mando del mayor general Edward P. King, Jr. no tenían más remedio que rendirse a los japoneses. [3]

El teniente general Jonathan M. Wainwright, comandante de las fuerzas estadounidenses en Filipinas en el momento de la caída de Bataan, reflexionó más tarde sobre los hechos. Wainwright entendió que el general King “estaba en el suelo y se enfrentaba a una situación en la que tenía que rendirse o hacer que mataran a su gente poco a poco. Esto sin duda le habría sucedido en dos o tres días ”. [4] La rendición había tardado meses en prepararse. Desde el principio, el racionamiento extremo y las enfermedades debilitaron a las fuerzas estadounidenses y filipinas. No obstante, la defensa de la península de Bataan fue heroica y reñida. La posición estadounidense restante en Filipinas, en la isla Corregidor, resistiría un mes más antes de caer en manos de los japoneses.

Después de la rendición del general King, más de 70.000 soldados estadounidenses y filipinos se convirtieron en prisioneros de guerra japoneses. Pronto los japoneses comenzaron a hacer marcharlos por la península. Cuando se les negó la comida y el agua en el calor abrasador y la humedad de la isla tropical, los prisioneros que se rezagaban a lo largo de la ruta fueron baleados o bayoneados por guardias japoneses. , un sobreviviente de la marcha que estaba adscrito al 27º Grupo de Bombardeo en ese momento. “Una vez que alguien se derrumbaba, los japoneses lo mataban inmediatamente”. [6] Después de caminar durante días, los prisioneros llegaron a San Fernando, donde los japoneses los cargaron en vagones de tren estrechos y sofocantes que los llevaron a Capas, donde nuevamente se vieron obligados a trasladarse. marcha.

Cuando llegaron al campamento O'Donnell, las condiciones no eran mejores. Originalmente un campamento del ejército filipino diseñado para albergar a 10,000 hombres, más de 60,000 sobrevivientes de la marcha tuvieron que apretujarse en el limitado refugio disponible. Debido al calor, la falta de sistemas de saneamiento, la atención médica limitada y la escasez de agua y alimentos, las enfermedades se extendieron por todo el campo, y se estima que 400 prisioneros mueren cada día [7]. En el verano de 1942, los prisioneros estadounidenses, incluido White, fueron trasladados a otro campo de prisioneros, en Cabanatuan. Como médico, trató de cuidar a sus compañeros de prisión enfermos, pero con pocos suministros médicos poco se pudo hacer para ayudar a los hombres que sufrían de hambre, malaria, disentería o beriberi.

A principios de 1942, los japoneses comenzaron a transportar prisioneros de guerra de regreso a las islas de origen y otros territorios para servir en campos de trabajo esclavo. Cuando Estados Unidos invadió Filipinas en octubre de 1944, los japoneses enviaron al norte a los prisioneros que pudieron. Los miembros del Cuerpo Médico se quedaron atrás para cuidar a los hombres enfermos y moribundos, que no estaban en condiciones de trabajar. No fue hasta diciembre de 1944 cuando se programó que White fuera transportado a Japón en uno de los últimos "barcos del infierno". Había sobrevivido durante casi tres años en condiciones no adecuadas para los seres humanos, pero las probabilidades de que continuara sobreviviendo disminuyeron con el transporte en un "barco del infierno".

Traído al Muelle 7 en Manila, el mismo lugar donde se despidió de su esposa e hija casi cuatro años antes, White abordó un "barco del infierno", el Oryoko Maru. Con temperaturas extremas en el espacio de la bodega, sin agua y prácticamente sin ventilación, muchos hombres no sobrevivieron a la noche. (Las estimaciones de supervivientes varían, pero la mayoría está de acuerdo en que al menos 20 prisioneros de guerra [8] murieron durante la primera noche a bordo). Estas condiciones infernales solo empeoraron cuando los aviones estadounidenses bombardearon y ametrallaron el Oryoko Maru - que no estaba marcado como buque de prisioneros de guerra - antes de que se hundiera cerca de Subic Bay. White apenas sobrevivió. Se las arregló para llegar a tierra solo para ser colocado en otro "barco del infierno", el Enoura Maru, que posteriormente fue atacado mientras estaba atracado en el puerto de Takao, Formosa (Taiwán) en enero de 1945. White sufrió heridas de metralla y murió desangrado en la cubierta del barco en el transcurso de 48 horas. Aunque cerca de los hospitales japoneses en tierra, no se ofreció ayuda médica más que los primeros auxilios básicos. Se estima que más de 21.000 estadounidenses murieron o resultaron heridos por fuego amigo en estos "barcos del infierno". [9]

En abril de 1945, Chrystal recibió el telegrama que informaba de su muerte. Nancy recuerda ese día. “Vivíamos en un apartamento con una gran ventana que daba a la calle. La recuerdo mirando por la ventana, dos hombres caminando por la acera y ella colapsando en la silla ". Entender lo que sucedió no fue fácil para Nancy porque su madre siempre hablaba de cuando "papá llega a casa". Para Navidad y cumpleaños, su madre compraba regalos para las niñas, los enviaba por correo y hacía parecer que los había enviado su padre. Las niñas recibirían estos obsequios especiales, creyendo que su regreso era inminente.

Aunque White figura oficialmente en los Muros de los Desaparecidos en el Cementerio Americano de Manila, Nancy cree que los restos de su padre están enterrados en un cementerio desconocido y mezclado en el Cementerio Conmemorativo Nacional del Pacífico en Honolulu. Se estima que solo un tercio de los que se rindieron en Bataan en abril de 1942 sobrevivieron a la guerra. Si bien no hay cifras oficiales de los que murieron durante la Marcha de la Muerte de Bataan, miles de prisioneros, la mayoría de ellos filipinos, perdieron la vida. Nancy, que está involucrada con la Sociedad en Memoria de los Defensores de los Estados Unidos de Bataan y Corregidor (ADBCMS), ha hecho que su misión sea "difundir la historia y asegurarse de que no muera con mi generación".

Un agradecimiento especial a Nancy Kragh por compartir la historia de su padre.

Nota del editor: Debido a la naturaleza de la marcha de la muerte, los campos de prisioneros de guerra y los "barcos del infierno", el mantenimiento de registros precisos era imposible en ese momento. Debido a que las estadísticas varían según la fuente, utilizamos intencionalmente números redondeados y estimaciones en el extremo inferior del rango. Los prisioneros de guerra hicieron todo lo posible por registrar lo que pudieron teniendo en cuenta las circunstancias.


Clarence H. White

Edward Steichen. Retrato de Clarence White, 1908. Colección Alfred Stieglitz. © 2018 The Estate of Edward Steichen / Artists Rights Society (ARS), Nueva York.

Clarence White, un fotógrafo influyente y fundador de una escuela de fotografía, creó un trabajo resueltamente tranquilo que a menudo presentaba a su familia y amigos, a quienes levantaba de la cama para las sesiones matutinas. White se dedicó a la fotografía mientras trabajaba como contable en Newark, Ohio. Autodidacta, participó en el Primer Salón Fotográfico de Filadelfia en 1898, solo para formar parte del jurado al año siguiente, junto a Gertrude Käsebier y F. Holland Day. En 1904 se dedicó a la fotografía a tiempo completo y dos años después se mudó con su familia a Nueva York, en parte para estar más cerca del influyente grupo Photo-Secession. Este grupo, fundado por Alfred Stieglitz, tenía como objetivo promover la aceptación de la fotografía como medio artístico, desafiando las ideas aceptadas de lo que constituía una fotografía exitosa.

El líder de Photo-Secession, Stieglitz, incluyó fotografías de White en seis números de su diario. Trabajo de cámara y le dedicó exclusivamente el número de julio de 1908. Pero, como muchos otros, White se desilusionó con el liderazgo autoritario de Stieglitz. Como señal de su ruptura con la foto-secesión, White abrió una escuela a su nombre en Nueva York en 1914, la primera escuela de fotografía como práctica artística, que duraría hasta 1940 (bajo la dirección de la viuda de White, Jane White ) y dar lugar a un programa de estudios de fotografía en la Universidad de Ohio que continúa allí como la Escuela de Comunicación Visual. Habiendo renunciado en gran medida a hacer fotografías en sus últimos años, Clarence White fue mentor de muchos jóvenes talentos pioneros, incluidos Anton Bruehl, Dorothea Lange, Paul Outerbridge y (sin relación) Margaret Bourke-White.


Lo más destacado de la colección Coville

Llaves de máquina de escribir, 1921. - Ralph Steiner

La Colección Coville incluye 80 estudiantes blancos y es una recopilación extraordinaria de fotografías de arte impresionantes de sus practicantes conocidos y menos conocidos. Estos incluyen a los fotógrafos humanistas Dorothea Lange, Laura Gilpin y Doris Ulmann modernistas con un estilo comercial como Paul Outerbridge Jr., retratistas de enfoque suave Ralph Steiner y Anton Bruehl y fotógrafos de paisajes Paul L.Anderson y Clara Sipprell Margaret Watkins y Wynn Richards, quienes tomó turnos prácticos en los campos del trabajo documental y la publicidad Margaret Bourke-White, la fotoperiodista poco convencional y Karl Struss, un director de fotografía pionero.

De las muchas estudiantes mujeres que enseñó White, Gilpin y Ulmann, conocidas hoy por su importante cobertura documental del paisaje occidental y los tipos rurales del sur, respectivamente, se convirtieron en estrellas, y la Biblioteca adquirió su trabajo después de exhibirlo en la década de 1930. Laura Gilpin, amiga cercana de la hija del bibliotecario Herbert Putnam, Brenda, había instado al bibliotecario a comprar las fotografías de White después de su muerte. Su Bryce Canyon, Utah (1930), de la Colección Coville, es una adición significativa a otras escenas de Colorado y Nuevo México que ya se encuentran en la División de Impresiones y Fotografías. El montañero del sur de Ulmann (circa 1928), el retrato de un hombre `` orgulloso de haber estado en la cima de todas las montañas en su sección del país '', pertenecía a una serie de montañistas del sur, retratos con cámara de tipos de personajes reproducidos a partir de fotografías realizadas recientemente. en las Tierras Altas del Sur. Ahora se une a las otras 155 fotografías de Ulmann en las colecciones.

Los exitosos Outerbridge, Bruehl y Steiner, que ayudaron a inspirar o capacitar a otros, se encontraban entre los exalumnos más destacados. Outerbridge estudió con White de 1921 a 1922, luego trabajó en París a mediados de la década de 1920, forjando un vínculo entre la fotografía y el modernismo. Curiosamente, la Colección Coville contiene cinco de sus obras: dos de sus fotografías en color bien conservadas que utilizan la fiel técnica de reproducción cromática entonces en uso, conocida como impresión de color carbro, una naturaleza muerta en blanco y negro y dos dibujos geométricos. Este variado grupo complementa las otras 39 fotografías donadas a la Biblioteca en 1959 por la viuda de Outerbridge.

La exposición de una hora de Steiner, Typewriter Keys, 1921, una declaración audaz con el potencial de proclamar visualmente el valor de una mercancía, se produjo como un ejercicio de diseño de la Escuela Blanca.

Anton Bruehl, cuyo trabajo fue muy admirado por los estudiantes y que más tarde se hizo conocido por las imágenes en color de alta calidad que producía para las revistas de Condé Nast, mantuvo una asociación comercial con su hermano Martin en Nueva York desde 1927 hasta la década de 1930. Top Hats, circa 1929, produced for the Weber and Heilbroner haberdashery, was one of their successful advertising photographs.

The Coville Collection helped to rediscover the work of Margaret Watkins and Wynn Richards, two lesser-known names in the field of advertising work. Watkins had a reputation for technical expertise, but she also took credit for introducing the kitchen still-life as a school exercise. Her Domestic Symphony (before 1921), was reproduced in an illustrated article about her newsworthy "modernist or Cubist patterns in composition." The Coville Collection contains 18 of her rare photographs.

Mississippi native Wynn Richards, who left her husband and son to study with White in Canaan and later in New York during 1918 and 1919, was inspired to pursue a career in fashion photography. In the early 1940s, she was commissioned by the National Cotton Council (her brother was a founding member) for its first national advertising campaign. Richards photographed state governors' wives and children in cotton fashions and clothing designers with their creations, while she also chronicled the story of cotton from field to mill.

Though acclaimed photojournalist Margaret Bourke-White's introduction to photography came from her engineer-inventor father, her training in design came from Clarence H. White. With her first camera presented by her mother after her father died, she took White's class in the spring of 1922, her second semester at Columbia. This began her long, daring and well-respected career as freelancer for architects, advertisers and magazines. Today she is best known for her industrial photographs and her documentation of the Soviet Union in the early 1930s.

Karl Struss, another early White student, pioneered in the field of cinematography. After a career in portrait, magazine and advertising photography and service in World War I, Struss went to Hollywood, where he shared the first Academy Award in cinematography, for the 1926 film "Sunrise."


Clarence H. White - History

Barbara Tannenbaum Curator of Photography

Mañana 1905. Clarence H. White (American, 1871–1925). Gum bichromate print 24.5 x 19.5 cm. Princeton University Art Museum, The Clarence H. White Collection, assembled and organized by Professor Clarence H. White Jr., and given in memory of Lewis F. White, Dr. Maynard P. White Sr., and Clarence H. White Jr., the sons of Clarence H. White Sr. and Jane Felix White, x1983-515

Ohio native Clarence H. White was an inventive artist, an influential leader of the American Pictorialist movement, a pioneer in the development of photographic magazine illustration and advertising, and founder of the first school of fine art photography in the United States. Yet history has marginalized him, perhaps because his death in middle age left many artistic and professional goals unrealized. Clarence H. White and His World, the first retrospective devoted to the artist in more than a generation, helps redress this lack of attention, surveying White’s career from its beginnings in 1895 to his death in 1925.

Raised in Newark, Ohio, White worked there as a bookkeeper in a downtown wholesale grocery next to the Ohio and Erie Canal. In 1893, White took up photography. A serious amateur from the start, he enlisted friends and family members to pose before and after his workday, often subjecting them to lengthy sessions in the dim light of dawn or dusk. His carefully staged, idyllic depictions of domestic life soon earned national, then international, acclaim. White became a prominent proponent of Pictorialism.

The first concerted effort to elevate the medium from a trade or hobby to the status of fine art, Pictorialism became the standard-bearer for photography as personal expression. The widespread movement was eventually associated with soft-focus, harmonious, and often staged compositions.

Unpublished illustration (Julia Hall McCune) for Clara Morris, “Beneath the Wrinkle,” 1903. Clarence H. White. Platinum print with glycerine development, graphite, crayon, and gouache 20.7 x 18.8 cm. The Cleveland Museum of Art, Gift of John Flory, Elizabeth Flory Kelly, and Phoebe Flory, 1980.152

Hand manipulation of negatives and prints was an important practice for Pictorialists, who espoused handmade, artisanal prints as a counterpoint to the increasingly industrial nature of photography in the Kodak era, when “snapshooters” were told, “You press the button, we do the rest.” The Pictorialists shared with the older international Arts and Crafts movement the belief that producing and living among well-designed, handcrafted goods and art objects benefited individuals and society as a whole.

Mañana (1905) is emblematic of White’s idealized, ennobling creations. The hazy, quiet scene was shot not far from Newark on a hill above the Licking River. Silhouetted, a leaning tree bisects the picture and becomes a flat, and flattening, compositional device reminiscent of those found in Japanese woodblock prints, an art form White admired. The trunk serves as a fulcrum that balances near and far: White’s wife, Jane, stands in the foreground on the right, while the curve of the distant river fills the left side of the picture. Attired in a flowing gown suggestive of an earlier era, Jane gazes down at the glass orb she holds. Is the globe an allusion borrowed from Renaissance and Baroque paintings to suggest the earth, Christian faith, or the transience of human life? Is it a symbol of geometric perfection or of mysteries beyond human understanding? The picture eschews factual truths about American life in the first years of the 20th century, from Jane’s daily life of scrubbing, cooking, and raising two boys to the growing pains experienced by a country beset by labor unrest in an era of rapid urbanization and industrialization. This peaceful image projects White’s personal vision of harmony and union between humans and nature.

Drops of Rain 1902. Clarence H. White. Platinum print 21.1 x 16.2 cm. Princeton University Art Museum, The Clarence H. White Collection, assembled and organized by Professor Clarence H. White Jr., and given in memory of Lewis F. White, Dr. Maynard P. White Sr., and Clarence H. White Jr., the sons of Clarence H. White Sr. and Jane Felix White, x1983-940

Soulful images like Mañana garnered praise and awards, but little income an active market for fine art photography would not form until the 1970s. When White quit his bookkeeping job in 1904 to devote himself fully to photography, he eked out a meager living by producing portraits and illustrations for stories and essays in books and magazines. In 1906 he moved to New York and the following year, to supplement his income, began teaching photography at Teachers College of Columbia University. In 1910 White founded a summer school, and in 1914 he opened a year-round school of photography in New York. Teaching became his primary activity. White School students, working with many instructors, had to master a wide variety of photographic processes and printing techniques and were given open-ended assignments that could be applied to both commercial and fine arts prints. As a teacher and mentor, White inspired a generation of commercial, documentary, and art photographers, including Margaret Bourke-White, Doris Ulmann, Ralph Steiner, Paul Outerbridge, and Karl Struss.

On a student trip to Mexico City in 1925, White died of an aortic aneurysm at age 54. His many contributions to the art of photography came at the cost of personal sacrifices. Fellow photographer Alvin Langdon Coburn understood this and offered praise. “To be a true artist in photography,” Coburn said in his eulogy, “one must also be an artist in life, and Clarence H. White was such an artist.”


Clarence H. White

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Ver el vídeo: Lecture. Clarence H. White and His World: The Art and Craft of Photography, 1895-1925 (Enero 2022).